Cortesía de la Casa

The Flaming Lips
Embryonic
Warner, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

He de confesar que cuando vi el nombre Embryonic en la lista de lanzamientos a reseñar, lo tomé inmediatamente. No porque los Flaming Lips sea una de mis bandas favoritas, al contrario, siempre he encontrado la psicodelia de la banda de Wayne Coyne como una  forma de  condescendencia hacia sus escuchas, idea que ha persistido a pesar de las oportunidades que les he dado. Sin embargo, como Ahab y Moby Dick, aprovecho la ocasión del álbum número 12 de la banda, Embryonic para darles una nueva oportunidad.

Siendo fiel a las ideas preconcebidas que tenía sobre el álbum, desde ‘Convinced of the hex’ hasta ‘Watching the planets’ este disco se siente como el producto de un coctel de sustancias que alteran la conciencia; las 18 canciones que componen este álbum doble (Una rareza en estos días) tienen una sonoridad que las hacen oscilar entre aquellas que tienen la propiedad de llevar a quien las escucha del punto A al punto R de una manera tal que uno no se da cuenta por completo, como el caso de ‘Aquarius sabotage’ ‘See the leaves’, ‘Silver trembling hands’ y ‘Worm mountain’. También aparecen canciones que parecen ser una exploración exhaustiva del mismo lugar, de lo cual son ejemplo temas como ‘If’, ‘Powerless’, ‘I can be a frog’, ‘The ego’s last stand’ ‘The impulse’ y ‘Your bats’.

Por otro lado, mis prejuicios alrededor de un sonido difícil de acceder quedaron desvirtuados. Si bien el sonido de Embryonic es un sonido evidentemente experimental, progresivo, espacial y cuantos adjetivos similares se les ocurran que se puedan asociar con el concepto de ‘Muro de sonido’, en ningún momento es intimidante o difícil de digerir. ‘Silver trembling hands’ es el mejor ejemplo de ello, con sus cambios de velocidad que lejos de resultar discordantes, resultan bastante entretenidos, invitando a escuchar mas del disco, como en el The Mars Volta de comienzos de década.

Con colaboraciones que van desde MGMT hasta el matemático alemán Thörsten Wörmann, Embryonic cumple con lo que promete: Es psicodelia, sintonizada con la época y a la que es necesario aproximarse con la disposición abierta para encontrarse con una provocadora experiencia.

Islands
Vapours
ANTI-, 2009

Por Julián F. Gutiérrez

Una de mis lecturas obligadas en Internet de lunes a viernes es un comic llamado Questionable Content. Hace algunos años en una de sus tiras, dos personajes hablaban de la banda canadiense Islands. En su momento hice la nota mental para buscar música de ellos, y aunque me tardé un poco haciéndolo, podría decirse que estoy reparando mi demora con la reseña del tercer álbum de estudio de esta banda, Vapours.

Cuando escuché por primera vez esta banda liderada por Nick Thoburn, se me hizo una banda muy representativa de ese pop barroco de bandas canadienses como Arcade Fire y Broken Social Scene con elementos de instrumentación clásica y voces suaves que en el caso de Islands poseía de una grandilocuencia que no veía como necesaria o merecida como la que aparecía en su álbum Arm’s Way. Sin embargo, pareciera que Thoburn y compañía hubieran dado un giro de 180 grados a la hora de planear y grabar Vapours. Los arreglos de cuerdas que le daban un sonido tan genérico y pomposo al disco de 2008 parecen haber desaparecido de la mente de los músicos de Montreal, las capas de instrumentación que más bien parecían capas de encaje han desaparecido dando como resultado un sonido más concreto y aterrizado que de alguna manera los libera de la necesidad de crear canciones majestuosas que parecen himnos, y que además, les permite crear temas que se sienten más íntimos y cercanos, como es el caso de ‘Switched On’, o ‘On Foreigner’, un cambio que tiene que ver sin duda con la intención de Thoburn de desmantelar y crear una nueva alineación para la banda.

El cambio en el sonido de la banda se traduce también en sus referentes. Canciones como ‘Devout’, ‘Heartbeat’, o ‘Shining’ tienen un fuerte componente electrónico, ya sea en teclados o secuencias, efectos que hacen referencia a bandas como Aqueduct, y más específicamente, a su álbum I Sold Gold de 2005. A pesar de esta nueva dirección, la banda no olvida sus raíces, y de manera muy apropiada, la última canción del disco, ‘Everything is under control’, introduce voces etéreas y todo un arsenal de efectos para lograr en el escucha las mismas impresiones que lograban los temas de anteriores trabajos.

El hecho de que en anteriores épocas los integrantes de Islands recordaran a Broken Social Scene y ahora recuerden a Aqueduct, plantea como Vapours, si bien es un disco con elementos que pueden calar en el oído, no aporta nada que sea particularmente nuevo a través de un constante “Déjà Vu” a anteriores trabajos de otras bandas. Hay una perturbadora sensación de que Islands subió tarde al tren del Indie, presentando trabajos de calidad pero que no presentan un avance significativo dentro de los horizontes del género en términos de experimentación o ampliación de los horizontes.

Islands tocando Vapours en vivo para ABC

AFI
Crash Love
InterScope, 2009

En nuestra colección musical, todos tenemos una que otra banda a la que seguimos dándole oportunidades así pareciera que sus días de gloria han pasado. En mi caso, AFI es una de esas bandas y vine a darles una nueva oportunidad en el marco de su nuevo álbum de estudio, Crash Love.

A lo largo de la década, la banda encabezada por Davey Havok ha pasado por varias etapas. Más exactamente, Davey Havok ha pasado por diferentes etapas, como el Glenn Danzig metrosexual que vimos en Sing The Sorrow y el imitador de Stephan Groth (Vocalista de Apoptygma Berzerk) que apareció en los videos de DecemberUnderground, con sus correspondientes devaneos Emo (en el caso del primer álbum) y Synthpop en el caso del segundo. Quienes sentían que estaba pasando muy grave en el mundo de AFI con esos coqueteos electrónicos que poblaron su más reciente trabajo, se sentirán aliviados al descubrir que tales cosas no hacen parte de las 12 canciones que componen el álbum, quizá porque Havok y el guitarrista Jade Puget sacaron lo electro de su sistema con su proyecto alterno Blaqk Audio dando como resultado un sonido que si bien tiene menos artificios y arandelas, llega a un punto en el que se convierte en algo muy convencional.

Siguiendo el camino trazado por Green Day en el 21st Century Breakdown, AFI se esmeró por darle a cada uno de los cortes del disco, desde ‘Torch Song’ hasta ‘It Was Mine’, un carácter que trata de ser épico pero que termina tomándose a si mismo demasiado en serio, hasta que llega a ser un poco ridículo, con letras como “The Broken Radio Was Playing Suicide” (La radio rota estaba tocando suicidio) de ‘End Transmission’, y otras cosas del estilo que parecen sacadas de lo que escribe el cajero de cualquiera de los locales del Centro Comercial Vía Libre en el centro de Bogotá. Esa ‘Seriedad excesiva’ también puede verse en el hecho que en ninguno de los temas están presentes los alaridos guturales a los que nos ha tenido acostumbrados Havok en los últimos tiempos, y hasta cierto punto, es como si la noción de volver a alguno de los elementos que caracterizó su sonido durante este tiempo les causara asco o urticaria.

Crash Love es, en términos llanos, un álbum que le dará aún más argumentos a quienes dejaron de darle oportunidades a la banda californiana. Su intento de volver a lo que los hizo conocidos antes, terminó en un álbum con un sonido pretencioso  y aburrido, que lejos de ser una evolución o un cambio natural, en AFI específicamente, no lleva a ningún lado.

Eso sí, yo seguiré dándoles oportunidades. Solo porque soy tan buen tipo.

El primer single se llama Medicate y este es el video:

Las rockstars deben morir
Por: Julián F. Gutiérrez

¿Qué podrían llegar a tener en común Carlos Vives, el manager de Fonseca, un promotor brasileño de festivales independientes, una ex-teclista de The Fall, una de las cabezas visibles de Domino Records (Arctic Monkeys y Franz Ferdinand) y un ejecutivo de Disney? La respuesta es su paso por la edición 2009 de Resonancia Colombia, el evento de la industria musical en Colombia organizado por la Cámara de Comercio de Bogotá, que reunió a personas relacionadas con el campo musical para discutir sobre sus perspectivas y alcances. Ya que resultaría algo soso e inoficioso describir lo que pasó en los dos días del evento, expondré algunas de mis conclusiones sobre el mismo.

Las Rockstars deben morir

Una de las muchas razones por las que odio a personajillos como Bret Michaels y Vince Neil, además de la horrenda y mediocre música que aún perpetran, es el daño que hicieron a la psique colectiva de los aspirantes a músico.  Estos rubios peliteñidos vendieron con (desafortunado) éxito la idea que dedicar la vida a la creación musical implicaba un interminable desfile de excesos, nenas y Rock & Roll, dejando de lado el hecho de que no solo hay que saber de música (algo que estos tipos también ignoraban), sino que también hay que saber sobre la industria musical en aras de tener un auténtico control creativo sobre lo que se produce, y no terminar con un producto prefabricado y predigerido, totalmente diseñado por la disquera. Sin embargo, el músico de ahora no piensa igual, le saca el dedo a Sunset Strip y está perfectamente consciente de que debe conocer todo lo que tiene que ver con la creación de un disco, no busca andar en Harley-Davidson y entrar a un bar de striptease sacando a los clientes, mientras clava una navaja en la mesa. Quiere hacer su música y que la audiencia la conozca de la manera en la que él o ella lo quieran y crean conveniente.

Productos exóticos de tierras exóticas

La mención de artistas tales como ChocQuibTown o Bomba Estéreo como ejemplos de proyectos colombianos exitosos plantea una pregunta en el ambiente: ¿Los artistas y bandas del tercer mundo son tratados en el primero como productos exóticos de tierras exóticas, o peor aún, casos de caridad? Tuve la ocasión de hablar con Mario Muñoz de Dr. Krapula al respecto, quien me afirmo de manera categórica que éste era el caso, y que en la óptica de él, no había ningún problema con que ese fuera el caso. Yo sí creo que hay un problema con que eso ocurra, considero que esa pregunta afecta de manera inevitable la imagen que tienen artistas y bandas de sí mismos, haciendo que se cuestionen en su legitimidad como proyectos musicales, y en la calidad objetiva de su producción artística cuando la llevan a escenarios de Europa o Estados Unidos. Si bien, es una situación que probablemente nunca desaparezca, creo que tanto artistas como medios deben preguntarse qué se puede hacer para mitigar los efectos de esta percepción.

A un lado, Manolo Bellón

Atrás ha quedado la idea del locutor radial convertido en celebridad debido a su conocimiento. En la era del Wiki y la Web 2.0, así como es terriblemente fácil encontrarse con bandas desconocidas residentes en el otro lado del mundo, también es muy fácil conocer todo sobre ellas en unos minutos, con lo que la idea de la emisora radial como fuente de sabiduría y creadora de gustos musicales ha quedado atrás, hasta cierto punto. Los medios de comunicación han tenido una idea más clara de lo que implica para ellos el tan mentado cambio, convirtiéndose en puntos de encuentro, donde sus propios oyentes tienen algo de voz y voto dentro de la programación musical y las emisoras se convierten así en retransmisoras de una serie de movimientos y preferencias.

¿Eso va a pasar acá?

Se dedicó  buena parte del evento a la discusión sobre ventas digitales de música y cómo ésto será el futuro. Sin embargo, solo se vio por encima del hombro uno de los problemas más importantes que tienen este tipo de ventas en Latinoamérica y más exactamente en Colombia. Al ser transacciones que requieren movimientos virtuales de dinero, métodos de distribución como el de iTunes se ven severamente limitados en países como Colombia que tienen bajas tasas de bancarización (como lo demostraron David Murcia Guzmán et.  al), al tiempo que las ventas a través de telefonía móvil se ven limitadas por la cantidad de equipos con capacidad de reproducir MP3. Por otro lado, el caso de Domino Records, de voz de John Dyer, es un caso poco probable que ocurra en Colombia. Las condiciones del mercado para una banda del género y mil factores más se conjugan para que las posibilidades de una historia así ‘Hecha en Colombia’ sean más bien bajas. Resulta necesario tomar esos casos y replantearlos en términos propios de la realidad local.

¿Cuál es el cambio, a todas estas?

Se han gastado ríos de tinta, píxeles y saliva diciendo que la industria de la música está en un momento de cambio irreversible, que desde el presidente de la disquera hasta la recepcionista deben replantear su trabajo y miles de cosas más. A pesar de ello, quedo con la impresión que aun no se ha hecho una discusión seria sobre lo que realmente significa ese cambio para todas las partes involucradas, y es algo que tiene que ver con la falta de un cambio en la mentalidad. Hasta cierto punto, el mentadísimo cambio parece ser  solo de dientes para afuera y no hay una pregunta sobre lo que realmente implica, como lo demostraron las participaciones de Claudia Mosquera, manager de Mauricio y Palo de Agua, y Felipe Jaramillo, manager de Fonseca, que demostraron estar hasta cierto punto, desconectados de la realidad de muchos de los participantes del evento (excepto de Naty Botero, que se sentó a mi lado).

Podría quedarme hablando muchísimo más sobre las conclusiones que Resonancia Colombia 2009 me dejó, sin embargo, en aras de la brevedad, quisiera terminar con la que me pareció la idea más importante: El papel vital que tiene la autogestión en una escena como la colombiana, donde este recurso es más una imposición que una elección, pero que, siguiendo la filosofía de ’si la vida te da limones, haz limonada’, crea un caldo de cultivo para que surjan iniciativas extremadamente interesantes. Como alguien lo dijo en el evento, repitiendo algo ya común en el medio, estamos pasando de la época del ‘Do It Yourself’ al ‘Do It Together’, donde espacios como Resonancia Colombia permiten la creación de redes de apoyo que puedan dar pie a proyectos fascinantes y significativos. Hay que hacer algo y es posible hacer algo.

No podría despedirme sin antes felicitar a todos mis compañeros del equipo de Cortesía de la Casa por la mención del sitio en la revista Enter. Quiero agradecerles a todos su apoyo, feedback y comentarios, y creo que esa mención es testimonio de una de las cosas que pueden lograrse en este Espíritu de los tiempos. Felicidades a todos.

Yo La Tengo
Popular Songs
Matador, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

Siempre será difícil hablar de bandas como Yo La Tengo, bandas con una carrera de 25 años y que de una u otra manera, han construido un género por sí mismas. Hasta cierto punto, adquieren un carácter de estar ‘más allá del bien y del mal’, por lo que escribir una reseña que dé cuenta de los puntos fuertes y débiles de su obra resulta algo complicado. Aún así, no soy el tipo de persona que le hace el feo a un reto y es así como esta semana hablo del nuevo disco de la banda de Hoboken: Popular Songs.

Llama mucho la atención el cambio de velocidades tan fuerte que toma lugar al comienzo del álbum; ‘Here To Fall’ es un tema con un fuerte elemento de dreampop y shoegaze, lleno de arreglos de reverb tanto en la instrumentación como en la voz de Ira Kaplan que le dan a la canción un fortísimo y sólido muro de sonido que se prolonga a lo largo de los casi seis minutos que dura la canción. A pesar de ese comienzo de álbum, la situación empieza a cambiar desde el segundo corte, ‘Avalon or someone similar’, que si bien conserva un muro de sonido de fondo y voces etéreas, es un tema ciertamente mas pop y accesible que su antecesor.

Si bien ‘By Two´s’ vuelve a elementos atmosféricos y shoegaze, después de este tema es cuando  Popular songs le hace honor a su nombre; todas y cada una de las canciones subsiguientes inevitablemente traen a la memoria algún genero o canción más conocida: Mientras que If it’s true, con sus arreglos de órgano y violín y limpias voces desprovistas de efectos recuerda al pop de los años setenta, una canción como ‘Nothing to hide’ con sus guitarras de sonido sucio y distorsionado y sus arreglos efectivos de palmas y órgano recuerda a los años noventa y hasta cierto punto, recuerda a bandas como The Wrens. Después de un paseo por el inconsciente colectivo de la música en los últimos años, la banda vuelve a terreno familiar a la hora de hacer el cierre del álbum: ‘More stars than there are in heaven’, ‘The Fireside’ y ‘And the glitter is gone’ son hasta cierto punto, variaciones de un mismo tema, en los que la banda juega con la pregunta de cómo lograr el mismo efecto a través de distintos medios, con guitarras distorsionadas y voces limpias, voces llenas de reverb y guitarras sencillas o experimentos de 15 minutos como ‘And the glitter…’

Si bien pueden tener algo de razón quienes ven en este álbum un ejercicio descarado de “Genre-Sampling”, la verdad es que en manos de una banda de menor calibre o pedigrí tal labor habría salido de peor manera. Yo La Tengo logra crear con Popular Songs un álbum que oscila entre lo accesible y lo complicado, y demuestra, que de una manera u otra, ellos la tienen.

Danko Jones
Never Too Loud
Bad Taste Records, 2008

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La primera vez que oí hablar de la banda compuesta por Danko Jones, John Calabrese y Dan Cornelius fue a través de esas cuatro encantadoras señoritas suecas, Sahara Hotnights y mi búsqueda de la canción con la que ellas contribuyeron al álbum tributo a los Ramones, The Song Ramones The Same. Por esas coincidencias de la vida, Danko Jones también contribuyó a ese álbum (con una versión de ‘The Return of Jackie & Judy’), y como dicen por ahí, el resto es historia. Ahora, me encuentro con el sexto álbum en estudio del trío, Never Too Loud.

El adjetivo más adecuado con el que se podría describir el sonido de un álbum como éste es ’sórdido’. Las 13 canciones que componen este álbum inevitablemente evocan imágenes de bares de rock pobremente iluminados, en los que el olor de la cerveza y nubes de humo de cigarrillo inundan el ambiente, y mujeres en pantalones de cuero negro, camisetas del mismo color y con pesados collares de Ankhs bailan al ritmo de la música de estos tres canadienses; haciéndole honor al título del álbum (”Nunca muy duro”), Danko Jones pisa el acelerador a fondo a lo largo de todo un álbum en el que las únicas excepciones notables a esta regla son ‘Still in high school’ y ‘Take me home’, temas de un corte más melódico, pero que aún así tienen lo que solo puedo definir como “agallas” o “huevos”.

Líricamente hablando, el álbum se mantiene en lo que siempre ha sido la banda; fieles a su sonido hard rock con una influencia evidente de bandas como Motörhead, le dejan las profundas discusiones sobre la naturaleza humana a otros, Danko Jones es una banda que canta sobre la venganza a la mujer traicionera que rompe el corazón, simplemente dice “Quitémonos la ropa”, o habla sobre la vida de una banda en la carretera.

Hablando en plata blanca, Never Too Loud es un álbum que para el sonido de Danko Jones, podría clasificarse como ‘Más de lo mismo’. Sin embargo, es una banda que no aspira a más, simplemente a hacer la música que saben hacer, y hacerla lo más duro posible, con el volumen subido hasta once.

Y en esta ocasión, lo logran.

Mew
No more stories are told today. I’m sorry, they washed away. No more stories, the world is grey. I’m tired, let’s wash away
Sony BMG, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

Hora de revelar un pequeño secreto del oficio: Salvo algunas excepciones (Como Alexisonfire o The Sounds), suelo elegir como álbumes para reseña, trabajos de bandas que o bien no conozco mucho, o bien no son de mi agrado, con lo que balanceo un poco mi disposición y mi objetividad a la hora de escuchar el disco en cuestión. Es así como en esta ocasión me decidí por la banda danesa Mew, a quienes había oído hacia 2003 con su álbum Frengers, y con quienes me encuentro de nuevo con su nuevo álbum No more stories are told today. I’m sorry, they washed away. No more stories, the world is grey. I’m tired, let’s wash away.

Mi memoria de la banda se remontaba a su tema ‘Am I Wry? No’ de su álbum de 2003, y que asociaba con un sonido provisto de un fuerte carácter atmosférico, el cual provenía no solo del intenso uso del reverb en su sonido, sino que también estaba vinculado con la voz etérea de su vocalista, Jonas Bjerre. Mucho de eso se hace presente en el No more stories… Temas como ‘Hawaii’ están llenos de coros de registros altos y cuerpos difusos, combinados con unos arreglos que le dan un aire más festivo y “Upbeat” al corte, algo que no suele ser visto en la obra de una banda del estilo de Mew, algo que también ocurre en ‘Beach’, y si, el juego de palabras Hawaii/Beach no escapa a mi ingenio, sigamos, por favor.

Aun así la banda no olvida de donde viene; Bjerre ha comentado en otras ocasiones como este álbum es mucho menos oscuro y más accesible que su anterior trabajo And The Glass Handed Kites, y ciertamente lograron algo en ese aspecto. Si bien el sonido del álbum se mantiene dentro de lo que se espera de Mew y logra construir una música propia del Dream Pop y su primo mayor, el Shoegaze, las canciones son a falta de un mejor término, fáciles de escuchar, logrando funcionar como unidades por sí mismas, y no en función de su tema precedente o siguiente, siendo el mejor ejemplo de ello ‘Cartoons And Macramé Wounds’, balanceándose a lo largo de siete minutos entre partes de corte y sonido épico y momentos mínimos y sosegados, un bamboleo que se extrapola al resto del álbum con cortes como ‘New Terrain’, ‘Repeater Beater’, ‘Silas The Magic Car’ y ‘Vaccine’, de lejos, el corte mas bailable del disco.

Casi seis años después, Mew están justo donde los dejé, como una banda de la invasión vikinga, con un sonido que, si bien tiene un sonido muy atmosférico y etéreo, tiene una cualidad tangible interesante y que invita a la exploración, como lo hacen en este nuevo álbum.

Brendan Benson

My Old, Familiar Friend

ATO, 2009

Todos conocimos bien sea en el colegio, la universidad o en el trabajo a alguien que si bien era bueno en lo que hacía, por X o Y razón no siempre obtenía el reconocimiento que merecía. En la música pasa lo mismo, como ocurre por ejemplo, con John Deacon; probablemente uno de los mejores bajistas que ha parido el rock (Si no el mejor), y Brendan Benson, quien ha disfrutado un mayor reconocimiento de su obra en solitario, gracias a su trabajo en The Raconteurs, y quien lanza su cuarto álbum en solitario: My Old, Familiar Friend.

Las veces que he hablado de proyectos en solitario de miembros de bandas reconocidas (Como el caso de Paul Banks/Julian Plenti), o de bandas como The Dead Weather, he comentado sobre el cruzamiento de influencias que se puede ver en el sonido de dichos proyectos, y como se hace evidente lo que dicho músico en particular le da al sonido de la banda en general, un peculiar ejercicio de ingeniería reversa. En el caso de Benson, algo de esto llega a ser evidente, pero en una dinámica distinta. Si en el caso de Banks su álbum dejaba ver lo que él le da al sonido de Interpol, el nuevo álbum de Brendan Benson nos muestra lo que él ha adquirido en los últimos tres años al tocar con Jack White y compañía en The Raconteurs. Habiendo conocido la obra del músico de Michigan con su álbum The Alternative To Love, esperaba, hasta cierto punto, más de lo mismo, siendo ese ‘Lo mismo’ un sonido enmarcado claramente dentro del rock alternativo de los noventa y de bandas como The Wrens que tienen una evidente influencia dentro del sonido de Benson.

Con el paso del tiempo sus canciones han adquirido algo más de sustancia y de “Oomph”, las guitarras tienen un sonido ligeramente más sucio, los arreglos de teclado han dejado de ser discretos y han adquirido más capas y presencia, lo que redunda en general en un sonido más sustancioso de las canciones que a su vez, tienden a ser más enérgicas y fuertes que en su álbum de 2005, algo que se puede a través de la participación de Dean Fertita (Queens of the Stone Age, The Dead Weather) en el álbum, y que a su vez nos habla del crisol de fundición que se está formando en la escena del medio oeste estadounidense en la que las líneas limítrofes entre géneros y sonidos, antes tan marcadas, empiezan a borrarse para dar a conocer nuevas bestias musicales.

Julian Plenti
Julian Plenti is … skyscraper
Matador, 2009

Parece que este año es el Año Internacional del proyecto en solitario… Ya hemos oído a John Frusciante con The Empyrean, Nina Persson lanzó su segundo álbum en solitario (Colonia), y ahora es el turno del vocalista de Interpol, Paul Banks, que bajo el nombre de Julian Plenti lanza su álbum en solitario, Julian Plenti is… Skyscraper.

Siempre escucho este tipo de proyectos con una buena medida de precaución. ¿La razón? En ocasiones, estos álbumes en solitario de los artistas de bandas reconocidas terminan siendo ‘más de lo mismo’ y no ofrecen algo verdaderamente distinto y propio del músico. En el caso del álbum de Banks (o Plenti, o como quieran llamarlo), es interesante ver como las 11 canciones del tema tienen elementos que se pueden reconocer en algunas canciones de Interpol SIN SONAR A canciones de la banda neoyorquina. El primer corte del disco, ‘Only If You Run’, inmediatamente evoca a ‘NYC’, con arreglos y efectos que le dan a la canción un aire muy atmosférico, similar a la canción de Interpol, sin que se oiga como una copia, proeza que también es lograda en ‘No Chance Survival’. Ello no implica que Banks/Plenti haya olvidado las canciones más movidas o rockeras. El linaje de ‘Unwind’ puede ser fácilmente trazado a canciones como ‘Length of Love’ o ‘Not Even Jail’ en la medida que tienen el mismo aire un tanto explosivo y, en la medida que lo permite el término, grandioso. Sin embargo, al igual que ‘Only If You Run’, ‘Unwind’ tiene el mismo efecto con distintos medios, apelando a recursos que quizá no veamos en Interpol en un buen tiempo, como la utilización  de arreglos de sintetizador. El acierto del álbum consiste en que a través de ese “parecido pero distinto” es posible ver cuál es el efecto y el peso relativo de Paul Banks dentro del sonido de Interpol.

Los méritos del álbum no solo reposan en su relación con el sonido de otros proyectos sino que también funcionan por sí mismos. Hay una agradable sensación de balance en los distintos estados de ánimo de las canciones. Alterna entre canciones sosegadas y cortes más movidos, manteniendo a quien escucha el disco en puntas de pies, esperando lo que viene a continuación. Es un álbum que termina donde empieza en términos de lo que evoca su sonido; ‘H’, la canción que lo cierra, es una pieza de 2 minutos, 39 segundos, con un carácter sombrío y a la vez hermoso, de una manera que nunca se podría ver en una canción de Interpol.

El mérito de Julian Plenti is… Skyscraper consiste en el hecho que es un álbum autónomo y con voz propia, pero con influencias discernibles y fácilmente identificables, algo en lo que suelen fracasar este tipo de proyectos (Como fue el caso de Albert Hammond, Jr con su Como te llama?), al mismo tiempo que ofrece cosas nuevas que invitan al álbum a ser escuchado una y otra vez. Con este álbum, se ofrece algo nuevo, a la vez que quedamos a la espera del nuevo álbum de estudio del cuarteto neoyorquino.

Polapalooza 2009
BBar, Bogotá
Agosto 01 de 2009

Si la Absenta es la bebida de los estetas decadentes, y el Whiskey es la bebida de los escritores curtidos, la bebida del Rock es la Cerveza; y tanto lo uno como lo otro fluyeron en cantidades en la edición 2009 del Polapalooza, que se llevó a cabo en Bbar (Carrera 7 # 45-72), en Bogotá.

He de admitir que cuando la primera banda, Tribbal, se subió al escenario, giré mis ojos con una buena medida de escepticismo. La brutal verdad es que juzgamos los libros por su portada, y cuando vi a los integrantes con ese aspecto de ‘Heavy Metal Genérico’, realmente no creí que llegara a gustarme lo que estaba a punto de escuchar. Mis preconcepciones resultaron ser erróneas al encontrarme una propuesta la cual, si bien le rinde bastante al Rock y Heavy Metal clásico, bajo ninguna circunstancia se oye como si tuviera un sonido avejentado o anacrónico, y lo que es más importante, lograron crear algo que no se sintió ‘Importado a las malas’ y que demostró el tiempo que lleva la banda trabajando en sus canciones.

Tribbal

Síndrome Estocolmo y Los Poetas Ácidos son dos bandas que he estado viendo en distintas ocasiones a lo largo del último año. Los primeros salieron a escena con su sonido Dark Wave que tiene un amplio rango de influencias que van desde Blur hasta Placebo. Ha sido un proceso interesante ver como a lo largo de este tiempo, el quinteto se ha acercado cada vez más a su sonido  propio, especialmente en el caso de su vocalista Camilo Carreño, quien ya ha ido acercándose a un tono de voz distinguible y auténtico, en un rango que se amolda de manera sorprendente al estilo musical de la banda. La presentación de ellos sirvió además para presentar algo del material con el que se disponen a entrar al estudio dentro de poco para grabar su primer álbum. Los Poetas Ácidos por su parte, funcionaron como un contraste interesante con respecto a Síndrome Estocolmo, con su sonido más crudo y con una clara influencia del rock de la década pasada. El Power Trio compuesto por los hermanos Rafael, David y Sergio Escandón, tiene un sonido desprovisto de artificios, sin que ello sea un sinónimo de algo poco trabajado o, si me perdonan el término, chambón. En el marco del Polapalooza, presentaron su nueva canción, Habitantes, fiel a su estilo lírico de temas urbanos junto a canciones más conocidas, como Agosto y Metamorfosis. Cabe anotar que de este último, hay un videoclip que ya está en post-producción.

Síndrome Estocolmo

Poetas Ácidos

La banda que cerró el concierto, Red O’ Clock, me produce sentimientos encontrados. En primer lugar, encuentro en el repertorio de ellos la misma objeción que encontraba en algunas de las bandas de las que hablé la semana pasada: las letras en inglés, un problema que va más allá de la dicción o el acento y que apunta a situaciones de difusión… Creo que es un tema del que habrá que hablar más a fondo en el futuro. Pero volviendo a la presentación, si bien el sonido de la banda está pulido y solidificado como lo demostraron sus dos guitarristas (Juan Rocha en guitarra líder y Mario LaTorre en guitarra rítmica), es evidente la apuesta que hacen por ‘Subirse al tren’ de lo que suena ahora; más específicamente, en el tren del sonido Garage Revival de bandas como The Strokes y The Killers (De quienes hicieron covers). Si bien algunos podemos encontrar esa actitud reprochable a falta de un mejor término, por lo menos son lo suficientemente honestos respecto a sus intenciones y eso tiene que ser reconocido.

Red-O-Clock

En términos generales, eventos como el Polapalooza demuestran que hay una diversidad de propuestas musicales dentro de la escena bogotana, la buena acogida de las bandas y la asistencia significativa al evento dejan abierta la pregunta de ¿porqué no hay un desarrollo de la escena independiente (o alternativa o como se le quiera llamar) en Bogotá?.