Cortesía de la Casa

El Superbowl se ha convertido en un evento llamativo dentro de nuestro entorno inmediato con la amplia penetración tanto de la televisión por cable como de la satelital, además de internet. La especialidad atlética - que para el televidente promedio de nuestro país es tanto arcana como lejana - ha comenzado a tener una interesante sintonía en lo que se refiere al menos a su última contienda de la temporada.

Una razón muy significativa para esto es el espectáculo de medio tiempo, el que ha ganado considerable popularidad entre los tele-espectadores, precedido por un sólido repertorio de actos provenintes de la música popular de altísimo perfil y reconocimiento orbital. Y es que hasta cierto punto es correcto sostener que el entusiasmo por el fútbol americano ha amuentado paralelamente con la expansión mediática del superbowl; y este a su vez se ha robustecido con llamativas presentaciones que tienen lugar en el receso de mitad del partido.

Es posible que este cinco de febrero en la tarde muchos de aquellos que no son adeptos al juego lleguen por curiosidad a sintonizar la transmisión; y ess por tal motivo que, sin entrar en pormenores casuísticos, esta escueta reseña se dirige a recapitular algunos de los momentos más sobresalientes de este nuevo referente de la cultura popular como lo es half time show del superbowl.

Y es que la audiencia del supertazón se ha vigorizado a través de este intermedio - que es junto a los comerciales tanto más esperado que el propio enfrentamiento en el emparrilado - convirtiéndose asi en un tema de interés nacional con antelación y posterioridad al juego. Eco de lo señalado es es su recientemente adquirida notoriedad más allá de las fronteras naturales del deporte y de la unión americana.

En la pasada década tuvieron lugar interesantes presentaciones que ayudaron a consolidar al evento, reforzando una generosa entrada por los derechos de emisión alrededor de nuestro ancho mundo emitido en directo.

Aquí va una lista de las cinco presentaciones que contribuyeron a la novísima pátina del evento en el extranjero. No es coincidenacia que muchas tuvieran lugar durante el último decenio, en el cual la audiencia de cada superbowl ha superado a la de su versión predecesora. Este es un recuento que va bien tanto para el aficionado de las tackleadas como para aquel cuya motivación es exclusivamente el entre acto: mucho más si se trata de algún potencial paisano cuyo propósito es ver por primera vez el divertimento en cuestión.

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Con agradecimiento especial a Natalia Rubio y HATE-LOVE

Y bien, la fecha llegó. Inní, la película que muestra el concierto que Sigur Rós dio en el Alexandra Palace de Londres en 2008 fue proyectada en el Espacio Odeón de Bogotá, y la pregunta que cabe hacerse es, ¿Si aguantó?

A la hora de hablar de Inní, existe la ventaja que es posible hacer una comparación entre esta y Heima, el documental de 2007 que muestra la gira de conciertos que la banda realizó junto a Amiina en Islandia durante el verano de 2006, y no se requiere mucho esfuerzo para ver que ambos filmes se paran en orillas completamente opuestas. El documental de 2007 es un esfuerzo deliberado por mostrar como es el hogar de la banda (No en vano Heima significa ‘En Casa’), mientras que la película de 2001 se concentra exclusivamente en el concierto, con solo unos pequeños fragmentos de entrevistas a la banda y conciertos de sus primeras épocas, que solo sirven para potenciar la atención dada a la presentación de 2008, y aunque no tiene relación, cabe anotar que hasta ayer descubrí que Jón Þór Bírgisson tiene un ojo perezoso.

Musicalmente hablando, Inní es bastante efectivo en su presentación. Quizá conscientes de lo poco accesible a la escucha que puede llegar a ser el material de sus primeros discos, las canciones seleccionadas por la banda y el director Vincent Morriset se concentran en sus tres ultimos trabajos, ( ), Takk… y Með suð í eyrum við spilum endalaust, los cuales presentan un sonido mas digerible y que le permitió al director explotar la principal fortaleza (visualmente hablando) de Inní. La única manera en la que puedo describir la cinematografía de este trabajo es pensando en una película muda de comienzos del siglo XX. Es un fortísimo blanco y negro que crea la impresión que el Alexandra Palace estaba completamente solo a excepción de la banda islandesa, y esa paleta de colores unida al parpadeo de la imágen y las sobreexposiciones de la película le dan un caracter muy distintivo y sugerente. Aunque brillaron por su ausencia temas como Hoppipolla o Glósoli, el setlist de Inní es un setlist representativo del sonido de Sigur Rós en la actualidad, menos etereo que en sus primeros pasos y mas cercano al post-rock, en una vertiente distina a la de bandas como Mogwai o Explosions in the Sky.

Habiendo expuesto todo lo anterior, se puede decir que si. Inní si aguantó. La proyección de la película en varias funciones a lo largo de la noche fue un acierto y que demostró que si hay un público para este tipo de eventos, y lo mas importante, un público para una banda como Sigur Rós.

Como creo que muchos, yo también me alcancé a ilusionar con la idea de un concierto de Sigur Rós en Bogotá este noviembre, aunque la verdad, se me hizo raro tomando en cuenta que la banda está en hiato indefinido desde hace poco mas de un año. Habiendo aclarado la confusión y tomando en cuenta que es una proyección de su álbum/DVD Inni, la pregunta inevitable es: ¿sí aguanta ir?

Es fácil pensar en la proyección que se va a realizar este 12 de noviembre en el Espacio Odeón como una versión glorificada de los videoconciertos que uno tenía que patearse cuando estaba en la universidad, pero la verdad es que va mas allá de eso. En primer lugar, Sigur Rós es una banda que ha recorrido un arco particularmente interesante en los últimos siete años. Su álbum “( )”, aunque ha envejecido bastante bien con el paso del tiempo, en un comienzo corroboró la idea que tenía de la banda como un ruido etéreo e insoportable, opinión que cambió con “Takk…” y que cambió aun mas con “Með suð i eyrum við spilum endalaust”, lanzado en 2008. El concierto que aparece en Inni, grabado en ese año se convierte en una cápsula del tiempo bastante interesante pues, en teoría, nos mostraría a una banda que justo acaba de llegar a ese extraño balance entre lo tremendamente personal y lo digerible por los demás, y está dispuesta a hacer lo que quiera estando en ese lugar. Por otro lado, a diferencia de “Heima”, su otro documental/presentación en vivo, que tenía un estilo más directo y convencional, hay algo tenebroso y bello a la vez en el estilo visual de Inni que lo hace una experiencia que puede valer la pena, mas allá de su valor musical.

La otra razón para asistir es una razón mas pragmática. En la medida que los conciertos se están convirtiendo en una fuente de ingresos más grande para las bandas y músicos, empiezan a cuidar sus inversiones… Situaciones como la de la presentación de Los Campesinos! en 2009 son la excepción antes que la regla, y no resulta descabellado que la proyección de Inni puede ser una especie de estudio de mercadeo por parte de la banda para evitar una situación como la del concierto de Belle & Sebastian el año pasado.

Curiosamente, resultó mas fácil encontrar razones para hacer algo que para no hacerlo. Pegarle una mirada a la proyección de Inni este 12 de noviembre en el espacio Odeón puede ser una buena idea que termine contribuyendo a cosas mas grandes. O sea que sí, es posible que aguante, y mucho.

MARKY RAMONE DJ. SET
Jueves 19 de mayo, 2011
La puerta Grande
Bogotá, Colombia
$20.000

MARKY RAMONE & MICHALE GRAVES
Viernes 20 mayo
Teatro Las Vegas Nevada
Calle 59 No. 13 - 65
Bogotá, Colombia
Preventa: $80.000 (300 Boletas)
Taquilla: $100.000

Marc Bell seguramente pudo ser un apacible cajero bancario en algún rincón de la Gran Manzana y estar esperando su jubilación en este momento. Lastimosamente para la industria bancaria se hizo baterista y empezó a tocar desde muy joven con diferentes bandas amateur. Su primer salto fue en 1971 en la agrupación rock Dust. Luego de grabar dos discos con ellos fue serio candidato para reemplazar al fallecido Billy Murcia, baterista de origen colombiano en los New York Dolls. En 1974 fue contratado para la banda de Wayne County (quien se convirtió en Jayne County) los Back Street Boys y un tiempo después su amigo Richard Hell, ex miembro de Television y The Heartbreakers, lo reclutó para su banda The Voidoids en la segunda mitad de la década del setenta.

En 1978 vino el hecho más relevante de su carrera, una banda de sonido chatarrudo y vibrantes presentaciones en vivo, que había sido producida por el primo de Bon Jovi, lo contrató entre sus filas para reemplazar a Thomas Erdelyi, y de esta forma el joven de 22 años entró a la familia más famosa del punk rock en la historia: The Ramones. Incluso se le permitió cambiar su nombre, “ahora serás Marky Ramone“, parafraseando a Zé Pequeño en Ciudad De Dios. Siga leyendo »

Javiera Mena

Este es el segundo año en el que la Fundación Gilberto Alzate Avendaño se la juega con el Festival Centro, un evento musical que quiere activar (¿reactivar?) el centro de Bogotá como un punto clave para la escena musical joven.

Durante los cinco días del festival, la oferta de bandas locales y extranjeras es variada. La cosa pinta bien y tiene bastante futuro, a menos que llegue alguien a pegoteárselo, lo dejen untar de decisiones políticas o lo dejen estancar en lo trillado, al mejor estilo Rock al Parque.

Cortesía de la Casa hace esta lista de lo que considera chévere, lo anti-chévere y otras cosas con las que no hemos podido definirnos con respecto a este festival, que toma fuerza en la ciudad.

Lo chévere.

Javiera Mena: Javierita tiene un aire de cheveridad y buena onda que es mil veces su estatura. No importa tanto que su disco haya estado en los primeros lugares de cuanta lista de rock alternativo latino existente en la red.

Lucrecia Dalt: Pensamos por un momento que su nuevo nombre era por el señor Dalt, pero realmente es “subir” en catalán. Después de 3 años de vivir en Barcelona vuelve a Colombia y ojalá sea muy, muy ruidosa. (Cómprenle el disco Congost, está bueno).

Lido Pimienta: Queremos ir a un karaoke con ella.

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Xoel López. (Foto por Lola García Garrido)

A continuación el top 13 de mis canciones favoritas de este 2010.  Un brevísimo comentario complementa los videos respectivos para que el lector tenga la oportunidad de escuchar y encontrar, quizás, lo que yo encontré en ellas.

1. Hombre de ninguna parte - Xoel López

La Caravana Americana resume los principios éticos y estéticos de Xoel López e invita a adoptar el caravanismo como estilo de vida.

2. Gotta get that feelin’ - Bruce Springsteen

Un poquito de Orbison, un poquito de Spector, trompetas redentoras y toda la voz de Springsteen en una canción archivada por puro capricho.

3. You’re not alone - Mavis Staples

La distancia entre ‘Jesus etc.’ y esta canción es la voz de Mavis Staples. Pero en el fondo, es el mismo corazón, el de Jeff Tweedy reavivando la esperanza.

4. Y respirar - Pala

De lejos, la mejor canción de ‘Yo y ya’, el disco reciente del  cantautor colombiano que domina con maestría a las palabras. Ahí está el mejor Pala: irónico e insinuante, libre de ataduras, proselitismos y creencias.

5. Good enough - Tom Petty & the Heartbreakers

Me gusta pensar que cuando Jimmy Page escuchó esta canción por primera vez dio por terminada su idea de echar a volar su viejo dirigible y llamó al bajista para contárselo.

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Lo de siempre: finaliza el año y todos los aficionados a la música -popular y no popular- escarban en su memoria para comprobar si los discos y las canciones que creyeron iban a estar entre lo mejor, en efecto, resultaron siendo grandiosos, o, por lo contrario, se quedaron al margen de ese deseo irrefrenable de dar play para volver a escuchar ese bendito disco o aquella extraña canción. Sobra decir que las listas siempre están armadas desde la exclusiva subjetividad del aficionado, por lo tanto, deberían ser consideradas algo insignificante, teniendo en cuenta que el disfrute de la música es personal e intransferible, por no decir onanista.

Dicho esto, lo que ve, es lo que hay:

Mis 13 discos favoritos de 2010:

	1. Tulsa - Espera la pálida: Recibí el disco en enero y se me reveló como lo mejor que escucharía en todo el 2010 pese a los once meses que aún restaban para que la música me sorprendiera, y sí que lo hizo, pero no con la magnitud de las once canciones de ‘Espera la pálida’.  Si en su primer álbum (Sólo me has rozado-2007) la española Miren Iza (alias Tulsa) sangraba con ternura, en este, la sensación es de una profunda derrota que se mitiga con su dulce voz, la instrumentación de una banda precisa (con Charlie Bautista en los teclados) que funciona como anestésico y la ironía como su mejor arma de defensa. Lo de Tulsa es rocanrol para lamer las heridas y esperar al lado de la carretera a que amaine el temporal.
	2. Mavis Staples - You are not alone: Cómo resistirse a la combinación mortal de la voz de Mavis Staples y la producción de Jeff Tweedy. Un disco para creer en la redención del alma a través de la música. Gospel en todo el sentido de la palabra. A través de ‘You’re not alone’ la fe se hace tangible y terrenal. La prueba: las trece canciones de un álbum imposible, pero sobre todo, la voz de Mavis Staples, heredera de la tradición de su padre y de una historia que ella misma ha escrito desde los años cincuenta; la de la resistencia, la piedad, la esperanza y la emancipación de un pueblo, de una raza y de una especie. Un repertorio que va desde Randy Newman, pasando por Allen Toussaint hasta John Fogerty tamizado por el filtro sonoro de Wilco y dos canciones escritas por Tweedy que parece tuvieran cien años. Música, el verdadero nombre de dios.
	3. Bruce Springsteen - The Promise: El lado “luminoso” del inmarcesible ‘Darkness on the edge of town’. Si aquel disco de 1978 apagaba el faro de ‘Born to run’, las 23 canciones radiantes de ‘The promise’ confirman que su creador estaba decidido a jugársela con un álbum con la amargura como protagonista, y se convierten en testigos excepcionales del pulso creativo que por entonces Springsteen le ganaba a la mala fortuna y a los despachos judiciales. Sin poder salir de gira, el “Boss” y su E Street band se dedicaron a componer y grabar hasta dar con el mejor disco de su carrera. Lo que quedó guardado por fin vio la luz este año para delicia de sus seguidores que aún se preguntan por qué espero tanto tiempo para que esto sucediera. Con corazón y muro de sonido, Bruce Springsteen abre las puertas de la tierra prometida.

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Julio de la Rosa. Foto por Andrés Wolf

Miércoles 17 noviembre de 2010
Centro Cultural Julio Mario Santodomingo
Bogotá

En el escenario del Teatro Estudio -ubicado al norte más norte de Bogotá- hay una Gibson Epiphone, un par de pedales, un piano de cola y un órgano Hammond iluminados por una tenue luz amarilla. Son las ocho de la noche y mientras la ciudad se encuentra atascada e inundada, literalmente, algunos le hacemos frente al invierno con el deseo de escuchar por primera vez a Julio de la Rosa en vivo.

Un elegante De la Rosa hace presencia en el escenario en calcetines, se tercia la guitarra, respira hondo e introduce las primeras notas de una dolorosa y lenta versión de “De no verte”; en seguida presenta a su compañero de ruta, el pianista Abraham Boba -tan elegante como él- para que lo acompañe en adelante. La irónica y nostálgica “Uno” da paso a “Las camareras” y “Hasta que te hartes”, dos piezas destacadas de su más reciente álbum “La herida universal”.

Abraham Boba. Foto por Andrés Wolf

En apenas cuatro temas, Julio de la Rosa ya había demostrado a los bogotanos de qué fibras está hecho y cuáles son sus principales intereses en la canción. En el aire ya rondaba el espíritu del amor amargo, el “sexo triste” y la desvergüenza. Una versión poco o nada “latinizada” de “Braile” -comparada con la que se encuentra en M.O.S.- dio paso a una interpretación completamente acústica de “Caradura”, en ella De la Rosa caminó por las gradas del teatro con la guitarra desenchufada mientras silbaba para reemplazar el acordeón, de la mano del acompañamiento melódico y los coros de Abraham Boba frente al piano, delatando hermandad y una telepatía perfectamente engrasada que se genera entre los dos músicos cada vez que van solos de gira.

A partir de ese gran truco acústico el público se entregó de lleno a un show que fue creciendo en intensidad moldeada por De la Rosa. Luego de la mordaz “Otro de sus juegos”, recordó a El Hombre Burbuja con una hiriente y primal versión de “Sobras” tan afilada que cortaba el frío de la ciudad. El aire y el alma regresaron al cuerpo de los presentes gracias a esa declaración de principios que podría ser “El traje”;  una sentida y desparpajada interpretación “La cama” dio fin a la primera parte del concierto.

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El escritor de canciones  y compositor de bandas sonoras Julio de la Rosa se presenta en Bogotá este miércoles.

Miércoles 17 noviembre de 2010, 8PM
Lugar: CENTRO CULTURAL JULIO MARIO SANTODOMINGO (Calle 170 # 67 - 51 - San José de Bavaria)
Entradas: Taquillas Tu Boleta y taquillas del teatro
Precios: $22mil

Myspace Julio de la Rosa
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En medio del aluvión de conciertos -de lo que en su momento se consideró como música “indie”- que llenan la agenda cultural bogotana hay uno que concentra mi atención y mi deseo: el de Julio de la Rosa.

Julio de la Rosa es español, es inquieto, es cantautor, es compositor de música para películas, es productor y es escritor. Dicho de otra forma  -de la mejor forma- Julio de la Rosa es un artista, y está en Bogotá, y perdérselo sería una pena mortal.

Entro en detalles: Julio de la Rosa es uno de los músicos más importantes de la escena independiente en España. Desde mediados de los noventa se empezó a vérsele en los escenarios como miembro de la banda sevillana Strange Fruit, luego en 1998, en su natal Jerez de la Frontera conformó la emblemática agrupación El Hombre Burbuja hasta el 2003, año en que decidió volar solo y firmar sus discos con su nombre propio.

A partir de “M.O.S” (2004) se descubre a De la Rosa como un escritor genuino lleno de ironía y la tensión propia del que ha visto y vivido todo, o casi, libre de las ataduras que le imponía hacer parte de un grupo. En su disco conceptual “Las leyes del equilibrio” (2005) narra la dramática historia de Manuel, son once canciones oscuras que aturden y hieren en medio de una experimentación sonora que recuerdan a los más arriesgados Nick Cave o Tom Waits. Siga leyendo »

La noche del pasado 8 de septiembre fue el lanzamiento oficial del nuevo video de Sismo, concierto del cual estaremos hablando dentro de pocos días aquí en Cortesía de la Casa.

El video está dirigido por Rubén Fernández y corresponde al segundo sencillo del álbum “La magia existe”.