Cortesía de la Casa

Broken Social Scene
Forgiveness Rock Record
Arts & Crafts, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

No es descabellado decir que Broken Social Scene es la banda más importante que ha salido de Canadá en los últimos diez años, no solo por lo que ha logrado en sí misma, sino por sus vínculos con otras bandas y artistas, como lo demuestra el hecho que Emily Haines (Metric) y Leslie Feist hayan pasado en algún momento por su formación. Es por eso, que muchos estábamos esperando el siguiente trabajo de la banda tras su disco homónimo de 2005. Pues bien, la espera ha terminado con su más reciente trabajo, Forgiveness Rock Record.

Hay que admitir que la espera se hizo un poco más llevadera con los trabajos en solitario de Brendan Canning y Kevin Drew, Something for all of us y Spirit If… respectivamente; aún así, no era lo mismo que un disco de Broken Social Scene en propiedad, sin embargo, la espera ciertamente valió la pena… El álbum lanzado en 2005 marcaba una nueva dirección en el sonido de la banda, en el que la vena ambiental y atmosférica de trabajos como You forgot it in people era abandonada para ir en la búsqueda de un sonido que si bien seguía siendo igual de solido, era una solidez lograda a través de distintos medios, recurriendo a capa tras capa de guitarras en lugar de otra instrumentación, como ocurre en ‘Meet me in the basement’, ‘Water in hell’ o ‘Sentimental Xs’ (canción en la que aparece Emily Haines), al mismo tiempo que ‘Chase Scene’ recuerda al sonido del más reciente trabajo de Yo la tengo, pero visto bajo la óptica del colectivo canadiense. Así mismo, haciéndole honor a su etiqueta de ‘Pop Barroco’, cada una de las 14 canciones que compone el álbum está llena de tantos pequeños detalles que la mejor manera de escucharlo es armado de los mejores audífonos a los que se pueda tener acceso y un par de copas del licor de preferencia a bordo.

Si bien, quienes aún añoran al Broken Social Scene de antes encontrarán en canciones como ‘Ungrateful Little Father’ reminiscencias de ese sonido, el álbum como conjunto profundiza el camino que la banda empezó a recorrer hace desde 2005 y que al parecer, no planea abandonar. Si bien lo hace a través de otros métodos, Forgiveness Rock Record establece a Broken Social Scene como la banda de pop barroco por antonomasia con un sonido lleno de detalles sin ser hostigante y que confirma al colectivo canadiense como uno de los protagonistas más importantes de la escena musical (si no el más importante) del país de Pierre Trudeau y la Real Policía Montada.

Little Dragon
Bogotá,  23 de Abril de 2010

Reseña y fotos por Ana María Fandiño

El pasado 23 de abril, en el teatro Down Town 727 se llevó a cabo el concierto de Little Dragon, una banda sueca de electro-pop que después de una importante gira en Europa, Estados Unidos y México, por primera vez venía a tocar a Colombia.

Eran más o menos las 10:30 de una fría noche, el sitio apenas empezando a llenarse y la temperatura dentro del Down Town 727 empezaba a aumentar. Me ubiqué cerca a la tarima y alisté la cámara para tomar las fotos que acompañan esta reseña, entre tanto el DJ que iba preparando a los asistentes para escuchar las bandas que se venían.

Los Telebolitos se subieron a la tarima. Como es costumbre, una banda colombiana sirvió de telonera y empezaron a calentar motores con su música mientras llegaba la hora de Little Dragon.

Little Dragon empezó a tocar casi entradas las 11:30 de la noche.

Después de haber entrevistado para CDC hace un tiempo a Yukimi Nagano, vocal de la banda, empecé a sentir una gran curiosidad por su sonido en vivo. Tenía algo de dudas; de pronto podría sonar un poco escandaloso o demasiado pop que podría llegar a aburrir; pero no. Little Dragon resultó ser algo más que un típico grupo pop y sin llegar a ser demasiado estruendoso. Yukimi, con su increíble y armoniosa voz, y la banda compuesta también por Erik, Fredrik y Håkan con sus sonidos electrónicos y una buena combinación de instrumentos de percusión, nos entregaron su mejor repertorio,  y lograron atrapar a todos los asistentes que vivieron, sudaron y gritaron con cada canción que iba sonando.

En mi corta experiencia de conciertos, realmente han sido muy pocos los que me han sorprendido con su sonido y energía en vivo, incluso podría decir que prefiero escucharlos en mi computador que pagar por ir a verlos; pero Little Dragon me dejó completamente feliz y satisfecha. Podría arriesgarme a decir que me gusta más su sonido en vivo. La energía que lograron transmitir con cada canción fue algo que en mi vida había logrado sentir en un concierto. Nunca había tenido una combinación tan perfecta: Muy buena música y buen ambiente para unas muy buenas fotos.

Este día quedará marcado como el comienzo de un eterno amor por esta banda sueca y, por supuesto, por darle la oportunidad a las bandas que vienen al país de escucharlas y tal vez sorprenderme en el proceso.

Entrevista a Little Dragon para Cortesía de la Casa

Más fotos de Little Dragon por Ana María Fandiño en nuestro Flickr

No recuerdo que día era, no recuerdo si tenía resaca o si había abandonado la bebida. No recuerdo la época del año en la que estaba. Puede que fuese otoño. Creo recordar que el viento pretendía emblanquecernos la piel. El sol tibio vagueaba y los árboles desnudos tiritaban indefensos. La tarde inminentemente fue noche y nosotros, mis amigos y yo charlamos para calentarnos con las palabras. Íbamos camino de la sala Sirocco. Allí nos esperaba Antonio Luque, el chinarro. Su banda andaba tocando ” El mundo según” y ” El fuego amigo” por toda España y pensé que hacerles una visita a su paso por Madrid sería lo más adecuado. Porque si escucharle en casa despierta la astucia del lince ibérico, verle en directo es hacer parte del club de los tímidos unidos por una música contundente y sustanciosa como el salmorejo.

El poemario de la Andalucía folclórica, el lienzo de la España costumbrista y la lírica mundana y sutil son sólo cosa suya. El aburrimiento de la rutina, el cante flamenco, las batallitas de pareja, son contadas por Antonio como por el más sabio de los abuelos sentado en torno a una hoguerita playera. Nos adoctrina con sus letras y convence a su público con una música que huele a romero y a laurel.

Creo que cuando terminó el concierto pensé: “este pájaro tiene el anecdotario más sagaz que haya escuchado nunca”. Sigo sin recordar el día, la época y mis circunstancias personales esa jornada de concierto, pero cada día que lo escucho pienso que es el mejor cantautor español que conozco.

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65DaysOfStatic
We Were Exploding Anyway
Hassle, 2010

Cuando uno se dedica a escuchar música y escribir sobre lo que ha oído, siempre corre el riesgo de saturarse, de oír bandas que no son más que imitaciones de conceptos ya explorados anteriormente y que no ofrecen más, y es por eso que  encontrarse con verdaderas joyas es una experiencia tan reconfortante, y debo decir que eso me pasó con el más reciente disco de 65DaysOfStatic, We Were Exploding Anyway.

Al escuchar ‘Mountainhead’, primer corte del disco, pensé que me encontraría ante un álbum muy parecido a su anterior trabajo, The Destruction of Small Ideals, lo cual, si bien no era algo malo, tampoco sería algo particularmente notable. Sin embargo, a medida que avanzó, una nueva bestia fue apareciendo, con solo unas ligeras trazas del sonido que tenía la banda anteriormente. Los componentes de loops, secuencias y samples que aparecían de manera tímida en anteriores trabajos de la banda ahora toman la parte central del escenario, lo que trae como resultado un disco de sonido más rítmico y menos atmosférico, una cualidad que se nota en la que es, sin lugar a dudas la canción más interesante del disco, ‘Dance dance dance’, una andanada de percusión y secuencias que durante 4 minutos obliga a quien la oye a moverse al ritmo que le dice el tema, situación que también ocurre con ‘Come to me’ y ‘Crash Tactics’. ‘Come to me’, tema que tiene la participación de Robert Smith, ‘Go Complex’ y ‘Debutante’ por su parte, son las excepciones a esa regla, con una masa crítica que empieza a construirse lentamente y que estalla de una manera que deja a quien escucha el disco completamente fuera de balance y pidiendo más. El hecho que es un disco con una fuerte vena rítmica e incluso bailable (no puedo esperar a oír remezclas de varios de los temas del disco) no quiere decir que sea un disco superficial, al igual que en anteriores trabajos de la banda, las melodías que aparecen en este álbum logran conectarse de alguna manera con quien oye el disco, de tal manera que invitan a escucharlo varias veces sin sentirse agobiado o cansado del mismo.

Si bien se aleja del anterior trabajo de la banda inglesa, y es ciertamente muy distinto del sonido de una banda como Mogwai, We Were Exploding Anyway es fiel a la fórmula del post-rock en términos de la deconstrucción y replanteamiento de elementos con los que estábamos familiarizados, convirtiéndose en el mejor trabajo hasta el momento de 65DaysOfStatic y muy probablemente, en uno de los mejores discos del año.

El pasado 22 de abril se llevó a cabo el lanzamiento del nuevo sencillo y video de Aterciopelados, Tréboles, extraído de su disco Río. La canción impulsa, tanto en su letra como video, una causa que me parece completamente válida: la importancia nutritiva y religiosa que para nuestros indígenas tiene la mata de coca. “Ninguna mata mata”, es el slogan que utilizan para referirse a su desacuerdo con la campaña publicitaria “No consumas la mata que mata”.

Luego de algunas danzas rituales, tomaron la palabra dos mujeres indígenas colombianas y un vocero de los mayas, para aclarar que en ningún momento se busca hacer una apología al consumo de droga sino, por el contrario, concienciar del mal uso que se le ha dado a esta planta que, para ellos, es sagrada y curativa; además del aporte nutricional que representa para estas comunidades.

El evento concluyó con un desconectado de Aterciopelados, muy volcado hacia la música andina, en el cual interpretaron canciones de Río, con algunos invitados musicales como Mariposa Solar, que apoyan también esta causa indígena.

El éxito real de esta banda, luego de 20 años de trayectoria, se ve reflejado en un público fiel, el cual se sabe sus canciones y apoya sus iniciativas, lejos del ruido mediático que generan otras bandas que aparentemente son más sólidas y que, se podría creer, que están más vigentes.

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Kate Nash
My Best Friend Is You
Fiction, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

En el 2006, Lily Allen inauguró el nicho de pop de chicas británicas con falso acento cockney y actitud de mala, nicho que empezó  a ser colonizado unos años después por gente como Katie White (de The Ting Tings) y Kate Nash, que lanza su segundo álbum de estudio, “My Best Friend Is You”.

Para ser honesto, temía bastante que la encantadora señorita Nash fuera víctima del conocidísimo “síndrome del segundo álbum” en esta ocasión. Si bien ‘I Just Love You More’ era una canción bastante interesante, sembraba bastantes dudas sobre si Kate Nash adoptaría el camino fácil y, “se las daría de ruda” con este disco nuevo y si hay algo de cierto en que hay canciones con una actitud más oscura como es el caso de ‘Mansion Song’, no es un cambio muy abrupto con respecto al sonido de su primer trabajo, “Made of Bricks”. De hecho, temas como ‘Take Me to a Higher Plane’, ‘Early Christmas Present’, ‘Paris’ y ‘Pickpocket’ son ejemplos de cómo eso que estaba presente en las canciones del primer disco permanece en este: Esa combinación entre un sonido inocente y hasta cierto punto infantil, con letras agudas y contundentes, las que solo se pueden escribir después de un corazón roto o una decepción del tamaño de Groenlandia y que le da a la música de Nash un balance entre inocencia y oscuridad que por alguna misteriosa razón, siempre asocio con los libros de Roald Dahl.

Musicalmente hablando, es un álbum que se siente con más sustancia y cuerpo, que elabora sobre lo obtenido en el primer disco, como lo muestran (de nuevo) ‘Paris’ o ‘Later On’, pero que incorpora influencias nuevas sin que se sientan forzadas, como el sonido de Girl Group sesentero de una canción como ‘Kiss That Grrl’, las influencias de Los Campesinos! en ‘Take Me to a Higher Plane’, o el sonido más inclinado hacia el rock de ‘I Just Love You More’ o ‘Doo Wah Doo’.

Si bien es un disco más agresivo que su primer trabajo y en el que no hay una sucesora clara a un tema como ‘Nicest Thing’, “My Best Friend Is You” es un sucesor digno de “Made of Bricks”, que demuestra que Kate Nash dista mucho de ser flor de un día y que le da una voz y un sonido muy propios, desechando las teorías de ella como un clón de Lily Allen.

Creo que a veces debo parecer intenso en mi esfuerzo por hacer conocer apartes culturales de influencia anglosajona. Me disculpo. No es que odie el idioma con el que usualmente me comunico sino es quizás mi intención de equilibrar la balanza, porque en medio de todo este “bombardeo cultural americano”, quedan cosas por fuera. Cosas que sí tienen carácter cultural y aún permanecen alejadas del consumismo estadounidense.

Esta semana recibimos la visita de una banda de bluegrass estadounidense llamada The Student Loan, como parte del programa The Rhythm Road del Departamento de Estado de los Estados Unidos. Bajo el programa se realizan 10 viajes de bandas que representan la música estadounidense en el mundo.

Este año le correspondió a suramérica el bluegrass, por fortuna. El público bogotano podrá disfrutar de tres presentaciones en Bogotá (queda una, mañana lunes 26 a las 11AM en el Teatro Colsubsidio).

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A la hora de escuchar música, pocas sensaciones se comparan a la de quedar completamente sorprendido ante una banda o artista del que se tenían pocas expectativas. En mi caso, si bien pensé que podría llegar a gustarme Eluvium (el proyecto de Matthew Robert Cooper) la primera vez que lo oí, también pensé que podría llegar a ser algo muy derivativo de otros proyectos como Jesu o Explosions in the Sky. Evidentemente resulté estar equivocado, y es así que me encuentro hablando de su más reciente álbum de estudio, Similes.

Tomando en cuenta que Miniatures, lanzado el 2008 es un disco que el mismo Cooper considera como un proyecto independiente de Eluvium, el referente más inmediato del sonido de Eluvium es su hermosísimo álbum de 2007 Copia con un sonido que, si bien podría ser considerado como post-rock, también tenía muchos elementos de naturaleza más ambiental, potenciados, sin duda alguna, por la naturaleza instrumental del álbum. En Similes, la inclusión de letra y voz a las canciones del disco le da una nueva dimensión. En un sentido, la aparición de contenido lírico en Similes hace que la música de Eluvium pierda algo de ese carácter de proyección tan propio del post-rock, especialmente en canciones como The Motion Makes Me Last, en la que las voces con un fuerte componente de reverberación le dan un aire muy particular al tema que recuerda en ocasiones a Red House Painters, algo que también ocurre en Making Up Minds. Por otro lado, es evidente que, si bien Miniatures no puede ser considerado como un disco de Eluvium, el sonido de ese proyecto se ha trasladado a Eluvium, con una mayor presencia de arreglos de piano y teclados en las canciones.

Con Similes, Eluvium da el paso definitivo a un sonido más ambiental y menos post-rock. Si bien se apoya bastante en la creación de texturas y no de melodías, son texturas muy etéreas que apuntan a crear un estado de ánimo determinado. En ese sentido, quienes esperan algo por el estilo de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky o 65daysofstatic, quizá debieran buscar en otro lado pues Eluvium ha cortado sus vínculos con ese género.

Silbin Sandovar
María del Escorpión

Silbin Sandovar encarna al artista que nunca se espera encontrar, ese que lo encuentra a uno. Este residente de Nueva York, canadiense, hijo de colombianos, aprendiz de bailarín de salsa y artista country, nos presenta su trabajo María Del Escorpión, una encantadora pieza que mezcla estilos tan diversos como simples, en una amalgama que se deja escuchar sin dificultad e incluso puede llegar a ser introductoria e interesar al oyente en explorar y buscar más artistas similares.

Jazz, rock, pop, blues, folk, pero sobre todo country, aparecen en esta grabación, adornada además, por letras muy divertidas, interpretadas con nostalgia y cadencia al estilo de leyendas como Tom Petty o Johnny Cash,

Al escuchar canciones como I´m Late (la favorita del artista), Multiplain, Daisy Daisy Daisy y Happy Birthday from Jail, el oyente se transporta al Estados Unidos rural, ese del cual nunca se tienen noticias y donde supuestamente reina el tedio y nada sucede, gracias a María del Escorpión, muchas cosas suceden.

Silbin Sandovar “Daisy, Daisy, Daisy”

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Silbin Sandovar en vivo

La historia del punk (’Pretty Vacant’)
Phil Strongman
Ediciones RobinBook. Barcelona, 2008

Por: Julián F. Gutiérrez

La mejor versión de una historia es la que cuentan quienes hicieron parte de ella, por eso es que los seis volúmenes escritos por Winston Churchill sobre la segunda guerra mundial son una lectura muy recomendada sobre el tema (¿sabían que Churchill fue Nobel de literatura?), y lo mismo podría decirse sobre lo escrito por Charles de Gaulle. En el caso del punk, lo mismo sucede con el libro de Phil Strongman, “La historia del punk” (Título original: Pretty Vacant).

Strongman, que participó en la película “The Great Rock & Roll Swindle” y vio la presentación de los Sex Pistols en el Club 100 de 1976, parte de un punto de vital importancia a la hora de escribir esta historia, y es entender al punk no como un género musical o una moda, sino como una revolución cultural de un alcance que se siente aún hoy, cuando varios de sus protagonistas más importantes ya han muerto. Strongman arranca presentándonos una imagen bastante sombría de la Inglaterra de los años setenta en la que la movilidad de clases todavía es un concepto que no se ha digerido completamente, con un jubileo de la Reina Isabel que se celebraba en medio de graves conflictos sociales y laborales en los que el rock, la única alternativa de expresar disensión, se había acomodado y ya era parte del sistema contra el que se había intentado rebelar hace unos años. Al mismo tiempo, el autor derriba algunas de las leyendas urbanas del punk como el hecho que Sid Vicious no sabía tocar bajo… No era el bajista más virtuoso del mundo, pero por lo menos tenía una idea básica de cómo usarlo, al mismo tiempo que da una imagen más facetada de Malcolm McLaren que va más allá de un pelirrojo manipulador y maestro del shock value. Era todo eso, pero también tenía un trasfondo más político relacionado con lo que hacía.

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