Cortesía de la Casa

The Dillinger Escape Plan
Option Paralysis
Party Smasher, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Cuando se puede hacer una descripción bastante gráfica del efecto que tiene la música de una banda o artista en particular sobre uno, podría decirse que dicha banda o artista están haciendo un buen trabajo, en este caso en particular, el cuarto álbum de estudio de The Dillinger Escape Plan, Option Paralysis, me tomó de la cara, me estrelló contra el piso y me arrastró hasta la pared para estrellarme contra ella.

Al igual que Mastodon, la banda liderada por Greg Puciato tiene una sorprendente habilidad para explorar una misma idea desde distintos ángulos, logrando una lectura fresca y atrayente en cada álbum que lanzan. En ese sentido, hay una diferencia entre Option Paralysis y su anterior disco, Ire Works. Mientras que el trabajo de 2007 concentraba el sonido de la banda en pequeñas dosis que en ocasiones no pasaban de los dos minutos, los temas más largos de Option Paralysis le permiten a la banda explorar con cambios dinámicos y de ritmo dentro de las canciones, como es el caso del tema que abre el disco, ‘Farewell Mona Lisa’, el cual arranca con una andanada de sonido que hubiera sido muy difícil de mantener (y de escuchar), pero que empieza a modular su intensidad en el momento indicado, algo que también aparece en temas como ‘The Widower’ o ‘Room Full of Eyes’; por otro lado, ‘Endless Endings’, ‘GoodNeighbor’ y ‘Crystal Morning’ son temas que recuerdan anteriores épocas con agresión contenida en poco más de dos minutos. El disco es cerrado por ‘Parasytic Twins’ que funciona como un descanso con respecto al sonido de las canciones precedentes.

Con un nuevo baterista (Billy Rymer), que con casi un año y medio dentro de la banda está acoplado al sonido de Dillinger Escape Plan, Option Paralysis es un álbum que suena menos experimental que otros trabajos recientes de bandas similares (Como el caso del Axe to Fall de Converge), pero que es ciertamente recomendado para aquellos que están buscando un poco mas de agresión y contundencia en su música.

Bad Religion
30 Years Live

Por: Julián F. Gutiérrez

El mail con el código de descarga llegó hoy en la mañana, encabezado con un entrañable “Dear Julián”. Al final, hay una foto de ellos seis sentados en una mesa de parque casi que diciendo “Hombre, ojalá pudieras estar acá”.

Resulta difícil creer que esos seis hombres que ya están en su mayoría en la mitad del cuarto piso hayan sido una de las fuerzas más importantes en el punk durante los últimos treinta años. Greg Graffin está  cada vez mas calvo, su cara se ha hecho más gorda y tiene un aspecto ciertamente bonachón, mientras que el pelo de Brett Gurewitz se hace más y más gris al mismo tiempo que Jay Bentley deja de ser el Galán del Punk para ser el Galán Otoñal del punk, pero eso evidentemente no podría importar menos; Bad Religion está más vital que nunca, como lo muestra su álbum 30 Years Live, disponible para descarga gratuita a quienes están inscritos en la lista de correo de la banda.

Muchas bandas punk parecen no envejecer con dignidad. Seamos honestos, a pesar de lo mucho que significan para el género, los Ramones se quedaron metidos en la época de los álbumes anteriores al End of the Century, convirtiéndose en una caricatura de sí mismos como lo demostraron algunos de los discos lanzados en los años ochenta. Cuando vi a los Misfits en Theatron hace 4 años me pareció por un momento ver a esas bandas de metal que más de veinte años después no la lograron y llegan a una persistencia que es casi patética, y ni me hagan hablar de Green Day (Aunque ciertamente, espero poder verlos en octubre), pero al oír los temas de este disco se siente como si el tiempo no hubiera hecho demasiada mella en el sonido de la banda, siendo una experiencia tan contundente como uno podría imaginar, sin tantos “Oozin’ Aahs” (sus famosas armonías vocales) y si con un sonido que raya en el hardcore clásico, lo que es entendible tomando en cuenta que es un álbum en vivo. El setlist por otro lado, no podría ser más representativo de la banda cubriendo las épocas del How Could Hell Be Any Worse?, The Process of Belief, The Empire Strikes First, Recipe for Hate y Against the Grain, entre otros.

Con una canción nueva (’Resist-Stance’) que no tiene nada que envidiarle a anteriores épocas y una muestra de 30 años de carrera, Bad Religion es una banda que ya está por encima del bien y del mal y deja ver de lo que aún es capaz. Yo solo espero poder verlos en vivo, o en su defecto, colarme en alguna clase de las que da Greg Graffin en la Universidad de California.

Broken Social Scene
Forgiveness Rock Record
Arts & Crafts, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

No es descabellado decir que Broken Social Scene es la banda más importante que ha salido de Canadá en los últimos diez años, no solo por lo que ha logrado en sí misma, sino por sus vínculos con otras bandas y artistas, como lo demuestra el hecho que Emily Haines (Metric) y Leslie Feist hayan pasado en algún momento por su formación. Es por eso, que muchos estábamos esperando el siguiente trabajo de la banda tras su disco homónimo de 2005. Pues bien, la espera ha terminado con su más reciente trabajo, Forgiveness Rock Record.

Hay que admitir que la espera se hizo un poco más llevadera con los trabajos en solitario de Brendan Canning y Kevin Drew, Something for all of us y Spirit If… respectivamente; aún así, no era lo mismo que un disco de Broken Social Scene en propiedad, sin embargo, la espera ciertamente valió la pena… El álbum lanzado en 2005 marcaba una nueva dirección en el sonido de la banda, en el que la vena ambiental y atmosférica de trabajos como You forgot it in people era abandonada para ir en la búsqueda de un sonido que si bien seguía siendo igual de solido, era una solidez lograda a través de distintos medios, recurriendo a capa tras capa de guitarras en lugar de otra instrumentación, como ocurre en ‘Meet me in the basement’, ‘Water in hell’ o ‘Sentimental Xs’ (canción en la que aparece Emily Haines), al mismo tiempo que ‘Chase Scene’ recuerda al sonido del más reciente trabajo de Yo la tengo, pero visto bajo la óptica del colectivo canadiense. Así mismo, haciéndole honor a su etiqueta de ‘Pop Barroco’, cada una de las 14 canciones que compone el álbum está llena de tantos pequeños detalles que la mejor manera de escucharlo es armado de los mejores audífonos a los que se pueda tener acceso y un par de copas del licor de preferencia a bordo.

Si bien, quienes aún añoran al Broken Social Scene de antes encontrarán en canciones como ‘Ungrateful Little Father’ reminiscencias de ese sonido, el álbum como conjunto profundiza el camino que la banda empezó a recorrer hace desde 2005 y que al parecer, no planea abandonar. Si bien lo hace a través de otros métodos, Forgiveness Rock Record establece a Broken Social Scene como la banda de pop barroco por antonomasia con un sonido lleno de detalles sin ser hostigante y que confirma al colectivo canadiense como uno de los protagonistas más importantes de la escena musical (si no el más importante) del país de Pierre Trudeau y la Real Policía Montada.

65DaysOfStatic
We Were Exploding Anyway
Hassle, 2010

Cuando uno se dedica a escuchar música y escribir sobre lo que ha oído, siempre corre el riesgo de saturarse, de oír bandas que no son más que imitaciones de conceptos ya explorados anteriormente y que no ofrecen más, y es por eso que  encontrarse con verdaderas joyas es una experiencia tan reconfortante, y debo decir que eso me pasó con el más reciente disco de 65DaysOfStatic, We Were Exploding Anyway.

Al escuchar ‘Mountainhead’, primer corte del disco, pensé que me encontraría ante un álbum muy parecido a su anterior trabajo, The Destruction of Small Ideals, lo cual, si bien no era algo malo, tampoco sería algo particularmente notable. Sin embargo, a medida que avanzó, una nueva bestia fue apareciendo, con solo unas ligeras trazas del sonido que tenía la banda anteriormente. Los componentes de loops, secuencias y samples que aparecían de manera tímida en anteriores trabajos de la banda ahora toman la parte central del escenario, lo que trae como resultado un disco de sonido más rítmico y menos atmosférico, una cualidad que se nota en la que es, sin lugar a dudas la canción más interesante del disco, ‘Dance dance dance’, una andanada de percusión y secuencias que durante 4 minutos obliga a quien la oye a moverse al ritmo que le dice el tema, situación que también ocurre con ‘Come to me’ y ‘Crash Tactics’. ‘Come to me’, tema que tiene la participación de Robert Smith, ‘Go Complex’ y ‘Debutante’ por su parte, son las excepciones a esa regla, con una masa crítica que empieza a construirse lentamente y que estalla de una manera que deja a quien escucha el disco completamente fuera de balance y pidiendo más. El hecho que es un disco con una fuerte vena rítmica e incluso bailable (no puedo esperar a oír remezclas de varios de los temas del disco) no quiere decir que sea un disco superficial, al igual que en anteriores trabajos de la banda, las melodías que aparecen en este álbum logran conectarse de alguna manera con quien oye el disco, de tal manera que invitan a escucharlo varias veces sin sentirse agobiado o cansado del mismo.

Si bien se aleja del anterior trabajo de la banda inglesa, y es ciertamente muy distinto del sonido de una banda como Mogwai, We Were Exploding Anyway es fiel a la fórmula del post-rock en términos de la deconstrucción y replanteamiento de elementos con los que estábamos familiarizados, convirtiéndose en el mejor trabajo hasta el momento de 65DaysOfStatic y muy probablemente, en uno de los mejores discos del año.

Kate Nash
My Best Friend Is You
Fiction, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

En el 2006, Lily Allen inauguró el nicho de pop de chicas británicas con falso acento cockney y actitud de mala, nicho que empezó  a ser colonizado unos años después por gente como Katie White (de The Ting Tings) y Kate Nash, que lanza su segundo álbum de estudio, “My Best Friend Is You”.

Para ser honesto, temía bastante que la encantadora señorita Nash fuera víctima del conocidísimo “síndrome del segundo álbum” en esta ocasión. Si bien ‘I Just Love You More’ era una canción bastante interesante, sembraba bastantes dudas sobre si Kate Nash adoptaría el camino fácil y, “se las daría de ruda” con este disco nuevo y si hay algo de cierto en que hay canciones con una actitud más oscura como es el caso de ‘Mansion Song’, no es un cambio muy abrupto con respecto al sonido de su primer trabajo, “Made of Bricks”. De hecho, temas como ‘Take Me to a Higher Plane’, ‘Early Christmas Present’, ‘Paris’ y ‘Pickpocket’ son ejemplos de cómo eso que estaba presente en las canciones del primer disco permanece en este: Esa combinación entre un sonido inocente y hasta cierto punto infantil, con letras agudas y contundentes, las que solo se pueden escribir después de un corazón roto o una decepción del tamaño de Groenlandia y que le da a la música de Nash un balance entre inocencia y oscuridad que por alguna misteriosa razón, siempre asocio con los libros de Roald Dahl.

Musicalmente hablando, es un álbum que se siente con más sustancia y cuerpo, que elabora sobre lo obtenido en el primer disco, como lo muestran (de nuevo) ‘Paris’ o ‘Later On’, pero que incorpora influencias nuevas sin que se sientan forzadas, como el sonido de Girl Group sesentero de una canción como ‘Kiss That Grrl’, las influencias de Los Campesinos! en ‘Take Me to a Higher Plane’, o el sonido más inclinado hacia el rock de ‘I Just Love You More’ o ‘Doo Wah Doo’.

Si bien es un disco más agresivo que su primer trabajo y en el que no hay una sucesora clara a un tema como ‘Nicest Thing’, “My Best Friend Is You” es un sucesor digno de “Made of Bricks”, que demuestra que Kate Nash dista mucho de ser flor de un día y que le da una voz y un sonido muy propios, desechando las teorías de ella como un clón de Lily Allen.

A la hora de escuchar música, pocas sensaciones se comparan a la de quedar completamente sorprendido ante una banda o artista del que se tenían pocas expectativas. En mi caso, si bien pensé que podría llegar a gustarme Eluvium (el proyecto de Matthew Robert Cooper) la primera vez que lo oí, también pensé que podría llegar a ser algo muy derivativo de otros proyectos como Jesu o Explosions in the Sky. Evidentemente resulté estar equivocado, y es así que me encuentro hablando de su más reciente álbum de estudio, Similes.

Tomando en cuenta que Miniatures, lanzado el 2008 es un disco que el mismo Cooper considera como un proyecto independiente de Eluvium, el referente más inmediato del sonido de Eluvium es su hermosísimo álbum de 2007 Copia con un sonido que, si bien podría ser considerado como post-rock, también tenía muchos elementos de naturaleza más ambiental, potenciados, sin duda alguna, por la naturaleza instrumental del álbum. En Similes, la inclusión de letra y voz a las canciones del disco le da una nueva dimensión. En un sentido, la aparición de contenido lírico en Similes hace que la música de Eluvium pierda algo de ese carácter de proyección tan propio del post-rock, especialmente en canciones como The Motion Makes Me Last, en la que las voces con un fuerte componente de reverberación le dan un aire muy particular al tema que recuerda en ocasiones a Red House Painters, algo que también ocurre en Making Up Minds. Por otro lado, es evidente que, si bien Miniatures no puede ser considerado como un disco de Eluvium, el sonido de ese proyecto se ha trasladado a Eluvium, con una mayor presencia de arreglos de piano y teclados en las canciones.

Con Similes, Eluvium da el paso definitivo a un sonido más ambiental y menos post-rock. Si bien se apoya bastante en la creación de texturas y no de melodías, son texturas muy etéreas que apuntan a crear un estado de ánimo determinado. En ese sentido, quienes esperan algo por el estilo de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky o 65daysofstatic, quizá debieran buscar en otro lado pues Eluvium ha cortado sus vínculos con ese género.

La historia del punk (’Pretty Vacant’)
Phil Strongman
Ediciones RobinBook. Barcelona, 2008

Por: Julián F. Gutiérrez

La mejor versión de una historia es la que cuentan quienes hicieron parte de ella, por eso es que los seis volúmenes escritos por Winston Churchill sobre la segunda guerra mundial son una lectura muy recomendada sobre el tema (¿sabían que Churchill fue Nobel de literatura?), y lo mismo podría decirse sobre lo escrito por Charles de Gaulle. En el caso del punk, lo mismo sucede con el libro de Phil Strongman, “La historia del punk” (Título original: Pretty Vacant).

Strongman, que participó en la película “The Great Rock & Roll Swindle” y vio la presentación de los Sex Pistols en el Club 100 de 1976, parte de un punto de vital importancia a la hora de escribir esta historia, y es entender al punk no como un género musical o una moda, sino como una revolución cultural de un alcance que se siente aún hoy, cuando varios de sus protagonistas más importantes ya han muerto. Strongman arranca presentándonos una imagen bastante sombría de la Inglaterra de los años setenta en la que la movilidad de clases todavía es un concepto que no se ha digerido completamente, con un jubileo de la Reina Isabel que se celebraba en medio de graves conflictos sociales y laborales en los que el rock, la única alternativa de expresar disensión, se había acomodado y ya era parte del sistema contra el que se había intentado rebelar hace unos años. Al mismo tiempo, el autor derriba algunas de las leyendas urbanas del punk como el hecho que Sid Vicious no sabía tocar bajo… No era el bajista más virtuoso del mundo, pero por lo menos tenía una idea básica de cómo usarlo, al mismo tiempo que da una imagen más facetada de Malcolm McLaren que va más allá de un pelirrojo manipulador y maestro del shock value. Era todo eso, pero también tenía un trasfondo más político relacionado con lo que hacía.

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GoldFrapp
Head First
Mute, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Si seguimos la lógica de la década pasada que se encontró influida en muchos niveles por los años ochenta, podríamos llegar a pensar que esta década va a estar poblada de un revival noventero, con camisas de leñador en lugar de gorras de camionero y gente pagando un ojo de la cara por un Super Nintendo en buenas condiciones. Aún así, hay quienes se aferran a las nostalgias de los años ochenta (sin que eso sea malo), como lo demuestran Allison Goldfrapp y Will Gregory con su quinto álbum de estudio, Head First.

El asunto de las influencias en un artista siempre es un camino para recorrer con cuidado, a riesgo de quedar con joyas como Shakira diciendo que tiene influencias de The Cure (lo dijo en ocasión de su disco Servicio de Lavandería). Muchas veces, la discusión sobre las influencias de un artista, sobre todo cuando viene por parte de la prensa especializada, termina siendo un ejercicio de periodismo perezoso en el que simplemente dicen a quién se parece tal o cual banda, siendo el caso más claro quienes comparan automáticamente a PJ Harvey con Patti Smith o a Duffy con Dusty Springfield.

Sin embargo, en el caso de Goldfrapp, la comparación está puesta en bandeja de plata y es inevitable hacerla. Los 38 minutos que dura Head First rezuman sonido ochentero por cada uno de sus poros con canciones llenas de beats y sintetizadores que parecen haber sido creados en 1984 y que son un giro de 180 grados con respecto a la fantasía hippie que fue su anterior álbum, Seventh Tree; es muy difícil luchar contra la tentación de pararse a hacer aerobics al oír un tema como ‘Shiny’, que le hace honor a su nombre (brillante), algo que también ocurre con temas como el muy adolescente (y hasta Lauper-esco) ‘I Wanna Life’ o el sencillo de lanzamiento, ‘Rocket’. ‘Voicething’ es un cambio total con respecto al espíritu del álbum pero que aun así, es un cierre con broche de oro.

Si bien Seventh Tree no es un mal disco, desentona totalmente con lo que es el sonido de Goldfrapp. Head First es el regreso a la música que Goldfrapp y Gregory saben hacer mejor y en el que admiten abiertamente de donde vienen sus influencias. Es un disco que huele a fijador y amoniaco para hacer permanentes y que está hecho para ser escuchado con calentadoras o una chaqueta Members Only, y que demuestra que quizá sea buena idea seguir in tiempo más con el revival ochentero.

Ted Leo & The Pharmacists
The Brutalist Bricks
Matador Records, 2010

Creo que ya lo había mencionado por acá, pero le agradezco mucho a 120 minutos (Programa de medianoche en la época en la que MTV si pasaba música y no programas de adolescentes embarazadas) por haberme dado algunos de los mejores hallazgos musicales que he logrado, con bandas como Sleater-Kinney, mis canadienses favoritos Alexisonfire y Ted Leo & The Pharmacists, quienes lanzan su sexto álbum de estudio, The Brutalist Bricks.

Si bien el punk como género obtuvo su acta de defunción hace muchos años, la actitud asociada al mismo está más viva que nunca, y prueba de ello es la música que Ted Leo ha estado haciendo desde 2001 con su banda, prueba de ello es su disco anterior, Living With the Living, el cual, si bien experimentaba con sonidos que iban desde el dub hasta el folk celta, tenía en cada una de sus canciones ese no-se-qué propio de la música de la banda de Washington D.C. The Brutalist Bricks, representa un giro de 180 grados en esa exploración.

Pareciera que la salida del bajista Dave Lerner y el ingreso de Marty Key (Quién también se hace cargo de los teclados), le han dado un nuevo aire a la banda, que decidió dejar la experimentación para enfocarse en el sonido más contundente y directo del que daban a entender que podían ser capaces en anteriores trabajos, como lo demuestra “Woke Up Near Chelsea”, uno de los cortes más interesantes del álbum precisamente por eso, su fuerza y contundencia, lleno de guitarras distorsionadas y la voz más desgarrada que Leo ha tenido en su carrera, cosas que también son visibles en los dos primeros cortes del disco, “The Mighty Sparrow” y “Mourning in America”, y que contrastan con “A Polaroid a Day”, canción en la que Ted Leo parece canalizar la versión punk de Barry White.

Si bien el tema antes mencionado y “Tuberculoids Arrive in Hop” desentonan con el aire general del disco y pueden resultar un tanto chocantes, “The Brutalist Bricks” se convierte en un álbum nivelado por lo rápido y pesado, que demuestra que Ted Leo no tiene miedo de ‘meterle la chancleta’ a lo que hacer más pesada su música refiere, siendo un hallazgo merecedor y prometedor.

Black Rebel Motorcycle Club
Beat The Devil’s Tattoo
Abstract Dragon, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La (cierta pero un poco lamentable) verdad según la cual juzgamos los libros por su portada, también aplica para los discos. Que arroje la primera piedra el primero de nosotros que no ha comprado un disco porque le gustó la portada y luego resultó ser un bodrio. Aunque claro, hay otros que sí cumplen lo que prometen, como es el caso del sexto álbum de Black Rebel Motorcycle Club, Beat the Devil’s Tattoo.

En lo que se refiere a reseñas, he descubierto que en muchas ocasiones, ’si Pitchfork dice que es malo, en realidad es bueno’, y si bien The secrets of 333 tampoco es tan abismalmente malo como dicen, ciertamente no es el mejor disco de la banda, por lo que había una buena cantidad de expectativa sobre lo que pudiera hacer la banda, especialmente con Leah Shapiro ya como baterista en propiedad. El sonido del álbum solo puede ser calificado como denso, sin que ello signifique que sea difícil de digerir. Tomando las lecciones del Baby 81 y del Howl, Black Rebel Motorcycle Club ha logrado crear 13 canciones que tienen un “feeling” muy propio y que están marcadas por un impresionante muro de sonido, como ocurre en ‘Mama Taught me Better’, ‘Bad Blood’ o ‘Conscience Killer’, siendo estos dos últimos temas testimonio de la capacidad de la banda para cambiar de velocidades con una velocidad y facilidad sorprendentes, mientras que ‘War Machine’ es una canción que logra sintetizar el espíritu de su anterior trabajo Howl de una manera sorprendente.

Beat the Devil’s Tattoo es un disco que aleja a la banda definitivamente de los artificios punk de su sonido y conecta más a su música con las influencias de la generación beat presentes en sus letras. Es un disco que huele a cuero negro, motocicletas y whiskey en un bar, que muestra el regreso de la banda a un ritmo de competencia, y la acerca más a la forma definitiva de su sonido.

Descargue la canción Black Rebel Motorcycle Club “Beat the Devil’s Tattoo”

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