Cortesía de la Casa

65DaysOfStatic
We Were Exploding Anyway
Hassle, 2010

Cuando uno se dedica a escuchar música y escribir sobre lo que ha oído, siempre corre el riesgo de saturarse, de oír bandas que no son más que imitaciones de conceptos ya explorados anteriormente y que no ofrecen más, y es por eso que  encontrarse con verdaderas joyas es una experiencia tan reconfortante, y debo decir que eso me pasó con el más reciente disco de 65DaysOfStatic, We Were Exploding Anyway.

Al escuchar ‘Mountainhead’, primer corte del disco, pensé que me encontraría ante un álbum muy parecido a su anterior trabajo, The Destruction of Small Ideals, lo cual, si bien no era algo malo, tampoco sería algo particularmente notable. Sin embargo, a medida que avanzó, una nueva bestia fue apareciendo, con solo unas ligeras trazas del sonido que tenía la banda anteriormente. Los componentes de loops, secuencias y samples que aparecían de manera tímida en anteriores trabajos de la banda ahora toman la parte central del escenario, lo que trae como resultado un disco de sonido más rítmico y menos atmosférico, una cualidad que se nota en la que es, sin lugar a dudas la canción más interesante del disco, ‘Dance dance dance’, una andanada de percusión y secuencias que durante 4 minutos obliga a quien la oye a moverse al ritmo que le dice el tema, situación que también ocurre con ‘Come to me’ y ‘Crash Tactics’. ‘Come to me’, tema que tiene la participación de Robert Smith, ‘Go Complex’ y ‘Debutante’ por su parte, son las excepciones a esa regla, con una masa crítica que empieza a construirse lentamente y que estalla de una manera que deja a quien escucha el disco completamente fuera de balance y pidiendo más. El hecho que es un disco con una fuerte vena rítmica e incluso bailable (no puedo esperar a oír remezclas de varios de los temas del disco) no quiere decir que sea un disco superficial, al igual que en anteriores trabajos de la banda, las melodías que aparecen en este álbum logran conectarse de alguna manera con quien oye el disco, de tal manera que invitan a escucharlo varias veces sin sentirse agobiado o cansado del mismo.

Si bien se aleja del anterior trabajo de la banda inglesa, y es ciertamente muy distinto del sonido de una banda como Mogwai, We Were Exploding Anyway es fiel a la fórmula del post-rock en términos de la deconstrucción y replanteamiento de elementos con los que estábamos familiarizados, convirtiéndose en el mejor trabajo hasta el momento de 65DaysOfStatic y muy probablemente, en uno de los mejores discos del año.

Kate Nash
My Best Friend Is You
Fiction, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

En el 2006, Lily Allen inauguró el nicho de pop de chicas británicas con falso acento cockney y actitud de mala, nicho que empezó  a ser colonizado unos años después por gente como Katie White (de The Ting Tings) y Kate Nash, que lanza su segundo álbum de estudio, “My Best Friend Is You”.

Para ser honesto, temía bastante que la encantadora señorita Nash fuera víctima del conocidísimo “síndrome del segundo álbum” en esta ocasión. Si bien ‘I Just Love You More’ era una canción bastante interesante, sembraba bastantes dudas sobre si Kate Nash adoptaría el camino fácil y, “se las daría de ruda” con este disco nuevo y si hay algo de cierto en que hay canciones con una actitud más oscura como es el caso de ‘Mansion Song’, no es un cambio muy abrupto con respecto al sonido de su primer trabajo, “Made of Bricks”. De hecho, temas como ‘Take Me to a Higher Plane’, ‘Early Christmas Present’, ‘Paris’ y ‘Pickpocket’ son ejemplos de cómo eso que estaba presente en las canciones del primer disco permanece en este: Esa combinación entre un sonido inocente y hasta cierto punto infantil, con letras agudas y contundentes, las que solo se pueden escribir después de un corazón roto o una decepción del tamaño de Groenlandia y que le da a la música de Nash un balance entre inocencia y oscuridad que por alguna misteriosa razón, siempre asocio con los libros de Roald Dahl.

Musicalmente hablando, es un álbum que se siente con más sustancia y cuerpo, que elabora sobre lo obtenido en el primer disco, como lo muestran (de nuevo) ‘Paris’ o ‘Later On’, pero que incorpora influencias nuevas sin que se sientan forzadas, como el sonido de Girl Group sesentero de una canción como ‘Kiss That Grrl’, las influencias de Los Campesinos! en ‘Take Me to a Higher Plane’, o el sonido más inclinado hacia el rock de ‘I Just Love You More’ o ‘Doo Wah Doo’.

Si bien es un disco más agresivo que su primer trabajo y en el que no hay una sucesora clara a un tema como ‘Nicest Thing’, “My Best Friend Is You” es un sucesor digno de “Made of Bricks”, que demuestra que Kate Nash dista mucho de ser flor de un día y que le da una voz y un sonido muy propios, desechando las teorías de ella como un clón de Lily Allen.

A la hora de escuchar música, pocas sensaciones se comparan a la de quedar completamente sorprendido ante una banda o artista del que se tenían pocas expectativas. En mi caso, si bien pensé que podría llegar a gustarme Eluvium (el proyecto de Matthew Robert Cooper) la primera vez que lo oí, también pensé que podría llegar a ser algo muy derivativo de otros proyectos como Jesu o Explosions in the Sky. Evidentemente resulté estar equivocado, y es así que me encuentro hablando de su más reciente álbum de estudio, Similes.

Tomando en cuenta que Miniatures, lanzado el 2008 es un disco que el mismo Cooper considera como un proyecto independiente de Eluvium, el referente más inmediato del sonido de Eluvium es su hermosísimo álbum de 2007 Copia con un sonido que, si bien podría ser considerado como post-rock, también tenía muchos elementos de naturaleza más ambiental, potenciados, sin duda alguna, por la naturaleza instrumental del álbum. En Similes, la inclusión de letra y voz a las canciones del disco le da una nueva dimensión. En un sentido, la aparición de contenido lírico en Similes hace que la música de Eluvium pierda algo de ese carácter de proyección tan propio del post-rock, especialmente en canciones como The Motion Makes Me Last, en la que las voces con un fuerte componente de reverberación le dan un aire muy particular al tema que recuerda en ocasiones a Red House Painters, algo que también ocurre en Making Up Minds. Por otro lado, es evidente que, si bien Miniatures no puede ser considerado como un disco de Eluvium, el sonido de ese proyecto se ha trasladado a Eluvium, con una mayor presencia de arreglos de piano y teclados en las canciones.

Con Similes, Eluvium da el paso definitivo a un sonido más ambiental y menos post-rock. Si bien se apoya bastante en la creación de texturas y no de melodías, son texturas muy etéreas que apuntan a crear un estado de ánimo determinado. En ese sentido, quienes esperan algo por el estilo de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky o 65daysofstatic, quizá debieran buscar en otro lado pues Eluvium ha cortado sus vínculos con ese género.

La historia del punk (‘Pretty Vacant’)
Phil Strongman
Ediciones RobinBook. Barcelona, 2008

Por: Julián F. Gutiérrez

La mejor versión de una historia es la que cuentan quienes hicieron parte de ella, por eso es que los seis volúmenes escritos por Winston Churchill sobre la segunda guerra mundial son una lectura muy recomendada sobre el tema (¿sabían que Churchill fue Nobel de literatura?), y lo mismo podría decirse sobre lo escrito por Charles de Gaulle. En el caso del punk, lo mismo sucede con el libro de Phil Strongman, “La historia del punk” (Título original: Pretty Vacant).

Strongman, que participó en la película “The Great Rock & Roll Swindle” y vio la presentación de los Sex Pistols en el Club 100 de 1976, parte de un punto de vital importancia a la hora de escribir esta historia, y es entender al punk no como un género musical o una moda, sino como una revolución cultural de un alcance que se siente aún hoy, cuando varios de sus protagonistas más importantes ya han muerto. Strongman arranca presentándonos una imagen bastante sombría de la Inglaterra de los años setenta en la que la movilidad de clases todavía es un concepto que no se ha digerido completamente, con un jubileo de la Reina Isabel que se celebraba en medio de graves conflictos sociales y laborales en los que el rock, la única alternativa de expresar disensión, se había acomodado y ya era parte del sistema contra el que se había intentado rebelar hace unos años. Al mismo tiempo, el autor derriba algunas de las leyendas urbanas del punk como el hecho que Sid Vicious no sabía tocar bajo… No era el bajista más virtuoso del mundo, pero por lo menos tenía una idea básica de cómo usarlo, al mismo tiempo que da una imagen más facetada de Malcolm McLaren que va más allá de un pelirrojo manipulador y maestro del shock value. Era todo eso, pero también tenía un trasfondo más político relacionado con lo que hacía.

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GoldFrapp
Head First
Mute, 2010

Por: Julián F.  Gutiérrez

Si seguimos la lógica de la década pasada que se encontró influida en muchos niveles por los años ochenta, podríamos llegar a pensar que esta década va a estar poblada de un revival noventero, con camisas de leñador en lugar de gorras de camionero y gente pagando un ojo de la cara por un Super Nintendo en buenas condiciones. Aún así, hay quienes se aferran a las nostalgias de los años ochenta (sin que eso sea malo), como lo demuestran Allison Goldfrapp y Will Gregory con su quinto álbum de estudio, Head First.

El asunto de las influencias en un artista siempre es un camino para recorrer con cuidado, a riesgo de quedar con joyas como Shakira diciendo que tiene influencias de The Cure (lo dijo en ocasión de su disco Servicio de Lavandería). Muchas veces, la discusión sobre las influencias de un artista, sobre todo cuando viene por parte de la prensa especializada, termina siendo un ejercicio de periodismo perezoso en el que simplemente dicen a quién se parece tal o cual banda, siendo el caso más claro quienes comparan automáticamente a PJ Harvey con Patti Smith o a Duffy con Dusty Springfield.

Sin embargo, en el caso de Goldfrapp, la comparación está puesta en bandeja de plata y es inevitable hacerla. Los 38 minutos que dura Head First rezuman sonido ochentero por cada uno de sus poros con canciones llenas de beats y sintetizadores que parecen haber sido creados en 1984 y que son un giro de 180 grados con respecto a la fantasía hippie que fue su anterior álbum, Seventh Tree; es muy difícil luchar contra la tentación de pararse a hacer aerobics al oír un tema como ‘Shiny’, que le hace honor a su nombre (brillante), algo que también ocurre con temas como el muy adolescente (y hasta Lauper-esco) ‘I Wanna Life’ o el sencillo de lanzamiento, ‘Rocket’. ‘Voicething’ es un cambio total con respecto al espíritu del álbum pero que aun así, es un cierre con broche de oro.

Si bien Seventh Tree no es un mal disco, desentona totalmente con lo que es el sonido de Goldfrapp. Head First es el regreso a la música que Goldfrapp y Gregory saben hacer mejor y en el que admiten abiertamente de donde vienen sus influencias.  Es un disco que huele a fijador y amoniaco para hacer permanentes y que está hecho para ser escuchado con calentadoras o una chaqueta Members Only, y que demuestra que quizá sea buena idea seguir in tiempo más con el revival ochentero.

Ted Leo & The Pharmacists
The Brutalist Bricks
Matador Records, 2010

Creo que ya lo había mencionado por acá, pero le agradezco mucho a 120 minutos (Programa de medianoche en la época en la que MTV si pasaba música y no programas de adolescentes embarazadas) por haberme dado algunos de los mejores hallazgos musicales que he logrado, con bandas como Sleater-Kinney, mis canadienses favoritos Alexisonfire y Ted Leo & The Pharmacists, quienes lanzan su sexto álbum de estudio, The Brutalist Bricks.

Si bien el punk como género obtuvo su acta de defunción hace muchos años, la actitud asociada al mismo está más viva que nunca, y prueba de ello es la música que Ted Leo ha estado haciendo desde 2001 con su banda, prueba de ello es su disco anterior, Living With the Living, el cual, si bien experimentaba con sonidos que iban desde el dub hasta el folk celta, tenía en cada una de sus canciones ese no-se-qué propio de la música de la banda de Washington D.C. The Brutalist Bricks, representa un giro de 180 grados en esa exploración.

Pareciera que la salida del bajista Dave Lerner y el ingreso de Marty Key (Quién también se hace cargo de los teclados), le han dado un nuevo aire a la banda, que decidió dejar la experimentación para enfocarse en el sonido más contundente y directo del que daban a entender que podían ser capaces en anteriores trabajos, como lo demuestra “Woke Up Near Chelsea”, uno de los cortes más interesantes del álbum precisamente por eso, su fuerza y contundencia, lleno de guitarras distorsionadas y la voz más desgarrada que Leo ha tenido en su carrera, cosas que también son visibles en los dos primeros cortes del disco, “The Mighty Sparrow” y “Mourning in America”, y que contrastan con “A Polaroid a Day”, canción en la que Ted Leo parece canalizar la versión punk de Barry White.

Si bien el tema antes mencionado y “Tuberculoids Arrive in Hop” desentonan con el aire general del disco y pueden resultar un tanto chocantes, “The Brutalist Bricks” se convierte en un álbum nivelado por lo rápido y pesado, que demuestra que Ted Leo no tiene miedo de ‘meterle la chancleta’ a lo que hacer más pesada su música refiere, siendo un hallazgo merecedor y prometedor.

Black Rebel Motorcycle Club
Beat The Devil’s Tattoo
Abstract Dragon, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La (cierta pero un poco lamentable) verdad según la cual juzgamos los libros por su portada, también aplica para los discos. Que arroje la primera piedra el primero de nosotros que no ha comprado un disco porque le gustó la portada y luego resultó ser un bodrio. Aunque claro, hay otros que sí cumplen lo que prometen, como es el caso del sexto álbum de Black Rebel Motorcycle Club, Beat the Devil’s Tattoo.

En lo que se refiere a reseñas, he descubierto que en muchas ocasiones, ‘si Pitchfork dice que es malo, en realidad es bueno’, y si bien The secrets of 333 tampoco es tan abismalmente malo como dicen, ciertamente no es el mejor disco de la banda, por lo que había una buena cantidad de expectativa sobre lo que pudiera hacer la banda, especialmente con Leah Shapiro ya como baterista en propiedad. El sonido del álbum solo puede ser calificado como denso, sin que ello signifique que sea difícil de digerir. Tomando las lecciones del Baby 81 y del Howl, Black Rebel Motorcycle Club ha logrado crear 13 canciones que tienen un “feeling” muy propio y que están marcadas por un impresionante muro de sonido, como ocurre en ‘Mama Taught me Better’, ‘Bad Blood’ o ‘Conscience Killer’, siendo estos dos últimos temas testimonio de la capacidad de la banda para cambiar de velocidades con una velocidad y facilidad sorprendentes, mientras que ‘War Machine’ es una canción que logra sintetizar el espíritu de su anterior trabajo Howl de una manera sorprendente.

Beat the Devil’s Tattoo es un disco que aleja a la banda definitivamente de los artificios punk de su sonido y conecta más a su música con las influencias de la generación beat presentes en sus letras. Es un disco que huele a cuero negro, motocicletas y whiskey en un bar, que muestra el regreso de la banda a un ritmo de competencia, y la acerca más a la forma definitiva de su sonido.

Descargue la canción Black Rebel Motorcycle Club “Beat the Devil’s Tattoo”

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Rob Zombie
HellBilly Deluxe 2: Noble Jackals, Penny Dreadfuls And The Systematic Dehumanization Of Cool
RoadRunner records, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Siempre he comparado a Rob Zombie con ese tío que muchos tienen que nunca sentó cabeza, y que aún a los cuarenta y tantos años, sus hermanos siguen convenciéndolo para que siente cabeza, en especial la hermana mayor (Que por esas cosas de la vida, es la mamá de uno). Sea como fuere, ‘El tío Rob vuelve al ruedo con su cuarto álbum de estudio, Hellbilly Deluxe 2: Noble jackals, penny dreadfuls and the systematic dehumanization of cool (Hellbilly Deluxe 2 para los amigos).

Aún viniendo de Rob Zombie, la noción de un álbum continuación siempre me causa bastante aprehensión. Principalmente, porque siempre he sentido que cuando eso pasa, es porque a la banda o artista le dio pereza hacer un álbum doble y tratan de enmascararlo con una pretensión de conceptualidad. Por otro lado, la idea de la continuación de un álbum que salió hace casi 12 años también puede despertar algunas alarmas. Si bien el Hellbilly Deluxe es un disco que ha envejecido con dignidad, se nota que es un hijo de su época, de cuando una conexión de 56K era lo mejor y Matrix la mejor película en la historia de la raza humana; bajo esa lógica, la sola idea de un álbum que reviviera eso no era un prospecto muy halagador.

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Errors
Come Down With Me
Rock Action, 2010

Quienes han leído mis reseñas por acá con cierta regularidad, probablemente han notado cierta parcialidad de parte mía hacia el Post-Rock, y específicamente hacia Mogwai (Por lo que no me voy a disculpar si tomamos en cuenta que son geniales); en ese orden de ideas, siempre estoy dispuesto a echarle una mirada a cualquier cosa relacionada con ellos, como es el caso de Come Down With Me, el segundo disco de Errors, banda que hace parte de Rock Action, el sello operado por Mogwai.

Tomando como punto de referencia el remix que la banda de Simon Ward, Stephen Livingstone, Greg Paterson y James Hilton hizo de ‘Auto Rock’ (Tema que arranca el Mr Beast de Mogwai), esperaba un disco altamente bailable, y habiendo transcurrido dos canciones del disco, debo decir que mis suposiciones fueron corroboradas; al oír cualquiera de las diez canciones del disco, es inevitable decir ‘Este es el tipo de música que podría bailar’, al mismo tiempo que tienen el material del que están hechos los remixes. Temas como ‘Jolomo’, ‘The Erskine Bridge’ o ‘A Rumor in Africa’ son canciones que pueden ser fragmentadas fácilmente, en las que sus elementos rítmicos y sus arreglos son unidades fácilmente diferenciables y manipulables, y que contrastan con una canción como ‘The Black Tent’, la cual, por su naturaleza más lenta, e incluso mas minimalista, presenta un adecuado contraste a los temas más movidos del disco.

El sonido de Errors en este disco podría ser definido como una mezcla entre sus mecenas Mogwai y Passion Pit; son temas bailables y hasta cierto punto pegajosos pero que a la vez tienen un sentido de gravedad y peso que hace que quienes los escuchen no se sientan insultados en su inteligencia. El hecho mismo que pueda ser definido como la combinación de otras dos bandas lleva a pensar que el sonido de Errors pueda no resultar particularmente novedoso, y hasta cierto punto, es una apreciación válida. Aún así, es un disco muy bien hecho, y que logra lo que se propone en sus propios términos.

Los Campesinos! "Romance is Boring"

Los Campesinos!
Romance is Boring
Arts & Crafts, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Sé que suena terriblemente pretencioso decir esto pero, oír el álbum de una banda después de verlos en vivo es una experiencia sumamente agradable. Poder decir “Ah sí, yo fui al concierto de ellos” es un placer del que todos somos culpables. Yo me considero afortunado al poder decir que me ha pasado en tres ocasiones: con Muse, Placebo y ahora, con Los Campesinos!, quienes sacan al ruedo su más reciente álbum, Romance is Boring.

Lo que siempre me ha atraído del septeto galés es que cada una de las canciones tiene un aire que se puede asociar a la catarsis emocional que solo es posible cuando uno, después de correr y correr, se para en medio de un espacio vacío y grita a todo pulmón hasta que el aliento esté por acabarse, un efecto que es posible en buena parte gracias a la voz de Gareth Campesinos!, quien mantiene esa cualidad que en términos técnicos sería desafinada, pero que emocionalmente apela a algo tan emotivo y tan primitivo que el efecto en quien lo escucha solo puede definirse en términos de “atrapar”. Ese “algo” se hace notorio en temas como ‘This is a Flag, There is No Wind’, el homónimo ‘Romance is Boring’ o ‘Plan A’, tema en el que se siente un aire a Xiu Xiu por algunos momentos, lo cual se puede explicar con la participación de Jamie Stewart en el disco.

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