Una rana y un tazón. La NFL nos jode si usamos una imagen de ellos.

El Superbowl se ha convertido en un evento llamativo dentro de nuestro entorno inmediato con la amplia penetración tanto de la televisión por cable como de la satelital, además de internet. La especialidad atlética - que para el televidente promedio de nuestro país es tanto arcana como lejana - ha comenzado a tener una interesante sintonía en lo que se refiere al menos a su última contienda de la temporada.

Una razón muy significativa para esto es el espectáculo de medio tiempo, el que ha ganado considerable popularidad entre los tele-espectadores, precedido por un sólido repertorio de actos provenintes de la música popular de altísimo perfil y reconocimiento orbital. Y es que hasta cierto punto es correcto sostener que el entusiasmo por el fútbol americano ha amuentado paralelamente con la expansión mediática del superbowl; y este a su vez se ha robustecido con llamativas presentaciones que tienen lugar en el receso de mitad del partido.

Es posible que este cinco de febrero en la tarde muchos de aquellos que no son adeptos al juego lleguen por curiosidad a sintonizar la transmisión; y ess por tal motivo que, sin entrar en pormenores casuísticos, esta escueta reseña se dirige a recapitular algunos de los momentos más sobresalientes de este nuevo referente de la cultura popular como lo es half time show del superbowl.

Y es que la audiencia del supertazón se ha vigorizado a través de este intermedio - que es junto a los comerciales tanto más esperado que el propio enfrentamiento en el emparrilado - convirtiéndose asi en un tema de interés nacional con antelación y posterioridad al juego. Eco de lo señalado es es su recientemente adquirida notoriedad más allá de las fronteras naturales del deporte y de la unión americana.

En la pasada década tuvieron lugar interesantes presentaciones que ayudaron a consolidar al evento, reforzando una generosa entrada por los derechos de emisión alrededor de nuestro ancho mundo emitido en directo.

Aquí va una lista de las cinco presentaciones que contribuyeron a la novísima pátina del evento en el extranjero. No es coincidenacia que muchas tuvieran lugar durante el último decenio, en el cual la audiencia de cada superbowl ha superado a la de su versión predecesora. Este es un recuento que va bien tanto para el aficionado de las tackleadas como para aquel cuya motivación es exclusivamente el entre acto: mucho más si se trata de algún potencial paisano cuyo propósito es ver por primera vez el divertimento en cuestión.

5.) Superbowl XXXVI: U2 (Acto especial de apertura por Paul Mc.Cartney), 2002

Rara vez se acostumbra que un número previo al espectáculo principal sea incluído en la transmisión, pero en aquella ocasión Macca fue parte de un muy patriotero montaje de reivindicación nacionalista que combinaba la vocación yankee por los ambajes y que a la vez, a través del mismo, buscaba suavizar el tono de las inusulaes medidas de seguridad que parecián la escinificación del supertazón/holocausto nuclear descrito en La Suma De Todos Los Miedos de Tom Clancy. La canción Freedom fue una de las dos piezas que el ex – Beatle presentara en 2002 (la otra de ellas Vanilla Sky, tema principal de la película homónima de 2001 dirigida por Cameron Crowe), con las que con posteriridad a esta intervención lanzaría una gira por EUA y de la que quedaría el registro Back in the US del mismo año.

No sorprende que se empleara a una figura tan familiar para destender a la audiencia en el Super Dome de New Orleans del rigor marcial de aquella noche - y de paso aumentarle una rayita a los demográficos - con una canción de McCartney que, aunque efectiva, se inscribía en esa lista de sus inuendos anti-bélicos como Black Bird o Let It In que tanto le fueran criticados antaño, especialmente por los proscelitos de John Lennon.

Nota: si esa lisonjera introducción de “America, We Love You” la asocian con un popular filler del canal de televisión donde siempre reverdece la seguridad ontológica de nosotros los tardiós veinteañeros, no es ninguna coincidencia.

U2 por su parte hizo en el entretiempo una presentación predecible en su estilo, pero inédita para los cánones del superbowl. Con una fanfarría bien calculada para televisión los dublineses consiguieron recrear la experiencia de sus conciertos, además de llover sobre mojado con el recargado mensaje mesiánico de Bono que, irónicamente, tuvo lugar durante el avivameinto pre - bélico que antecedería a las guerras con Irak y Afghanistán. El set de canciones incluiría Beatiful Day – primer sencillo del relativamente joven para ese momento All That You Can’t Leave Behind – y el guiño pacifista de MLK. El climax del showcase llegaría con Where The Streets Have No Name, instante en el que echando mano de toda la teatralidad aprendida en su veintena de años de carrera desplegaron desde lo más alto del recinto cerrado un gigantesco pendón sobre el que se proyectaron los nombres de las 2977 víctimas mortales de los atentados del 11 de septiembre de 2001. Ciertamente una presentación que consiguió conmover a los millones de televidentes y más de 70000 asistentes, además de ser tal vez uno de los últimos registros de una presentación de U2 en los que todavía era posible escucharlos verdaderamente tocar muy a pesar de lo artificiosidad de la puesta en escena de ese momento, aunque modesta en comparación con sus más rcientes giras.

4.) Superbowl XLII: Tom Petty & The Heartbreakers, 2008

Para el superbowl XLII aparecía como el menor de los detalles la banda del medio tiempo. Los todo poderosos e infalibles New England Patriots se enfrentaban a los improbables campeones New York Giants que habían avanzado a la final de manera providencial. No obstante, Petty se enacrgó de llevar en compañía de su agrupación de soporte por décadas un show entrañable y preciso en el que reapasó parte de su carrera con The Heartbreakers (American Girl) y de su propia carrera en solitario ( I Won’t Back Down y Runnin’ On A Dream). No obstante, el cenit de su presentación fue la interpretación de Free Fallin’, momento en el que la audiencia que colmara el aforo del University of Phoenix Stadium (Glenadle, Arizona) se desbordó en regocijo con tal vez la canción más exitosa de Petty; y en cierta forma un ominioso designio de los acontecimientos que estaban inmediatamente a punto de desarrollarse. Inesperadamente los New England Patriots poseedores de una marca perfecta de 18 - 0 - y además cuadruplicaban en las apuestas a sus contendientes, los New York Giants - vieron como en el último cuarto se les escapó el partido que ganaría en contra de todos los pronósticos - literlamente hablando - la franqucia de la ciudad de la que sobran los apelativos, escribiéndose así otra página más de la agria y añeja rivalidad de las ciudades de Boston y New York.

3.) Superbowl XXXIX: Paul Mc Cartney, 2005

De nuevo aprece el ilustrísimo hijo de Liverpool en este listado; y es que la NFL le gusta jugar a seguro: un Beatle es, innegablemente, hacer veintiuna.

Como todas las presentaciones de Mc.Cartney la nostalgia estaba a la orden del día y por eso acudió al repertorio de los Fab 4 con Drive My Car y Get Back, cubriendo así desde la época en que el flequillo tenía los días contados de Rubber Soul hasta el colofón de la banda con Let It Be. Por su carrera como solista, la versión de Live & Let Die haría el trabajo de llevar por el frenesí del arena concert de su periodo con Wings a los más de 78 mil asistentes del Alltel Stadium de Jacksonville, Florida. El cierre - como no podía ser de otro modo - fue con la muy generacional Hey Jude, con la que le puso la cereza al tope de la crema a un muy edulcorado toquín que como pocas ha dejado satisfechos a todos por igual.

2.) Superbowl XXVII: Michael Jackson. 1993

Tanto se ha hablado desde la muerte de MJ que ya todo parece que se ha dicho, y más aún, que no es que subsistan muchos deseos de verter más líneas de tinta virtual acerca de su legado. Algo es cierto: antes de su aparición en un show de medio tiempo este espacio tenía un perfil bastante discreto, casi desapercibido. Su inclusión transformaría el receso obligatorio en el evento que es motivo de aclamación o repudio transnacional como lo conocemos en el presente. Y es que en aún en la cúspide de su popularidad, la figura indiscutiblemnte más conocida del pop mundial se prestaba para ser parte del evento que - en ocasión de su participación - llegaría a convertrirse en el acontecimiento de mayor interés en nortemérica.

Pero nada es lo que parece, y más en el negocio del entretenimiento. Esta estrategia publicitaria no se sustraería - como fuera la constante en gran parte de la carrera de Jackson - de las controversías personales. En sus momento esta fue una medida de contención de daños ante las acusaciones de comportamiento indebido con menores que fueron levantadas en contra del aquel entonces ‘rey del pop’. Sin importar las segundas intenciones con las que sus promotores y él mismo decidieron hacer parte del juego - que tuvo lugar en el Rose Bowl de Pasadena, California – este fue un punto pivotal para el ascenso mediático del juego de campeonato de la NFL. Lastimosamente para Jackson su carrera de allí en más solo conoció el declive hasta el día de su muerte, momento para el cual dentro del compendio de sus presentaciones memorables en vivo se ha citado, y no con poca frecuencia, esta aquí señalada. La misma incluyó el muy deportivísimo tema Jam (recordemos que en el videoclip de esta canción aparecía junto a Michael Jordan), además de los inmarcesibles Billie Jean, Black or White y Heal The World.

1.) Superbowl XLIII: Bruce Springsteen, 2009

Bruce Springsteen y el superbowl: la idoneidad de las actuaciones de The Boss para los auditorios multitudinarios hace pensar que esto ha debido de darse muchos años antes. En pocos espectáculos dentro del variopinto catálogo de colaboraciones musicales a los eventos deportivos se ha podido experimenter tanta sincronía. Springsteen en compañía de la E Street Band son bien conocidos por haberle dado una nueva vida al que peyorativamente se ha conocido a lo largo de la historia como el stadium rock (el cual siempre ha sido visto por encima del hombro por su obvia intención de recrear puestas en escena en las que la cantidad sobrepasa a la calidad). A pesar de esta consideración despectiva, el genio de Springsteen estuvo en equilibrar dentro un sonido directo, potente y visceral composiciones aún – o tal vez más - vigentes sobre la clase trabajadora y sus cotidianes viscicitudes. Su llamado intruductorio previo al espectáculo para el público a “bajar las barritas de pollo” y alejarse “doce minutos del gucamole” era tanto parte de un muy elaborado amaño que con astucia cazurra solamente él - y nadie más que él - podía sacarse del sombrero y salirse con la suya como una invitación a ser partícipes de una de las presentaciones mejor logradas para la televisión: Al fin de cuentas él es el “jefe”, y a los jefes hay que hacerles caso!

El repertorio de este breve concierto - que tuviera lugar en el estadio Raymond James de Tampa Bay, Florida – fue en su orden: 10 Avenue Freeze Out, Born To Run, Working On A Dream y Glory Days. El detalle de cambiar las referencias sobre beísbol y acotarlas al fútbol americano en esta última canción fueron un coqueto detalle recibido por beneplácito por los fanáticos. Además esta fue una de las últimas apariciones multitudinarias de The Big Man Clarence Clemons (1942 – 2011) saxofonista insigne de la banda y en buena parte el responsable por el éxito en directo de esta.

Sería justo también hablar de los gazapos de otras ediciones (Janet Jackson y Justin Timberlake, The Who, Black Eyed Peas) y de algunos otros de los cuales hay opiniones divididas, pero eso extendería demasiado a esta reseña y sería materia para otro vivificante momento de reflexión de la cultura pop. Finalmente, ya con el anuncio del setlist correspondiente a la presentación este domingo de Madonna no queda más que esperar a ver que nos deparará con Madge en esta nueva aventura para ella. De momento aquí está la nueva canción perteneciente a su próximo álbum: Gimme All Your Lovin’ - la que será promocionada dentro de su show en compañía del sabor del mes del pop del ringtone Nicki Minaj y la más agraciada, musicalemente hablando, M.I.A - que ya con esta aparición es posible que olvide las varias veces que se le negara el visado americano por considerarle beligerante por el lado paterno…  ¿La revolución te llega hasta que la fama te alcanza?

P.S: El videoclip ha sido removido de YouTube por las implicaciones comerciales del adelanto… ¿O será que mejor guardan un poquito de misterio hasta la noche del domingo..?

Por Rod Avila (@indierod)

Fabián – Después del incendio y otras cosas así: Amor, de eso se trata. Fabián hace canciones con el amor inabarcable por un oficio cada vez menos valorado, el del cantautor, artesano de la música y las palabras que planta felicidad en los corazones de la gente. Sólo basta apreciar cada hoja del librillo que acompaña al disco para saber cuánto mimo pone Fabián en su quehacer. Y por supuesto, ese amor se refleja en cada una de las diez canciones de un disco que brilla con maestría genuina, sin importar si su autor tiene el corazón hecho pedazos. Miro la tapa del disco y pienso en Charly García y sus inquietudes lapidarias: “Después de llegar los bomberos, la policía, la prensa, rescatar al hombre, apagar el fuego, le hicieron la pregunta obvia: ¿Cómo se inició el incendio? No sé… Estaba en llamas cuando me acosté”. Después del incendio, aún inhalando las cenizas y con las marcas indelebles ardiendo en la piel, el horizonte de Fabián se divisa luminoso e ilumina el nuestro.

Pablo Dacal – El progreso: Durante el primer lustro de los pasados años ochenta, Charly García editó una genialidad llamada “Clics modernos”, un disco que conectaba diferentes tiempos y tendencias y encarnaba el futuro en tiempo presente. Casi 20 años después, Pablo Dacal, alumno natural de García, atiende el mismo llamado de la historia y la canción para poner punto y aparte en la música popular argentina. Esa sensación latente en su anterior disco, “La era del sonido”, que invitaba a la revisión y reinvención de modernismos y tradiciones de otras décadas y otras geografías, irrumpe con fuerza en “El progreso” que, desde su título y su tapa, recuerda la idea del viejo concepto materialista en el que un mundo mejor es posible acá en la Tierra. Y aunque pasa por obvia, la idea es atrevida y renovada en un decálogo de canciones creadas e interpretadas por lo más selecto de un panorama musical argentino reconfortante, que invitan a despertar de un sueño amargo y a salir de casa a buscar la vida real.

Andrés Gualdrón – Andrés Gualdrón y los Animales Blancos: Arriesgado, así es el debut discográfico del bogotano Andrés Gualdrón, que sin miramientos, asco y contemplaciones ha firmado una de las mejores sorpresas musicales hechas en Colombia en 2011. Quizás ni el mismo lo haya entendido, pero Gualdrón -admirador furibundo de Edson Velandia, Eblis Álvarez y Luis Alberto Spinetta-, a fuerza de jugar y experimentar con sonidos, sonoridades y palabras, ha corrido la cortina de un futuro próximo en la canción colombiana. Alejado de sectarismos y taras culturales, Andrés recibe, asimila, recicla y almacena todo lo que escucha, no lo juzga, lo utiliza; no se queda en largos -y aburridos- devaneos virtuosos, lo concreta en canciones pop; no se conforma con la verborrea costumbrista de nuestros tiempos, imagina y construye historias fantásticas. Tal es su capacidad de síntesis y riesgo creativo que, con apenas un disco, ya se encuentra un paso delante de algunos de los músicos locales que admira.

The Jayhawks – Mockingbird time: El último disco de estudio de los Jayhawks se editó hace ocho años, y aunque Gary Louris supo mantener la esencia y la elegancia encantadora de la banda tras la partida de su compadre Mark Olson en 1996, lo cierto es que ninguno de los registros posteriores se acercaron al cénit creativo de los discos “Hollywood town hall” (1992) y “Tomorrow green grass” (1995). Más de una década después de sanar heridas, reencontrarse y grabar un disco con canciones coescritas por los dos; Louris y Olson decidieron retomar el camino abandonado por una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos. Los padres de aquello llamado alt-country han vuelto a hacer un disco legendario que conserva el espíritu de Gram Parsons sobrevolando en las melodías y las armonías vocales únicas, recupera los teclados juguetones de Karen Grotberg y añade un componente definitivo: la sabiduría y la amargura que sólo ponen los años de derrotas.

Nacho Vegas – La zona sucia + Cómo hacer crac: Dos en uno. Nacho Vegas nos tiene acostumbrados a grandes álbumes y a sus respectivos “hermanos pequeños” o EP’s que suceden a los discos largos. En 2011, divorciado de la disquera Limbo Starr, el asturiano presentó el LP “La zona sucia” y el EP “Cómo hacer crack”, en total una colección de 16 canciones que sumergen al escucha en las inquietudes actuales de uno de los mejores cantautores de nuestra generación. Si en “La zona sucia” Vegas vuelve a arder, como lo viene haciendo desde “El manifiesto desastre”, en una incurable pena de amor, en “Cómo hacer crac” se libera de ese peso para protestar -megáfono en mano-, tomar partido a favor de los oprimidos y retratar(se) el devenir de la vida moderna. Con una banda que atraviesa su mejor momento, Nacho Vegas -próximo a visitar Colombia por primera vez- escribe y canta cada vez más cerca de la luz sin evitar mirar atrás para recordar que la bruma también avanza rápidamente.

Wilco – The whole love: Jeff Tweddy y sus compadres han vuelto a hacer uno de los mejores discos de rock del siglo XXI y a resignificar su trayectoria en un álbum de 12 canciones. Y de qué manera lo han hecho; para satisfacción de los extremistas del indie (esa turba fastidiosa e insaciable) -aquejados desde que la banda optara por realizar discos más “convencionales”- “The whole love” inicia con siete minutos del Wilco más experimental y ruidoso que tanto extrañaban, eso sí, con arreglo de cuerdas incluido en “Art of almost”. Pero la guinda del pastel es, como contraparte a la apertura, “One sunday morning (Song for Jane Smiley’s boyfriend)”, la última canción del disco que se extiende durante doce minutos en una preciosa tonada bucólica. En el medio, canciones que destellan y deliran pop, alt-country y rock con la delicadeza y la altura propia de una banda clásica, que trabaja duro y se divierte haciendo grandes canciones disco tras disco, sin pretensiones de ningún tipo, salvo esa, la de divertir y divertirse. Lo demás, en su caso, ya es accesorio.

Noel Gallagher – Noel Gallagher’s High Flying Birds: El linaje bastardo de los grandes cantautores del rock británico del que hacen parte Pete Townshed, Ray Davies, Paul Weller e Ian Brown se extendió hasta mediados de los años noventa del siglo XX en la figura del líder natural de Oasis. Luego de besar el cielo y el suelo, sin dejar de escribir himnos de rock -de estadio y salas de estar-, Noel Gallagher puso fin al hartazgo que le implicaba sostener a una banda tan grande como la boca de su cantante y decidió -dos años después- editar un primer álbum bajo su entera responsabilidad. Las canciones de “Noel Gallagher’s High Flying Birds” desentrañan, una vez más, el ingenio de Gallagher para conectar con el espíritu propio de un momento y llegar a los corazones y gargantas de miles de jóvenes y no tan jóvenes. Un debut en solitario en el que, al margen de lo que hiciera al frente de Oasis, Noel -gustoso o no- se asume de pleno como el gran vocalista que es.

Alvy, Nacho y Rubin – Interpretan a los Campos Magnéticos Vol. 2: Por segundo año consecutivo este trío argentino integrado por Sebastián Rubin (Rubin y los Subtitulados), Nacho García (Onda Vaga) y Alvy Singer (Alvy Singer Big Band), vuelve a dar en el blanco de la felicidad interpretando en castellano el exclusivo repertorio de The Magtic Fields. Al igual que el primer volumen de esta colección, editado en 2010, esta segunda parte no sólo reconoce el enorme talento de Stephen Merritt como escritor de canciones (quien se sorprendiera gustoso del primer volumen), sino que da un paso gigantesco para poner en su lugar al intérprete de canciones como elemento fundamental de la música popular. Alvy, Nacho y Rubin interpretan las canciones de Merritt en el amplio sentido de la palabra, apropiándose de ellas, dotándolas de un lenguaje telúrico, adaptándolas al contexto y arropándolas de una instrumentación sencilla y a la vez preciosa, guardando respeto por las originales a tal punto de enamorar igual que ellas.

Andrés Correa – Un lugar: El más reciente larga duración del cantautor bogotano Andrés Correa, que en 2010 antojaba con parte de sus nuevas canciones en un disco EP, confirma su sintonía con la canción del siglo XXI. De corazón rockero pero criado entre diversas músicas latinoamericanas, Correa enfatiza en “Un lugar” que la canción contemporáneas trasciende los géneros y las fronteras; no en vano, canciones como “Medias nueves”, “Un lugar en el mundo”, “Ana y Andrés”, “Pasos de cangrejo” o “Mascota” atraviesan épocas y continentes, apostando por una canción bogotana -o colombiana, si se quiere- genuina, desprendida de ortodoxias como la manida canción de autor o el aburrido rock, reivindicaciones cuestionables como la inclusión de tambores y aires costeños, e imposturas como la experimentación sonora como condición sine qua non para… Sin duda “Un lugar” puede ser considerado como un disco fundamental para Colombia en ese nuevo e interesante fenómeno iberoamericano llamado cancionismo.

Ron Sexsmith – Long player late bloomer: Ron Sexsmith podría parecer un tipo común y corriente pero no lo es. Ron Sesxmith es un tremendo escritor de canciones, un genio ninguneado por una prensa más empeñada en apuntar y esperar a que el “mundo indie” le aseste otro batacazo a la gran industria en forma de premio Grammy y en asentir bobamente a lo que dice Pitchfork que en asumir riesgos, ir más allá y explorar cuánta maravilla se queda encelofanada. Mientras eso pasa, Ron Sexsmith sigue componiendo grandes canciones y tocando para un pequeño público que no duda en ubicarlo al lado de Paul McCartney, Brian Wilson, Elvis Costello o Nick Lowe; así de sencillo, así de grande. “Late player bloomer”, el décimo segundo disco de estudio de Sexsmith -¡producido por Bob Rock!-, desparrama luz y encanto, sin trucos y artificios, en el que su autor pisa fuerte desde su timidez reconociéndose como un gran cantante sin esperar mayor recompensa que la de saber que es el mejor en lo que hace.

Ryan Adams – Ashes & fire: El título del nuevo gran disco de Ryan Adams resume sus últimos años de cara al mundo de la música: después de ponerle fin a los Cardinals, asumir su retiro, encerrarse a vivir las mieles del amor, explorar su faceta como prosista y afrontar sus problemas de audición, todo indicaba que Adams no volvería a editar discos. Pero no pasaron dos años y el de Jacksonville ya había puesto en marcha un disparate metalero bautizado como “Orion” (2010), enseguida publicó un disco doble con sobrantes de sus discos junto a los Cardinals, hasta que por fin volvió a fascinar con un puñado de canciones nuevas, tratadas desde una perspectiva íntima y acústica, con arreglos mínimos interpretados por músicos relevantes como Benmont Tench de los Heartbreakers y Norah Jones, entre otros. Apacible como ninguno y como nunca, este disco revela a un Ryan Adams que arde en el fuego sagrado de la canción y no pretende desvanecerse.

Josh T. Pearson – Last of the country gentlemen: ¿Cuánto daño puede soportar un hombre antes de ser llamado sobreviviente? Que sirva la paráfrasis Dylanesca para hacer referencia al doloroso y estremecedor disco debut de Josh T. Pearson. Difícilmente pudo editarse un disco más triste y crudo en 2011 que “Last of the country gentlemen”, un desgarrador testimonio en el que su autor se adentra en el corazón de las tinieblas. Grabado durante el invierno berlinés, el disco contiene apenas siete canciones en las que la voz cuarteada de Pearson sólo se acompaña de una guitarra -y ocasionalmente de pequeños arreglos de cuerdas- y se extiende durante una hora de lamentos; la honestidad brutal jamás fue encarnada de mejor manera que en este disco en el que cada canción sangra y alcanza la sublimidad del amor desde el infierno. Resumiendo en una palabra: inefable.

Gilbertástico – Versalles: La suma de virtuosismo, delicadeza pop, un finísimo sentido del humor y el desparpajo, hace de “Versalles” uno disco redondo, delicioso y -sobre todo- único, a tal punto que difícilmente se puede etiquetar en algún género sin dudar si es a ese al que corresponde. La sonoridad de las 13 canciones del disco debut de Gilbertástico -seudónimo del valenciano Gilberto Auban- remiten al siglo XVIII, a la música de cámara, al folclore europeo y al absurdo, puesto de manifiesto en cada una de sus letras, generando en quien las escucha una simpatía inmediata y cómplice con el autor y sus personajes. La combinación es perfecta pues resulta inevitable detenerse en el dramatismo de las letras y la voz de Gilbertástico, mientras que el piano (acompañado de la mandolina, el contrabajo o la batería) les otorga la tensión precisa para la risa o la sorpresa de un final descabellado, grotesco o sangriento. Pop barroco u ópera rock de las mejores cepas pero en pequeñas dosis que rondan los tres minutos de gloria.

Kurt Vile – A smoking from halo: El segundo trabajo de Kurt Vile es un disco de rock clásico y compacto, así, sin más y con todo lo que eso significa. En cada una de las diez canciones -e incluso en la tapa del disco- de “A smoking from halo” se nota la cercanía y el aprendizaje de Vile con autores de todos los tiempos como Dylan, Springsteen, Lou Reed y Tom Petty, en particular; pero la aspereza y el tratamiento lo-fi en la grabación también evidencia que grupos como Sonic Youth calan con hondura en el buen oficio de este multi-instrumentista de Filadelfia. El ambiente subterráneo y taciturno de canciones como “Baby’s arm” tema de apertura el álbum, “On tour” y “Runner Ups”, sumergen al escucha en un estado hipnótico bordeando lo lisérgico mientras Kurt Vile retrata el aislamiento y la alienación tan propia de este siglo XXI; pero sin duda, la belleza pop del sencillo de lanzamiento “Jesus fever” irradia y augura, ojalá, a uno de los singer-songwriters a considerar siempre en los próximos años.

Los Pirañas – Toma tu jabón Kapax: Cumbia frenética y rocanrol criollo. El delirio como resultado de la improvisación -y viceversa-. El primer álbum de Los Pirañas -la cara B del exitoso Frente Cumbiero- dobla la apuesta y la gana, quizás sin pretenderlo, en la reformulación de la cumbia como una música nacional y continental. Valga mencionar que el disco fue grabado en vivo y en directo en diciembre de 2010 -ante un auditorio extasiado de 31 personas- en ese espacio vital para la vanguardia musical bogotana que hoy es la Sala Matik-Matik y fue editado por el sello Festina Lente -un proyecto tan romántico como Matik-. En “Toma tu jabón Kapax”, Mario Galeano, Eblis Álvarez y Pedro Ojeda se adentran en terrenos tan disímiles como la psicodelia, la champeta y el garaje, desde la base rítmica de la cumbia hasta hacerlos combustionar, casi de forma espontánea, descaderando, de paso, a todo aquel que se atreve a dar play a su reproductor de música.

Y por acá mis favoritos de 2010. Y 2009.

Aprovecho para recordar que hace un rato quedaron colgados el Mixtape Bailable y el podcast de lo mejor del año en El Horno.

Y dentro de una semana hay nuevo mixtape, por si acaso.

10| The Jezabels - Prisoner

En un año repleto de lanzamientos pop se destacó, entre ellos, este LP debut cargado de transiciones épicas y ganchos pegajosos. Álbum largo, eso sí.

9| Youth Lagoon - The Year of Hibernation

Otro disco épico, repleto de paisajes y sonidos novedosos. Como suele ocurrir con proyectos experimentales como este, tardará algún tiempo en llegar al mainstream. Pero sépanlo, ese es su destino.

8| Royal Headache - Royal Headache

Australia sigue siendo importante proveedor de entradas en estos listados de lo mejor del año, en este caso con sonidos inconfundiblemente punk/garajeros en un año bastante punk/garajero.

7| Hanni El Khatib - Will The Guns Come Out

Entrada tardía al conteo. Se salvó porque decidí separar los LPs de los EPs. La fórmula de El Khatib podrá no ser novedosa, pero su método sí lo es. Rock fuerte y crudo en un paquete redondo y bien logrado. Tendrá nuevo disco pronto.

6| Black Lips - Arabia Mountain

Mostrando quizás el lado más pop de Black Lips, este álbum explora varios géneros pero siempre con alma playera. Todos los cortes son éxitos en potencia.

5| Scott H. Biram - Bad Ingredients

Encasillar el Bad Ingredients dentro de un solo género sería un crimen. Definitivamente su sonido es sureño, pero con un estilo único el señor Biram cocina un exquisito sancocho que obliga chuparse los dedos y deja con ganas de más.

4| The Joy Formidable - The Big Roar

El primer EP de estos galeses, A Balloon Called Moaning, nos cautivó bastante en 2009, pero que tomaran ese álbum, le dieran tres vueltas, lo pulieran y lo entregaran a la difícil máquina musical estadounidense en este bonito empaque fue una movida bastante osada. Abrir tarima en Coachella, Lollapalooza y en la gira de Foo Fighters fue una simple consecuencia.

3| Sharon Jones & The Dap-Kings - Soul Time!

A primer vista esta es simplemente una recopilación de canciones que no fueron incluídas en los 4 LPs de Sharon Jones junto a los Dap-Kings. A primera escucha es quizás el mejor material de la cabeza de lanza de Daptone Records. Un clásico.

2| Of Monsters and Men - My Head Is an Animal

Su debut dispara folk sin piedad, con letra profunda y sensata que trasciende la lejanía física entre ellos y su potencial audiencia. Esperamos mucha buena música por parte de este talentoso sexteto islandés, así como esperamos que la gente de Universal no dañe un producto tan bonito.

1| Thee Oh Sees - Carrion Crawler / The Dream

Me asusté un poco luego de oír el primer álbum que Oh Sees lanzó en 2011, Castlemania. Por fortuna el señor John Dwyer regresó a sus raíces enérgicas en este, su segundo esfuerzo del año. Un disco que a pesar del ruido lo mete a uno en una especie de trance y se deja escuchar fácilmente.

En cuanto a EPs me permito destacar las publicaciones de Alabama Shakes (Alabama Shakes), FIDLAR (DIYDUI) y Reigning Sound (Abdication… For Your Love).

Otros álbumes a mencionar: Blitzen Trapper (American Goldwing), Diarrhea Planet (Loose Jewels), Fucked Up (David Comes To Life), The Loom (Teeth), Mudhoney (Head On the Curb), Radical Dads (Mega Rama), Tennis (Cape Dory), Veronica Falls (Veronica Falls); y entre los EPs: Wilco (Speak Into the Rose), Earth Girl Helen Brown (Story of an Earth Girl), Frightened Rabbit (Frightened Rabbit).

Y bien, la fecha llegó. Inní, la película que muestra el concierto que Sigur Rós dio en el Alexandra Palace de Londres en 2008 fue proyectada en el Espacio Odeón de Bogotá, y la pregunta que cabe hacerse es, ¿Si aguantó?

A la hora de hablar de Inní, existe la ventaja que es posible hacer una comparación entre esta y Heima, el documental de 2007 que muestra la gira de conciertos que la banda realizó junto a Amiina en Islandia durante el verano de 2006, y no se requiere mucho esfuerzo para ver que ambos filmes se paran en orillas completamente opuestas. El documental de 2007 es un esfuerzo deliberado por mostrar como es el hogar de la banda (No en vano Heima significa ‘En Casa’), mientras que la película de 2001 se concentra exclusivamente en el concierto, con solo unos pequeños fragmentos de entrevistas a la banda y conciertos de sus primeras épocas, que solo sirven para potenciar la atención dada a la presentación de 2008, y aunque no tiene relación, cabe anotar que hasta ayer descubrí que Jón Þór Bírgisson tiene un ojo perezoso.

Musicalmente hablando, Inní es bastante efectivo en su presentación. Quizá conscientes de lo poco accesible a la escucha que puede llegar a ser el material de sus primeros discos, las canciones seleccionadas por la banda y el director Vincent Morriset se concentran en sus tres ultimos trabajos, ( ), Takk… y Með suð í eyrum við spilum endalaust, los cuales presentan un sonido mas digerible y que le permitió al director explotar la principal fortaleza (visualmente hablando) de Inní. La única manera en la que puedo describir la cinematografía de este trabajo es pensando en una película muda de comienzos del siglo XX. Es un fortísimo blanco y negro que crea la impresión que el Alexandra Palace estaba completamente solo a excepción de la banda islandesa, y esa paleta de colores unida al parpadeo de la imágen y las sobreexposiciones de la película le dan un caracter muy distintivo y sugerente. Aunque brillaron por su ausencia temas como Hoppipolla o Glósoli, el setlist de Inní es un setlist representativo del sonido de Sigur Rós en la actualidad, menos etereo que en sus primeros pasos y mas cercano al post-rock, en una vertiente distina a la de bandas como Mogwai o Explosions in the Sky.

Habiendo expuesto todo lo anterior, se puede decir que si. Inní si aguantó. La proyección de la película en varias funciones a lo largo de la noche fue un acierto y que demostró que si hay un público para este tipo de eventos, y lo mas importante, un público para una banda como Sigur Rós.

Siempre ha sido complicado explicar el nombre de esta agrupación. De hecho, lo simpático de su denominación hizo captar mi atención hace varios años, cuando me encontré con uno de sus temas en un compilado de gustos musicales que hicieron las cantantes de Ladytron titulado “Ladytron: Softcore Jukebox”.

!!! (Chk Chk Chk) en Bogotá
Con show previo de Planes (amigo de la casa) y Like Some Cat from Japan.

Miércoles 2 de Noviembre
Teatro METRO (Calle 34 # 13-32)
Bogotá, Colombia.
Organiza Absent Papa
$30.000 para quienes tienen boleta para SOMA
$60.000 para el día del evento.

Allí se encontraba el corte Feel Good Hit of the fall, tema que de inmediato logra causar unos inevitables deseos de fiesta por su mezcla lasciva entre sonidos de la movida disco, dance y post-punk de la Nueva York de inicios de los años 80 (Liquid Liquid, ESG, Delta 5, Talking Heads).

Eso es lo que define a esta innombrable agrupación originaria de Sacramento, California formada a mediados de los 1990 por Nic Offer y Mario Andreoni, quienes se mudaron con su combo a los alrededores de Nueva York para entrar de lleno en la tendencia retro y del presente sin presente que caracterizó a los sonidos de la capital del mundo durante los últimos lustros. (Todo en cabeza del sello discográfico DFA del líder todopoderoso de LCD Soundsystem, James Murphy).

Los primeros trabajos de la discografía de !!! o Chk Chk Chk (así se identifican en lo escrito), “!!!” de 2001 y “Louden up Now” de 2003 se caracterizan por los temas discotequeros largos y los remixes extensos, combinando instantes de punk ruidoso con sintetizadores y las percusiones festivas que han destacado a los grupos del sello DFA (Out Hud, Radio 4, YACHT). Además de algunas referencias mordaces a la vida callejera de Nueva York durante este tiempo, caracterizada por el ánimo depresivo y temeroso luego de los atentados del 9/11.

En 2007, el álbum “Myth Takes”, precedido de algunos singles y epés inéditos, se caracterizó por la atmósfera de euforia y lujuria propia de un club nocturno, gracias a las entretenidas líneas de bajo y los arreglos psicodélicos de guitarra funky. Temas como Heart of Hearts o Must be the Moon crearon una reacción en masa de los indies digitales (antes del hipsterismo salvaje o pre-hipsters) y llamaron la atención de la prensa musical mundial, incluyendo a las radios públicas y universitarias de latinoamérica. Su último trabajo de 2010, “Strange Weather Isn’ it” suena mas lounge e intimista, sin embargo continua la línea de psicodelia, punk y funk.

Luego de tener las visitas a Bogotá de YACHT, Hot Chip y LCD Soundsystem en la última temporada, la visita de !!!, continua la línea del paso por los andes sudamericanos del divertido dance punk funk que ha prendido el carnaval en los festivales musicales alrededor del mundo, ¡y de qué forma! A pesar de ser un concierto con “fecha de mitad de semana” (guiño futbolero) vale la pena festejar un poco en la previa antes del festival SOMA con Interpol y compañía. Todo un reto para los Bogotanos amantes de la juerga y el desmadre a doble jornada. Si el día de LCD Soundsystem el “respetable publico” estaba extasiado y feliz, esta vez la cosa es más potente. Esperamos.

Siga a Santiago Re en Twitter: @sarcasmorecords @sarcasmocorp.

Es fácil pensar en la proyección que se va a realizar este 12 de noviembre en el Espacio Odeón como una versión glorificada de los videoconciertos que uno tenía que patearse cuando estaba en la universidad, pero la verdad es que va mas allá de eso. En primer lugar, Sigur Rós es una banda que ha recorrido un arco particularmente interesante en los últimos siete años. Su álbum “( )”, aunque ha envejecido bastante bien con el paso del tiempo, en un comienzo corroboró la idea que tenía de la banda como un ruido etéreo e insoportable, opinión que cambió con “Takk…” y que cambió aun mas con “Með suð i eyrum við spilum endalaust”, lanzado en 2008. El concierto que aparece en Inni, grabado en ese año se convierte en una cápsula del tiempo bastante interesante pues, en teoría, nos mostraría a una banda que justo acaba de llegar a ese extraño balance entre lo tremendamente personal y lo digerible por los demás, y está dispuesta a hacer lo que quiera estando en ese lugar. Por otro lado, a diferencia de “Heima”, su otro documental/presentación en vivo, que tenía un estilo más directo y convencional, hay algo tenebroso y bello a la vez en el estilo visual de Inni que lo hace una experiencia que puede valer la pena, mas allá de su valor musical.

La otra razón para asistir es una razón mas pragmática. En la medida que los conciertos se están convirtiendo en una fuente de ingresos más grande para las bandas y músicos, empiezan a cuidar sus inversiones… Situaciones como la de la presentación de Los Campesinos! en 2009 son la excepción antes que la regla, y no resulta descabellado que la proyección de Inni puede ser una especie de estudio de mercadeo por parte de la banda para evitar una situación como la del concierto de Belle & Sebastian el año pasado.

Curiosamente, resultó mas fácil encontrar razones para hacer algo que para no hacerlo. Pegarle una mirada a la proyección de Inni este 12 de noviembre en el espacio Odeón puede ser una buena idea que termine contribuyendo a cosas mas grandes. O sea que sí, es posible que aguante, y mucho.

Dënver en Bogotá:
Jueves 13 de Octubre
9:30 PM
La Puerta Grande (Cra. 12 #93-64)
$20.000

Dënver en Medellín:
Sábado 15 de octubre
6:00 PM
Teatro Lido (Cra. 48 #54 - 20)
Entrada libre.

Remate de Dënver (en Medellín):
(con Neoplatonics, Panorama y Fede Franco)
9:00 PM
Vanilla (Cra. 34 #8A–37)
$15000

La banda chilena Dënver llega por primera vez a Colombia y estará tocando en Bogotá el  13 de octubre y en Medellín el 14 de octubre de 2011.

Dënver es un dúo compuesto por Milton Mahan y Mariana Montenegro y aunque son de la ciudad de San Felipe, se encuentran actualmente radicados en Santiago.

Su último disco “Música, Gramática, Gimnasia” (2010) se publicó con el sello chileno Cazador, del cual también hacen parte bandas como Protistas y TV Gamma.

Antes de su llegada, en Cortesía de la Casa hemos decidido hacerle unas cuantas preguntas mientras nos preparamos para su concierto.

¿Qué nos pueden contar sobre esta pequeña gira que pasa ahora por Bogotá y Medellín?

Contactaron a nuestro manager un par de productores y nada, nosotros felices de poder ir por primera vez para allá a mostrar nuestro trabajo, y siempre hay muchas expectativas con que pasará en cada nuevo lugar, así que acá estamos con hartas ansias para ver qué pasa.

¿Tocarán en Colombia con su formato de cuatro músicos o sólo ustedes dos?

Por esta vez vamos en formato dúo, más electropop, un formato que hemos ya probado mucho y es muy bueno porque se genera una cosa muy íntima entre el público y nosotros.
¿En qué partes del mundo, fuera de Chile, han tocado y qué planes de giras o conciertos hay?

Hemos ido dos veces a España donde hemos podido girar por muchas ciudades por allá, fuimos a Perú hace unos meses y luego tuvimos dos fechas en Argentina, ahora estamos trabajando en gestionar algo en México pero aún no podemos confirmar.

¿Qué fue lo que pasó en el aeropuerto de Barajas, en Madrid?

Hubo un malentendido con policía internacional, o quizás más exclusivamente con una chica policía que nos tomó bronca y nos malinterpretó, y nada, tuvimos que pasar toda una noche ahí y estuvimos a 20 minutos de ser deportados, pero a última hora el malentendido se arregló y todo bien, y la gira luego estuvo genial y la gente megacariñosa por lo del incidente, así que igual tenemos muy lindos recuerdos de esa experiencia.

¿Para cuándo estará listo el nuevo disco de Dënver? ¿Qué puede esperar el público?

Aún no hay fecha pero si hay unos pequeños esbozos de algunos temas nuevos, queremos adentrarnos aún más en la fauna de nuestro imaginarios así que creo que será un álbum redundantemente sanfelipeño.

Su música parece estar muy influenciada por artistas anglo, pero ustedes cantan en español. ¿Qué los influencia en las letras?

Yo haría dos diferencias, sí musicalmente tenemos muchas influencias de música norteamericana de los setenta pero ésto a nuestro humilde nivel de producción, líricamente me gusta la música en español, es menos musical y más complejo dar con las palabras adecuadas, pero creo que es lo que nos toca y enriquece a la vez la música.
Las letras son bastante privadas, hablan de experiencias bastante personales y de anécdotas y sufrimientos por los que hemos pasado en nuestra vida, creo que son como una conmemoración de nuestro mejores años y más oscuros años de juventud.

Muchos artistas mencionan conciertos a los que fueron o discos que escucharon por primera vez como momentos reveladores e inspiradores para hacer música y formar grupos. ¿Tienen ustedes esos conciertos o discos?

No sé, yo me animé a hacer canciones por mis amigos más que otra cosa, había un chico en San Felipe que hacía unas canciones geniales de un proyecto ya disuelto llamado Arrebato y de ahí un poco, de armar tocatas y todo eso quise meterme en la música, pero no quería dedicarme a eso, yo quería estudiar Literatura pero no me alcanzó el puntaje de la PSU, que es la prueba con la que se ingresa a las universidades acá, entonces estudié puras tonteras en mi vida, que casi no me han servido para nada y creo que por descarte un poco llegué a la música.

Ahora que poca gente compra discos y muchos descargan sin pagar ¿cómo está la situación a nivel de bandas nuevas en Chile?

A nosotros más no nos ha ido, igual como nos movemos en una escena independiente, los tirajes de los discos no son los de antes, aún así ya casi hemos agotados los discos y vinilos y estamos en conversaciones con Cazador, nuestro sello, para lanzar próximamente una segunda edición.

Tres cosas que aman de Chile y quieran que conozcamos.

La tonada, Cristián Sánchez (el director de cine no el animador de TV) y Adolfo Couve.

Tres cosas que les gustaría conocer en Colombia.

La tumba de Andrés Caicedo en Cali, Cartagena y algún sitio donde comprar películas.

Escucha Dënver:
duodenver.cl
soundcloud.com/losdenver

Vuelve Charles King a Bogotá y en Cortesía de la Casa estamos que vacilamos efectivamente con la música de este “palenquero fino”, leyenda viva de la champeta y famoso en estas frías tierras del interior por su éxito “El Chocho”.

“Jueves champetúo” con
Charles King “el palenquero fino”
Richard Blair DJ Set
Jueves 6 de Octubre de 2011
La Puerta Grande
Kra. 12 #93-64
Bogotá
$15000

Este champetúo caballero anda haciendo bailar a su querida Cartagena, ciudad donde ha desarrollado gran parte de su carrera musical, y a todo el Caribe colombiano y venezolano desde los años ‘80 a través de los poderosos bafles de esos monstruos del sonido llamados picós, esos sound-system criollos o emisoras callejeras que son toda una declaración de “quién manda a quién” frente a las grandes cadenas radiales; ellos son los que pegan los éxitos. ¡Aprendamos!

Cachacos champetúos también le tocó ver al señor King después de esa explosión de la champeta de  comienzos de los 2000, que se apagó un poco a nivel radial comercial, pero que sigue ahí firme entre los verdaderos amantes de la música.

Pareciera que Charles King se estuviera preparando para asuntos grandes, ahora trabajando con el productor Richard Blair (Sidestepper) y acompañado por su más reciente banda de soporte “Los Inteligentes”, con quienes se presenta durante estas fechas en Bogotá.

Preparémonos entonces con cinco movidas canciones, entre las que destacamos “El bicarbonato”, un hilarante relato de un hombre que sale a comprar sobres de bicarbonato y de vuelta a su casa lo detiene la policía para una requisa.  Adivinen qué piensan sobre el polvoroso contenido de los sobres.

El chocho: Un clásico.

El bicarbonato:
“Súbase al camión, eso es nieve”, “No es perico mi hermano, si yo no conozco ni la cotorra”.

La tapita:
“No sea cabezadura”, “Yo no sé”. Clásicas frases que Charles King repite en sus canciones como consignas de sabrosura.

Agua de la cucharita:
“Por eso es que está tragao y lo tienen arreglao”.

Ojo por ojo y diente por diente: En vivo.

¿Se encontraba usted perdido(a) en acción y no conoce a estas cuatro angelinas? (porque vienen de Los Ángeles, según entiendo)

No se angustie, pues entendemos que a lo mejor no paró muchas bolas cuando las presentamos como uno de los proyectos más prometedores del festival SXSW 2010, así que hoy  le traemos una muestra de su música para que se vaya animando.

No dude en asistir; Warpaint fue de las bandas que más llamó nuestra atención durante ese evento (entre casi 2000 “conjuntos” musicales) y sería una verdadera lástima no verles durante su visita a Bogotá.

Warpaint en vivo.
Octubre 1, Teatro ECCI, 8PM.
Entradas en TuBoleta.

Una amiga que estudia francés en un reconocido instituto de la capital me dijo que un término afrancesado para tal fenómeno puede ser: Les écrits de la saleté y de paso no sé si de forma retadora o en burla me dijo: ¿Por qué no escribes una cuestión acerca de Le Prince Miiaou que viene la próxima semana? ¡Claro que lo reseño! No tengo ni idea de qué es, nunca lo he escuchado, probablemente no lo voy a escuchar; además estoy seguro de que dicha banda no tendrá ninguna relevancia en el corto, mediano o largo plazo en la historia de la música, por lo tanto cualquier comentario es oportuno.

No estoy en desacuerdo con que se publique y se llenen contenidos enteros de basura. Al contrario: frente a mayor desinformación más mérito y valoración tienen las pequeñas perlas con las que se puede uno topar en el camino. Además resulta divertido y anecdótico el ejercicio de dar juicio público acerca de algo puramente estético, por ejemplo: se escribió en una reconocida revista de la época acerca de Tom Verlaine -vocalista de “Television”- que su voz parecía el gemido de un gato ahorcado y que el Marquee Moon era un disco para olvidar, que no tendría la mínima trascendencia; lo mismo se ha visto escrito acerca de The Mills o Galy Galeano, entre otros.

En el caso de nuestra cuestión harto inútil, Le Prince Miiaou es una banda francesa de la que tengo poca información; se presenta esta semana en Bogotá. De ella sólo puedo citar lo que hay publicado en la red, un reconocido blog dice: “toca la guitarra en la banda de rock de su hermano”, ´por otro lado en el portal de la banda se autodenominan “Indie-arty-barroco-clásico-trip-hop” (rock trifásico). En conclusión, los estudios no se equivocan: écrits de la saleté.

Ahora, con respecto al evento: eso es tirar una moneda al aire. La oferta musical capitalina, aunque cada vez más variada, sigue siendo precaria. Hay dos opciones: o es la banda en el ocaso de carrera o es esta clase de eventos donde cualquier cosa puede pasar. Dos ejemplos: (1) Stereo Total en Down Town: un fiasco, la moneda cayó del lado del libertador. Tocó ponerse a gritar arengas políticas de moda en esa época: “yo vine porque quise, a mí no me pagaron”. Hay que aceptar el error. Las reseñas de la época calificaron ese concierto con un bocato di cardenale. (2) Caribou en teatro Las Vegas Nevada: un éxito rotundo. Si bien conocía la banda de antemano, en esta ocasión la moneda cayó del lado de los peniques, pero quien entra sin expectativas recibe su recompensa. Un evento impecable de una banda que se quedará grabada en la memoria por mucho tiempo.

No sé de qué lado caiga la moneda en esta ocasión. Le soy sincero, no tengo pretensión de bloguero y cuido no compartir mis gustos o criterios musicales de forma profunda, pero en este caso me atrevo a decir que podría caer peniques, aunque la locación es pésima. Verá usted que videos como el que comparto acá deja ver unas programaciones interesantes, unas guitarras sucias y una voz de mercado que, acompañado de mínimas, minimísimas expectativas, puede gustar.

Le prince MIIAOU se presentará el miércoles 21 de septiembre en la plazoleta de la Universidad Jorge Tadeo Lozano desde las 3pm con entrada libre.

Si va al evento, me cuenta si le pareció peniques o libertador.

Cuestión Harto Cuestionable: El estadio el Campín es para jugar futbol, no para hacer conciertos. Y no hay necesidad de construir un sitio para realizar tales eventos. Esta ciudad lo que necesita es un campo de Cricket, que a comparación de estadios o teatros, hace falta y la gente lo reclama a gritos.

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