Cortesía de la Casa

Yo La Tengo
Popular Songs
Matador, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

Siempre será difícil hablar de bandas como Yo La Tengo, bandas con una carrera de 25 años y que de una u otra manera, han construido un género por sí mismas. Hasta cierto punto, adquieren un carácter de estar ‘más allá del bien y del mal’, por lo que escribir una reseña que dé cuenta de los puntos fuertes y débiles de su obra resulta algo complicado. Aún así, no soy el tipo de persona que le hace el feo a un reto y es así como esta semana hablo del nuevo disco de la banda de Hoboken: Popular Songs.

Llama mucho la atención el cambio de velocidades tan fuerte que toma lugar al comienzo del álbum; ‘Here To Fall’ es un tema con un fuerte elemento de dreampop y shoegaze, lleno de arreglos de reverb tanto en la instrumentación como en la voz de Ira Kaplan que le dan a la canción un fortísimo y sólido muro de sonido que se prolonga a lo largo de los casi seis minutos que dura la canción. A pesar de ese comienzo de álbum, la situación empieza a cambiar desde el segundo corte, ‘Avalon or someone similar’, que si bien conserva un muro de sonido de fondo y voces etéreas, es un tema ciertamente mas pop y accesible que su antecesor.

Si bien ‘By Two´s’ vuelve a elementos atmosféricos y shoegaze, después de este tema es cuando  Popular songs le hace honor a su nombre; todas y cada una de las canciones subsiguientes inevitablemente traen a la memoria algún genero o canción más conocida: Mientras que If it’s true, con sus arreglos de órgano y violín y limpias voces desprovistas de efectos recuerda al pop de los años setenta, una canción como ‘Nothing to hide’ con sus guitarras de sonido sucio y distorsionado y sus arreglos efectivos de palmas y órgano recuerda a los años noventa y hasta cierto punto, recuerda a bandas como The Wrens. Después de un paseo por el inconsciente colectivo de la música en los últimos años, la banda vuelve a terreno familiar a la hora de hacer el cierre del álbum: ‘More stars than there are in heaven’, ‘The Fireside’ y ‘And the glitter is gone’ son hasta cierto punto, variaciones de un mismo tema, en los que la banda juega con la pregunta de cómo lograr el mismo efecto a través de distintos medios, con guitarras distorsionadas y voces limpias, voces llenas de reverb y guitarras sencillas o experimentos de 15 minutos como ‘And the glitter…’

Si bien pueden tener algo de razón quienes ven en este álbum un ejercicio descarado de “Genre-Sampling”, la verdad es que en manos de una banda de menor calibre o pedigrí tal labor habría salido de peor manera. Yo La Tengo logra crear con Popular Songs un álbum que oscila entre lo accesible y lo complicado, y demuestra, que de una manera u otra, ellos la tienen.

Danko Jones
Never Too Loud
Bad Taste Records, 2008

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La primera vez que oí hablar de la banda compuesta por Danko Jones, John Calabrese y Dan Cornelius fue a través de esas cuatro encantadoras señoritas suecas, Sahara Hotnights y mi búsqueda de la canción con la que ellas contribuyeron al álbum tributo a los Ramones, The Song Ramones The Same. Por esas coincidencias de la vida, Danko Jones también contribuyó a ese álbum (con una versión de ‘The Return of Jackie & Judy’), y como dicen por ahí, el resto es historia. Ahora, me encuentro con el sexto álbum en estudio del trío, Never Too Loud.

El adjetivo más adecuado con el que se podría describir el sonido de un álbum como éste es ‘sórdido’. Las 13 canciones que componen este álbum inevitablemente evocan imágenes de bares de rock pobremente iluminados, en los que el olor de la cerveza y nubes de humo de cigarrillo inundan el ambiente, y mujeres en pantalones de cuero negro, camisetas del mismo color y con pesados collares de Ankhs bailan al ritmo de la música de estos tres canadienses; haciéndole honor al título del álbum (“Nunca muy duro”), Danko Jones pisa el acelerador a fondo a lo largo de todo un álbum en el que las únicas excepciones notables a esta regla son ‘Still in high school’ y ‘Take me home’, temas de un corte más melódico, pero que aún así tienen lo que solo puedo definir como “agallas” o “huevos”.

Líricamente hablando, el álbum se mantiene en lo que siempre ha sido la banda; fieles a su sonido hard rock con una influencia evidente de bandas como Motörhead, le dejan las profundas discusiones sobre la naturaleza humana a otros, Danko Jones es una banda que canta sobre la venganza a la mujer traicionera que rompe el corazón, simplemente dice “Quitémonos la ropa”, o habla sobre la vida de una banda en la carretera.

Hablando en plata blanca, Never Too Loud es un álbum que para el sonido de Danko Jones, podría clasificarse como ‘Más de lo mismo’. Sin embargo, es una banda que no aspira a más, simplemente a hacer la música que saben hacer, y hacerla lo más duro posible, con el volumen subido hasta once.

Y en esta ocasión, lo logran.

Mew
No more stories are told today. I’m sorry, they washed away. No more stories, the world is grey. I’m tired, let’s wash away
Sony BMG, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

Hora de revelar un pequeño secreto del oficio: Salvo algunas excepciones (Como Alexisonfire o The Sounds), suelo elegir como álbumes para reseña, trabajos de bandas que o bien no conozco mucho, o bien no son de mi agrado, con lo que balanceo un poco mi disposición y mi objetividad a la hora de escuchar el disco en cuestión. Es así como en esta ocasión me decidí por la banda danesa Mew, a quienes había oído hacia 2003 con su álbum Frengers, y con quienes me encuentro de nuevo con su nuevo álbum No more stories are told today. I’m sorry, they washed away. No more stories, the world is grey. I’m tired, let’s wash away.

Mi memoria de la banda se remontaba a su tema ‘Am I Wry? No’ de su álbum de 2003, y que asociaba con un sonido provisto de un fuerte carácter atmosférico, el cual provenía no solo del intenso uso del reverb en su sonido, sino que también estaba vinculado con la voz etérea de su vocalista, Jonas Bjerre. Mucho de eso se hace presente en el No more stories… Temas como ‘Hawaii’ están llenos de coros de registros altos y cuerpos difusos, combinados con unos arreglos que le dan un aire más festivo y “Upbeat” al corte, algo que no suele ser visto en la obra de una banda del estilo de Mew, algo que también ocurre en ‘Beach’, y si, el juego de palabras Hawaii/Beach no escapa a mi ingenio, sigamos, por favor.

Aun así la banda no olvida de donde viene; Bjerre ha comentado en otras ocasiones como este álbum es mucho menos oscuro y más accesible que su anterior trabajo And The Glass Handed Kites, y ciertamente lograron algo en ese aspecto. Si bien el sonido del álbum se mantiene dentro de lo que se espera de Mew y logra construir una música propia del Dream Pop y su primo mayor, el Shoegaze, las canciones son a falta de un mejor término, fáciles de escuchar, logrando funcionar como unidades por sí mismas, y no en función de su tema precedente o siguiente, siendo el mejor ejemplo de ello ‘Cartoons And Macramé Wounds’, balanceándose a lo largo de siete minutos entre partes de corte y sonido épico y momentos mínimos y sosegados, un bamboleo que se extrapola al resto del álbum con cortes como ‘New Terrain’, ‘Repeater Beater’, ‘Silas The Magic Car’ y ‘Vaccine’, de lejos, el corte mas bailable del disco.

Casi seis años después, Mew están justo donde los dejé, como una banda de la invasión vikinga, con un sonido que, si bien tiene un sonido muy atmosférico y etéreo, tiene una cualidad tangible interesante y que invita a la exploración, como lo hacen en este nuevo álbum.

Brendan Benson

My Old, Familiar Friend

ATO, 2009

Todos conocimos bien sea en el colegio, la universidad o en el trabajo a alguien que si bien era bueno en lo que hacía, por X o Y razón no siempre obtenía el reconocimiento que merecía. En la música pasa lo mismo, como ocurre por ejemplo, con John Deacon; probablemente uno de los mejores bajistas que ha parido el rock (Si no el mejor), y Brendan Benson, quien ha disfrutado un mayor reconocimiento de su obra en solitario, gracias a su trabajo en The Raconteurs, y quien lanza su cuarto álbum en solitario: My Old, Familiar Friend.

Las veces que he hablado de proyectos en solitario de miembros de bandas reconocidas (Como el caso de Paul Banks/Julian Plenti), o de bandas como The Dead Weather, he comentado sobre el cruzamiento de influencias que se puede ver en el sonido de dichos proyectos, y como se hace evidente lo que dicho músico en particular le da al sonido de la banda en general, un peculiar ejercicio de ingeniería reversa. En el caso de Benson, algo de esto llega a ser evidente, pero en una dinámica distinta. Si en el caso de Banks su álbum dejaba ver lo que él le da al sonido de Interpol, el nuevo álbum de Brendan Benson nos muestra lo que él ha adquirido en los últimos tres años al tocar con Jack White y compañía en The Raconteurs. Habiendo conocido la obra del músico de Michigan con su álbum The Alternative To Love, esperaba, hasta cierto punto, más de lo mismo, siendo ese ‘Lo mismo’ un sonido enmarcado claramente dentro del rock alternativo de los noventa y de bandas como The Wrens que tienen una evidente influencia dentro del sonido de Benson.

Con el paso del tiempo sus canciones han adquirido algo más de sustancia y de “Oomph”, las guitarras tienen un sonido ligeramente más sucio, los arreglos de teclado han dejado de ser discretos y han adquirido más capas y presencia, lo que redunda en general en un sonido más sustancioso de las canciones que a su vez, tienden a ser más enérgicas y fuertes que en su álbum de 2005, algo que se puede a través de la participación de Dean Fertita (Queens of the Stone Age, The Dead Weather) en el álbum, y que a su vez nos habla del crisol de fundición que se está formando en la escena del medio oeste estadounidense en la que las líneas limítrofes entre géneros y sonidos, antes tan marcadas, empiezan a borrarse para dar a conocer nuevas bestias musicales.

Julian Plenti
Julian Plenti is … skyscraper
Matador, 2009

Parece que este año es el Año Internacional del proyecto en solitario… Ya hemos oído a John Frusciante con The Empyrean, Nina Persson lanzó su segundo álbum en solitario (Colonia), y ahora es el turno del vocalista de Interpol, Paul Banks, que bajo el nombre de Julian Plenti lanza su álbum en solitario, Julian Plenti is… Skyscraper.

Siempre escucho este tipo de proyectos con una buena medida de precaución. ¿La razón? En ocasiones, estos álbumes en solitario de los artistas de bandas reconocidas terminan siendo ‘más de lo mismo’ y no ofrecen algo verdaderamente distinto y propio del músico. En el caso del álbum de Banks (o Plenti, o como quieran llamarlo), es interesante ver como las 11 canciones del tema tienen elementos que se pueden reconocer en algunas canciones de Interpol SIN SONAR A canciones de la banda neoyorquina. El primer corte del disco, ‘Only If You Run’, inmediatamente evoca a ‘NYC’, con arreglos y efectos que le dan a la canción un aire muy atmosférico, similar a la canción de Interpol, sin que se oiga como una copia, proeza que también es lograda en ‘No Chance Survival’. Ello no implica que Banks/Plenti haya olvidado las canciones más movidas o rockeras. El linaje de ‘Unwind’ puede ser fácilmente trazado a canciones como ‘Length of Love’ o ‘Not Even Jail’ en la medida que tienen el mismo aire un tanto explosivo y, en la medida que lo permite el término, grandioso. Sin embargo, al igual que ‘Only If You Run’, ‘Unwind’ tiene el mismo efecto con distintos medios, apelando a recursos que quizá no veamos en Interpol en un buen tiempo, como la utilización  de arreglos de sintetizador. El acierto del álbum consiste en que a través de ese “parecido pero distinto” es posible ver cuál es el efecto y el peso relativo de Paul Banks dentro del sonido de Interpol.

Los méritos del álbum no solo reposan en su relación con el sonido de otros proyectos sino que también funcionan por sí mismos. Hay una agradable sensación de balance en los distintos estados de ánimo de las canciones. Alterna entre canciones sosegadas y cortes más movidos, manteniendo a quien escucha el disco en puntas de pies, esperando lo que viene a continuación. Es un álbum que termina donde empieza en términos de lo que evoca su sonido; ‘H’, la canción que lo cierra, es una pieza de 2 minutos, 39 segundos, con un carácter sombrío y a la vez hermoso, de una manera que nunca se podría ver en una canción de Interpol.

El mérito de Julian Plenti is… Skyscraper consiste en el hecho que es un álbum autónomo y con voz propia, pero con influencias discernibles y fácilmente identificables, algo en lo que suelen fracasar este tipo de proyectos (Como fue el caso de Albert Hammond, Jr con su Como te llama?), al mismo tiempo que ofrece cosas nuevas que invitan al álbum a ser escuchado una y otra vez. Con este álbum, se ofrece algo nuevo, a la vez que quedamos a la espera del nuevo álbum de estudio del cuarteto neoyorquino.

Polapalooza 2009
BBar, Bogotá
Agosto 01 de 2009

Si la Absenta es la bebida de los estetas decadentes, y el Whiskey es la bebida de los escritores curtidos, la bebida del Rock es la Cerveza; y tanto lo uno como lo otro fluyeron en cantidades en la edición 2009 del Polapalooza, que se llevó a cabo en Bbar (Carrera 7 # 45-72), en Bogotá.

He de admitir que cuando la primera banda, Tribbal, se subió al escenario, giré mis ojos con una buena medida de escepticismo. La brutal verdad es que juzgamos los libros por su portada, y cuando vi a los integrantes con ese aspecto de ‘Heavy Metal Genérico’, realmente no creí que llegara a gustarme lo que estaba a punto de escuchar. Mis preconcepciones resultaron ser erróneas al encontrarme una propuesta la cual, si bien le rinde bastante al Rock y Heavy Metal clásico, bajo ninguna circunstancia se oye como si tuviera un sonido avejentado o anacrónico, y lo que es más importante, lograron crear algo que no se sintió ‘Importado a las malas’ y que demostró el tiempo que lleva la banda trabajando en sus canciones.

Tribbal

Síndrome Estocolmo y Los Poetas Ácidos son dos bandas que he estado viendo en distintas ocasiones a lo largo del último año. Los primeros salieron a escena con su sonido Dark Wave que tiene un amplio rango de influencias que van desde Blur hasta Placebo. Ha sido un proceso interesante ver como a lo largo de este tiempo, el quinteto se ha acercado cada vez más a su sonido  propio, especialmente en el caso de su vocalista Camilo Carreño, quien ya ha ido acercándose a un tono de voz distinguible y auténtico, en un rango que se amolda de manera sorprendente al estilo musical de la banda. La presentación de ellos sirvió además para presentar algo del material con el que se disponen a entrar al estudio dentro de poco para grabar su primer álbum. Los Poetas Ácidos por su parte, funcionaron como un contraste interesante con respecto a Síndrome Estocolmo, con su sonido más crudo y con una clara influencia del rock de la década pasada. El Power Trio compuesto por los hermanos Rafael, David y Sergio Escandón, tiene un sonido desprovisto de artificios, sin que ello sea un sinónimo de algo poco trabajado o, si me perdonan el término, chambón. En el marco del Polapalooza, presentaron su nueva canción, Habitantes, fiel a su estilo lírico de temas urbanos junto a canciones más conocidas, como Agosto y Metamorfosis. Cabe anotar que de este último, hay un videoclip que ya está en post-producción.

Síndrome Estocolmo

Poetas Ácidos

La banda que cerró el concierto, Red O’ Clock, me produce sentimientos encontrados. En primer lugar, encuentro en el repertorio de ellos la misma objeción que encontraba en algunas de las bandas de las que hablé la semana pasada: las letras en inglés, un problema que va más allá de la dicción o el acento y que apunta a situaciones de difusión… Creo que es un tema del que habrá que hablar más a fondo en el futuro. Pero volviendo a la presentación, si bien el sonido de la banda está pulido y solidificado como lo demostraron sus dos guitarristas (Juan Rocha en guitarra líder y Mario LaTorre en guitarra rítmica), es evidente la apuesta que hacen por ‘Subirse al tren’ de lo que suena ahora; más específicamente, en el tren del sonido Garage Revival de bandas como The Strokes y The Killers (De quienes hicieron covers). Si bien algunos podemos encontrar esa actitud reprochable a falta de un mejor término, por lo menos son lo suficientemente honestos respecto a sus intenciones y eso tiene que ser reconocido.

Red-O-Clock

En términos generales, eventos como el Polapalooza demuestran que hay una diversidad de propuestas musicales dentro de la escena bogotana, la buena acogida de las bandas y la asistencia significativa al evento dejan abierta la pregunta de ¿porqué no hay un desarrollo de la escena independiente (o alternativa o como se le quiera llamar) en Bogotá?.

De Todo Como En Botica
(United Rock Fest v1.0 – Bbar, Julio 25 de 2009)

Tomando en cuenta lo excluyentes que pueden ser algunas escenas musicales en Bogotá, realmente resulta difícil de creer que en una misma noche sea posible oír algo de Hardcore, de Rock Alternativo, de Ska y de Hard Rock en un mismo espacio (e incluso, salir ileso de la situación), pero algo así ocurrió el 25 de Julio en Bbar, durante el United Rock Fest en el que se presentaron las bandas Fuera de Contexto, Coyote, M-K-N Makana, Parleii y los Dandi Yonquis.

Como siempre me gusta ir en orden, voy primero con quienes abrieron el festival, Fuera de Contexto. Siempre es agradable ver una banda que está arrancando y atestiguar la manera en la que ‘Doman a la bestia’ y van descubriendo lo que pueden hacer o no con su sonido, en especial, la voz de Natalia Bedoya, cuyo manejo del escenario es fuerte y agalluda. Es un cambio agradable en un panorama de vocalistas que en ocasiones son pretenciosos, en especial porque los pequeños hipos y desgarros de su voz, lejos de ser desventajas, se convierten en rasgos interesantes de su estilo.

Si bien los covers son una buena escuela a la hora de hacer Rock, se le podría reprochar al cuarteto un exceso de versiones durante el concierto, ya que resultaron ser más que las canciones originales de la banda. Fuera de Contexto estuvo seguida por Coyote, una banda que le hace justicia a haber nacido en “una noche de juerga”. En el sonido de Coyote aparecen el Hard Rock, el Metal, el Hardcore e incluso el Punk de manera contundente y agresiva, sin que por ello las guitarras de la banda le hagan el feo a la idea de jugar con efectos y solos. La impresión que dejó Coyote es la de una banda concisa y que a lo largo de los años ya ha logrado conocerse bien, hecho que se refuerza porque ya están en proceso para entrar al estudio y grabar su álbum. Sin embargo, el cuarteto canta su repertorio en ingles,  algo que le objeto a muchas bandas de la escena local… Es una objeción que va más allá de la pronunciación, el acento o aspectos formales y que apunta al hecho que, contrario a la creencia popular, el español si es un idioma que se presta para el Rock, y también creo que es una decisión que va en detrimento de una identidad regional (Sin sonar mamerto)

M-K-N Makana y Parleii contribuyeron a la diversidad del festival. Los primeros,  son una banda de Facatativá con un sonido fácilmente asociable al hardcore, y trajeron una propuesta que recuerda a bandas como Ratos de Porão pero que no teme explorar facetas más melódicas como en el caso del tema con el que cerraron la presentación, ‘Perdiendo el Control’. Con la inclusion de M-K-N Makana, los organizadores del festival, demostraron la importancia de darle una mirada a las escenas musicales de la periferia Bogotana, escenas en las que la autogestión y la ética del Do It Yourself tan asociadas al HardCore, tienen una gran importancia. Parleii, por su parte, presentó un sonido que devolvió a la audiencia a los noventa, como lo evidenció el cover que realizaron del tema de Sublime, ‘Santería’.

El festival cerró con los Dandi Yonquis, banda bogotana que hace poco lanzó su EP But Does it Affect the Body, Teacher?. Con respecto a ellos he de decir que verlos en vivo resultó una experiencia más satisfactoria que escucharlos en estudio, ya que aparecieron con un sonido más crudo y fiel a su espíritu, con el que demostraron que, aunque tengo hacia ellos la misma objeción que con Coyote en relación al uso del inglés, es posible crear un sonido que mezcle distintas vertientes de una manera que no suena forzada o poco orgánica y que pone de manifiesto la fuerza en Bogotá de la escena que no hace parte del mainstream (Me apego a la línea editorial de esta página que ha desterrado la palabra ‘Indie’ de su lexicón).

En líneas generales, el United Rock Fest en su primera edición, resultó ser un evento satisfactorio, que musicalmente hablando tuvo “De todo como en Botica” con propuestas de múltiples géneros que fuera de desdibujarse o perder identidad, aprenden entre sí y crean nuevas audiencias, con lo que se logra la construcción de una escena local.

The Dead Weather
Horehound
Third Man, 2009

Pareciera que hay personas que necesitan estar haciendo música para mantenerse vivos, igual que un tiburón necesita estar nadando todo el tiempo, y Jack White parece ser una de esas personas; mientras su compañera de banda Meg White vuelve a un ‘ritmo de competencia’, el músico de Detroit hace sonar su guitarra con cualquiera que se atraviese en su camino, ya sean los Raconteurs, o The Dead Weather, la banda que formó con Alison Mosshart (The Kills), Jack Lawrence (The Greenhornes) y Dean Fertita (Queens of the Stone Age), y que presenta su álbum debut, Horehound.

Como estoy seguro que es el caso de muchas personas, cada vez que oigo las palabras ‘supergrupo’ o ‘colaboración’ giro los ojos hacia un lado y hago una expresión de evidente hastío; la razón es sencilla, las mas de las veces (Por no decir todas), esos acontecimientos no son más que ferias de la autocongratulación y el menor esfuerzo posible, dando como resultado proyectos que, en el mejor de los casos apenas satisfacen las expectativas y la mayoría de las veces son simplemente mediocres. Sin embargo, White ha sido enfático al decir que proyectos como este y The Raconteurs no son supergrupos, sino bandas normales cuyos integrantes resultan ser músicos ya establecidos y con otros proyectos reconocidos, y al igual que ocurre con The Raconteurs, en Horehound cada uno de sus integrantes tiene la oportunidad de aportar lo mejor de su estilo propio, dando pie a unos interesantes diálogos entre instrumentos y estilos que permiten una mezcla que se siente realmente homogénea en el sonido de la banda, en la que no es posible identificar de manera específica las contribuciones de cada uno de los miembros de Horehound y que combina el sonido “Garajudo” de la guitarra de White con la sensibilidad stoner de Fertita y la tradición del bluegrass y Blues de Lawrence, rematando con la voz lo-fi y de actitud punk de VV Mosshart. Una combinación que se ve con toda su fuerza en la segunda mitad de Hang You From The Heavens o en el tema instrumental 3 Birds.

Como cualquier banda común y corriente, el principal reclamo que se le puede hacer a The Dead Weather es que en ocasiones, uno de sus miembros adopta un protagonismo desmedido, en este caso, el álbum sufre de un ‘Mosshart-centrismo’ que se manifiesta en que la vocalista de The Kills escribió (o co-escribió) ocho de las diez canciones del álbum y que la ilustración de la portada es una foto de ella. Para quienes (como yo) consideramos que Alison Mosshart es una vocalista algo sobrevaluada (siempre he considerado que su voz es muy parecida a la de Shirley Manson), esto puede ser un punto delicado a la hora de darle una oportunidad al álbum.

Les propongo un experimento, muéstrenle este álbum a cualquier persona sin decirle quienes integran la banda para que les de la opinión más honesta sobre el mismo. Les apuesto que esa persona dirá que es un álbum muy interesante y que de alguna manera, logra combinar el sonido de esta década que ya está terminando en una mezcla homogénea y concisa.

Tiny Vipers
Life On Earth
Sub Pop, 2009

Seattle… ciudad de mucha lluvia, hogar de psiquiatras imaginarios como Frasier Crane, escenas musicales que definieron el sonido de una década, y artistas como Jesy Fortino, conocida como Tiny Vipers y que lanza su segundo álbum de estudio, Life On Earth.

Admitámoslo, todos juzgamos los libros con base a su portada, y las más de las veces, ese primer juicio tiene bastante validez, una idea que es particularmente válida en el caso de este álbum. La imagen que proyecta Fortino de una mujer pequeña, menuda y de aspecto algo frágil combina perfectamente con las canciones de este álbum, que a su vez, representa un cambio estilístico con respecto al sonido más concreto, solido y tradicional de su primer álbum, Hands Across The Void. Las 11 canciones que hacen parte de Life On Earth pueden ser descritas con términos tales como ‘etéreo’, ‘difuso’ o incluso ‘espectral’. Temas como Eyes Like Ours, Slow Motion o Tiger Mountain tienen una peculiar cualidad atmosférica, con arreglos que logran crear un estado de ánimo muy particular y muy específico. Young God y Twilight Property en particular, sobresalen en poner el muro de sonido propio del ShoeGaze al servicio del Folk, estableciendo una sensación que aunque un poco perturbadora, también invita a escuchar aun más a fondo estos temas.

También es digna de mención la voz de Tiny Vipers. Los tonos bajos, un poco rasposos  y bastante seductores en cuanto a su capacidad de enganchar al escucha Fortino son el complemento ideal para el sonido del álbum. Es una voz que funciona a la perfección con una música que puede definirse como mínima, y que en lo que resulta una de sus propiedades más sorprendentes, logra evocar un extraño déjà vu. Se ha escuchado algo similar antes, pero no es posible recordar con precisión donde, y esa búsqueda constante también hace que sea  muy fácil volver al álbum, ya sea por querer escuchar de nuevo esa voz, o por querer descubrir de una vez por todas a que se parece.

Con un sonido que recuerda a Cat Power en sus primeras épocas, Life On Earth de Tiny Vipers es un álbum sólido y que no decepciona. En un género como el Nuevo Folk que empieza a mostrar signos de saturación, siempre es bueno encontrar artistas que no se sienten como fotocopias de otros y que presentan una propuesta interesante y que no se sienta predigerida o manufacturada.

The Mars Volta
Octahedron
Mercury, 2009

Por lo menos en mi experiencia, The Mars Volta ha resultado ser una de esas bandas tipo ‘O los amas o los odias’, no parece haber un punto medio a la hora de hablar sobre ellos; o bien son unos genios que recuperaron el Rock Progresivo, o son ruido inaccesible para escuchar mientras se consumen sendas dosis de peyote. Ya sea para bien o para mal, la banda de El Paso, Texas continúa el camino que empezó a recorrer a comienzos de la década con su nuevo álbum de estudio, Octahedron.

No resulta descabellado afirmar que había un buen grado de expectativa con respecto a este álbum: A fin de cuentas, cuando una banda anuncia el lanzamiento de dos álbumes con material nuevo con poco tiempo de diferencia, siempre se piensa que el segundo no contiene más que las canciones que no lograron entrar en el primero, ya sea por tiempo, o por calidad. Una suposición que fue desechada en este caso ante las afirmaciones de las cabezas visibles de The Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López. Mientras que el primero afirmaba que con este álbum querían hacer algo más pop, Rodríguez-López se refirió  al Octahedron con los términos “Acústico” y “Calmado”.

Ciertamente hay diferencias entre esta grabación y sus anteriores trabajos. Mientras que en De-loused in the comatorium o en Amputhecture había un intento explícito de darle una coherencia narrativa y conceptual al álbum, las ocho canciones del álbum (Si. Ocho, “Octaedro”, sigamos por favor) lidian con distintos temas y escenarios imaginarios que si bien son esperables dentro del estilo lírico de la banda, no tienen un hilo conductor. En términos del sonido, sin embargo, la historia es completamente distinta. Las declaraciones de Bixler-Zavala y Rodríguez-López eran una interesante provocación ante lo que podía resultar siendo un nuevo capítulo en la historia del sonido de la banda, sin embargo, la expectativa que causaron sus palabras resultó siendo más bien un “Chorro de Babas”… Claro, es evidente que en una banda como The Mars Volta, las palabras “Pop” o “Acústico” habrían de adquirir un significado distinto al que tienen en otros contextos y en otras bandas, la diferencia en el sonido de este álbum con respecto a su referente inmediato, el The bedlam in Goliath es más bien poca. De las ocho canciones, solo ‘Copernicus’ y ‘Since We’ve been wrong’ logran cumplir con ser canciones acústicas en el verdadero sentido de la palabra y marcar una verdadera diferencia. Las seis canciones restantes son el sonido al que la banda nos tiene acostumbrados, con la guitarra de Rodríguez-López y su sonido hipnótico en capa tras capa de arreglos y producción.

¿Es un álbum que realmente aporte algo nuevo al sonido de The Mars Volta? ¿Es indispensable escucharlo para quienes siguen a esta banda? La respuesta a ambas preguntas es no. Octahedron no le hace justicia a las afirmaciones que hicieron los miembros de la banda sobre su sonido, se siente como ‘Mas de lo mismo’ (Aun cuando ese ‘Lo mismo’ sea The Mars Volta), y termina por sentirse como un álbum de relleno antes que como algo realmente nuevo y fresco.