Cortesía de la Casa

Con agradecimiento especial a Natalia Rubio y HATE-LOVE

Y bien, la fecha llegó. Inní, la película que muestra el concierto que Sigur Rós dio en el Alexandra Palace de Londres en 2008 fue proyectada en el Espacio Odeón de Bogotá, y la pregunta que cabe hacerse es, ¿Si aguantó?

A la hora de hablar de Inní, existe la ventaja que es posible hacer una comparación entre esta y Heima, el documental de 2007 que muestra la gira de conciertos que la banda realizó junto a Amiina en Islandia durante el verano de 2006, y no se requiere mucho esfuerzo para ver que ambos filmes se paran en orillas completamente opuestas. El documental de 2007 es un esfuerzo deliberado por mostrar como es el hogar de la banda (No en vano Heima significa ‘En Casa’), mientras que la película de 2001 se concentra exclusivamente en el concierto, con solo unos pequeños fragmentos de entrevistas a la banda y conciertos de sus primeras épocas, que solo sirven para potenciar la atención dada a la presentación de 2008, y aunque no tiene relación, cabe anotar que hasta ayer descubrí que Jón Þór Bírgisson tiene un ojo perezoso.

Musicalmente hablando, Inní es bastante efectivo en su presentación. Quizá conscientes de lo poco accesible a la escucha que puede llegar a ser el material de sus primeros discos, las canciones seleccionadas por la banda y el director Vincent Morriset se concentran en sus tres ultimos trabajos, ( ), Takk… y Með suð í eyrum við spilum endalaust, los cuales presentan un sonido mas digerible y que le permitió al director explotar la principal fortaleza (visualmente hablando) de Inní. La única manera en la que puedo describir la cinematografía de este trabajo es pensando en una película muda de comienzos del siglo XX. Es un fortísimo blanco y negro que crea la impresión que el Alexandra Palace estaba completamente solo a excepción de la banda islandesa, y esa paleta de colores unida al parpadeo de la imágen y las sobreexposiciones de la película le dan un caracter muy distintivo y sugerente. Aunque brillaron por su ausencia temas como Hoppipolla o Glósoli, el setlist de Inní es un setlist representativo del sonido de Sigur Rós en la actualidad, menos etereo que en sus primeros pasos y mas cercano al post-rock, en una vertiente distina a la de bandas como Mogwai o Explosions in the Sky.

Habiendo expuesto todo lo anterior, se puede decir que si. Inní si aguantó. La proyección de la película en varias funciones a lo largo de la noche fue un acierto y que demostró que si hay un público para este tipo de eventos, y lo mas importante, un público para una banda como Sigur Rós.

Como creo que muchos, yo también me alcancé a ilusionar con la idea de un concierto de Sigur Rós en Bogotá este noviembre, aunque la verdad, se me hizo raro tomando en cuenta que la banda está en hiato indefinido desde hace poco mas de un año. Habiendo aclarado la confusión y tomando en cuenta que es una proyección de su álbum/DVD Inni, la pregunta inevitable es: ¿sí aguanta ir?

Es fácil pensar en la proyección que se va a realizar este 12 de noviembre en el Espacio Odeón como una versión glorificada de los videoconciertos que uno tenía que patearse cuando estaba en la universidad, pero la verdad es que va mas allá de eso. En primer lugar, Sigur Rós es una banda que ha recorrido un arco particularmente interesante en los últimos siete años. Su álbum “( )”, aunque ha envejecido bastante bien con el paso del tiempo, en un comienzo corroboró la idea que tenía de la banda como un ruido etéreo e insoportable, opinión que cambió con “Takk…” y que cambió aun mas con “Með suð i eyrum við spilum endalaust”, lanzado en 2008. El concierto que aparece en Inni, grabado en ese año se convierte en una cápsula del tiempo bastante interesante pues, en teoría, nos mostraría a una banda que justo acaba de llegar a ese extraño balance entre lo tremendamente personal y lo digerible por los demás, y está dispuesta a hacer lo que quiera estando en ese lugar. Por otro lado, a diferencia de “Heima”, su otro documental/presentación en vivo, que tenía un estilo más directo y convencional, hay algo tenebroso y bello a la vez en el estilo visual de Inni que lo hace una experiencia que puede valer la pena, mas allá de su valor musical.

La otra razón para asistir es una razón mas pragmática. En la medida que los conciertos se están convirtiendo en una fuente de ingresos más grande para las bandas y músicos, empiezan a cuidar sus inversiones… Situaciones como la de la presentación de Los Campesinos! en 2009 son la excepción antes que la regla, y no resulta descabellado que la proyección de Inni puede ser una especie de estudio de mercadeo por parte de la banda para evitar una situación como la del concierto de Belle & Sebastian el año pasado.

Curiosamente, resultó mas fácil encontrar razones para hacer algo que para no hacerlo. Pegarle una mirada a la proyección de Inni este 12 de noviembre en el espacio Odeón puede ser una buena idea que termine contribuyendo a cosas mas grandes. O sea que sí, es posible que aguante, y mucho.

The Horrors
Skying
XL Recordings, 2011

Cuando una banda cambia su sonido radicalmente, puede ser algo tan arriesgado que les puede estallar en la cara, como le pasó a Bad Religion con su segundo disco, que resultó tan malo que solo hasta hace poco volvió a aparecer en el catalogo oficial de la banda. En otras ocasiones, sin embargo, la apuesta puede salir bien, como le pasó a The Horrors, que lanzan su tercer disco, “Skying”.

Cuando en 2007 lanzaron su disco debut “Strange House”, lo hicieron mostrando un sonido fuertemente enraizado en el horror punk y realmente no lo hacían mal, dejando ver a una banda que, si bien estaba metida en un género que es bastante efímero y no tiene mucha profundidad, podía hacer cosas interesantes. Sin embargo, dos años después, su disco “Primary Colours” dejó ver a una banda que lo único que tenía en común era el mismo nombre e integrantes mas no tenía el mismo sonido; el álbum lanzado en 2009 los metió de lleno en el sonido del shoegaze con guitarras distorsionadas importadas de las mejores épocas de My Bloody Valentine y con un sonido en el que funcionaba mejor la voz de su vocalista, Faris Badwan.

Como suele pasarle a muchas bandas que empiezan haciendo shoegaze, The Horrors terminó pasando casi sin darse cuenta al dream pop. Las canciones del disco son menos densas e infinitamente mas accesibles, sin que ello implique una merma en la calidad o que subestimen a su audiencia, como lo demuestra de forma contundente I Can See Through You, tercer corte del disco. Aún en los temas mas crudos y aparentemente sencillos como Monica Gems, hay una densidad y solidez sorprendentes. Por donde sea que se le mire, “Skying” es un disco que no tiene presa mala, funciona como un todo y cada canción por si misma es brillante. La apuesta de The Horrors por un sonido más serio y menos adolescente ha pagado bastante bien.

Ah sí, y el disco de Bad Religion que mencioné al comienzo se llama “Into the Unknown”. Es tan, pero tan malo que el siguiente EP que lanzaron se llamó “Back To The Known”. Ahí les dejo esa inquietud.

Marky Ramone’s South American Blitzkrieg

Teatro Las Vegas Nevada (Calle 59 # 13 – 65)
Viernes 20 de mayo de 2011
Bogotá, Colombia

Cuando Green Day vino a tocar en Colombia el año pasado como parte del festival Nem Catacoa, le escribí una carta al adolescente de 13 años que alguna vez fui en la que le explicaba las razones para no haber ido a verlos. Cuando me enteré que Marky Ramone vendría a tocar el 20 de mayo en Bogotá, pensé seriamente en hacer lo mismo pero dirigiéndome esta vez al adolescente de 16 años que fui. Sin embargo, ciertas vueltas del destino me tuvieron parado en las escaleras del teatro Las Vegas Nevada, agradeciendo no haber mandado dicha carta.

Es bastante común caricaturizar las giras de bandas como los Misfits y artistas como Marky Ramone de dos formas: con la imagen clásica del músico que no sabe cuándo decir “basta” y sigue tocando hasta inspirar lástima, o como el advenedizo dispuesto a desplumar incautos. Es evidente que Marky Ramone está capitalizando sobre la cantidad de admiradores de los Ramones que nunca pudieron verlos en vivo (me incluyo), pero la verdad es que lo hace muy bien. Últimamente he llegado a la conclusión que la razón por la que las bandas de punk se suavizan con el tiempo es porque el cuerpo simplemente no puede cumplir con la demanda física del género. Sin embargo, Marky Ramone tiene la energía, contundencia y precisión que se le ve en los videos en vivo de Ramones. Su compañero de fórmula, Michale Graves (ex-Misfits), por su parte ha hecho un excelente trabajo apropiándose de un setlist que cubre las expectativas de quienes quieren oír canciones de los Ramones en vivo.

Siga leyendo »

The Strokes
Angles
RCA, 2011

Corría el año de 2001, yo tenía 16 años y estaba terminando el colegio. Odiaba a todo el mundo, me la pasaba viendo Neon Genesis Evangelion y caminaba por mi colegio oyendo música enfundado en una chaqueta roja que me quedaba enorme. Era la época post-11 de septiembre y -la verdad sea dicha- había una sensación en el aire bastante chafa de ‘¿qué pasará ahora?’. Por ese entonces vine a toparme con los Strokes y su canción Last Nite, convirtiéndose en una de las bandas más influyentes de los últimos diez años y que lanzan su cuarto álbum de estudio, Angles.

En los diez años que han transcurrido desde entonces han pasado muchas cosas, y ciertamente la persona que está escribiendo esta reseña en un computador no es el mismo adolescente de gafas de marco redondo; el cambio es inevitable y si bien se retienen algunas cosas, se le ha dicho adiós a otras para recibir elementos nuevos, a veces a regañadientes, a veces con los brazos abiertos. Lo mismo puede decirse del sonido de la banda. El trabajo de 2006, First Impressions of Earth fue un intento desesperado de mantener las cosas tal y como eran, pero que fracasó (no diría que miserablemente, pero fracasó), Angles por su parte, muestra como la banda llegó a esa misma conclusión sobre lo inevitable del cambio, con un sonido que en términos de espíritu recuerda a su álbum debut, Is This It, pero cuya forma atestigua el paso del tiempo en sus miembros.

Aunque el proceso de grabación fue bastante fracturado, con Julian Casablancas enviando sus colaboraciones vía correo electrónico en un intento de soltar el control creativo del disco, experiencia que Nick Valensi encontró altamente desagradable, el álbum se siente sorprendentemente cohesionado, con un sonido que acepta el inevitable paso del tiempo y que, si me permiten el comentario un tanto sensiblero, funciona como un mensaje en la botella para el adolescente de 16 años que fui, diciéndole que las cosas van a cambiar.

Asobi Seksu
Fluorescence
Polyvynil, 2011

Cuando hablaba del más reciente trabajo de Los Campesinos!, hablaba de cómo la relación con los discos de una banda cambiaba tras haberlos visto en vivo, de la suerte de complicidad que se generaba y de la cercanía que se sentía hacia la banda. A riesgo de sonar un poco presumido, esa sensación se multiplica tras conocer a la banda y conversar un poco con ellos. Hace poco menos de dos años, tuve la oportunidad de conversar con Asobi Seksu durante su presentación en Bogotá y puedo experimentar un poco ese efecto del que estoy hablando con su nuevo disco de estudio, Fluorescence.

En esa ocasión, tuve oportunidad de preguntarle a Yuki Chikudate (vocalista de la banda) sobre el cambio experimentado por el sonido de Asobi Seksu en los últimos años. Algunas canciones de su trabajo de 2006, Citrus, empezaban a inclinar el balance que su música tenía entre el shoegazer y el dream pop a favor del segundo, inclinación que se hizo mas fuerte en Hush, lanzado en 2009. Cuando le pregunté a Chikudate sobre el tema, ella me explicó como sentían que dicha progresión era apenas natural en su sonido, y pensando un poco al respecto, es una afirmación tremendamente cierta. De la misma manera que algunas de las bandas que inician haciendo punk terminan haciendo algo completamente distinto porque es difícil mantenerse haciendo la misma cosa por mucho tiempo, es difícil estar toda la vida haciendo muros de sonido con ladrillos de feedback ensordecedor. Si bien el disco tiene temas como Trails con guitarras que tienen una evidente inspiración en My Bloody Valentine, o Coming Up con voces sumamente etéreas, otras canciones como Trance Out, Leave The Drummer Out There o My Baby tienen un sonido bastante difuso y difícil de atrapar que sin embargo no resulta tan agresivo para el oído de quien los encuentra por primera vez.

Así las cosas, Fluorescence es un disco que reafirma el cambio en el sonido de Asobi Seksu, pero lo mas importante, deja en quien escucha a la banda la convicción que si, es un cambio necesario y que la banda está haciendo bien lo que hace ahora.

Mogwai
Hardcore Will Never Die, But You Will
Sub Pop, 2011

Quienes siguen mis desvaríos en twitter, además de merecerse la Cruz de Boyacá por aguantar las babosadas que digo, deben conocer el interés que tengo por el sonido de la banda escocesa Mogwai y por el post-rock en general. Por eso mismo, estaba muy pendiente de los lanzamientos que iba a traer febrero de este año, los cuales incluían el séptimo disco en estudio de la banda, Hardcore Will Never Die, But You Will.

El sonido de cualquier banda es como un tiburón, si no para de moverse, se hunde (no sé si eso sea realmente cierto pero me sirve para la explicación), y la banda de Glasgow está perfectamente consciente de ello. Al mismo tiempo, también está consciente de que tampoco puede transformar la música que hace en una bestia completamente irreconocible hasta para ellos mismos, y el hecho que este disco sea producido por Paul Savage, quien también produjo el Mogwai Young Team es prueba de ello. Cada una de las diez canciones del disco funciona como una síntesis del sonido de la banda en estos últimos quince años. Canciones como Too Raging Too Cheers tienen el aire épico y masivo que ha caracterizado a Mogwai, mientras que el sencillo de lanzamiento, Rano Pano es una carta de amor a las distorsiones ensordecedoras por las que se han hecho conocidos Stuart Braithwaite y compañía; How to Be a Werewolf por su parte mantiene la tradición de Mogwai de hacer por lo menos una canción catártica en cada disco, de esas que hacen dar ganas de pararse en medio de algún campo abierto y gritar.

Hardcore Will Never Die, But You Will es el mejor álbum de Mogwai hasta el momento, mostrando una banda que tiene un dialogo honesto con la música que hace y que está dispuesta a explorar los caminos que éste toma.

Julián Mayorga

Maquinariaparadesmedireltiempo

Independiente, 2011

Fue hace casi un año que vi al músico tolimense Julián Mayorga, junto a Andrés Gualdrón, Juan Pablo Bermúdez y Mau Gatiyo en la primera edición de las Sesiones Mínimas de la Fundación Barrio Colombia en Bogotá. En los diez meses que han pasado, estos cuatro músicos han estado dedicados a varios proyectos que empiezan a ver la luz, como es el caso del álbum de Julián Mayorga, Maquinariaparadesmedireltiempo, disponible en su página en bandcamp.

Mientras que Andrés Gualdrón ha decidido explorar un sonido que combina una marcada sensibilidad pop con dejos experimentales, Mayorga ha optado por recorrer un camino a todas luces lo-fi, lo que demuestra un tema como “Las flores del jardín”, con sampleos vocales en loop alrededor de los cuales se construye el resto de la canción. Por otro lado, “Árbol” es un tema con una inspiración mas minimalista, con una reverberación que logra crear un muro de sonido frente al cual se dispone la voz de Julián. Finalmente, “Acobardado” es la canción que representa la otra vertiente del disco y que lo confirma como un cantautor sólido, con una voz provista de una cualidad rasposa y agreste en ocasiones, lo que viene a ser su principal cualidad y atractivo.

Maquinariaparadesmedireltiempo es la confirmación de un movimiento Lo-Fi importante en el país, que incluye a artistas como Juan Smith, y que muestra a un músico que ha logrado construir un lenguaje propio, pero que está consciente que hay mas por explorar y hacer con su música.

Social Distortion

Hard Times and Nursery Rhymes

Epitaph, 2011

Junto a Henry Rollins, Mike Ness es de esos músicos que caen en la categoría de “gente que quisiera tener a mi lado en una pelea de bar”. Es algo que va mas allá de los tatuajes y la cara de “mas te vale no joderme”; a sus 48 años, Ness proyecta esa sensación de ser alguien que ha visto y aprendido mucho, y que ahora quisiera tomar la cosa con más calma, como lo demuestra el hecho de que pasaran siete años para que Social Distortion lanzara su nuevo álbum de estudio, “Hard Times And Nursery Rhymes”.

Social Distortion es de esas bandas en las que el constante carrusel de integrantes hace que terminen convirtiéndose en el proyecto personal de su líder, lo cual, si bien no está mal, demuestra cómo vino a parar de forma un tanto accidental en el punk. Una primera mirada al disco demuestra como Ness le ha dado más y más rienda suelta a sus inclinaciones blueseras, lo que ocurre en temas como California (Hustle & Flow), Bakersfield o Diamond in the rough. Sin embargo, la vena bluesera del disco no quiere decir que el Social Distortion clásico haya desaparecido, cosa que la demuestra Road Zombie (tema que abre el disco), Alone and Forsaken, Machine Gun Blues y Gimme the Sweet and Lowdown, y que demuestran que Ness ha aprendido una gran lección: Sólo porque se puede ser duro y rápido, no hay que serlo todo el tiempo.

Hard Times And Nursery Rhymes es un disco cuyo espíritu puede resumirse en la última canción del mismo, Still Alive. Es el tipo de canción que sólo puede ser escrita por alguien que ha visto lo suficiente de la vida para saber donde está parado, que ha aprendido a los golpes, pero que como dice la canción, sigue vivo un día más.

Faltan unos diez días para que termine este año 2010 y es una buena idea hablar de algunos de los discos que valieron la pena (sin mencionar que llevaba siglos sin escribir en la sección y ya me estaban mirando feo por acá).

Siendo honestos, este año no nos ha dejado sorpresas particularmente grandes en términos de lanzamientos. De hecho, arrancó un poco soso con Vampire Weekend, mientras que nos quedamos esperando el nuevo álbum de The Strokes, la salida de Tyondai Braxton de Battles dejó muchas dudas sobre el futuro del proyecto y, para rematar la imagen, Explosions in the Sky sigue sin lanzar el álbum que le sigue a su magnifico “All of a Sudden I Miss Everyone”; a pesar de ello, bandas como Massive Attack, Dillinger Escape Plan, Jaguar Love, Broken Social Scene y demás lograron presentar cosas interesantes.

Algo similar ocurrió a nivel nacional. Mientras que Pornomotora sigue sin lanzar su segundo álbum, está empezando a formarse una escena independiente muy interesante no sólo en Bogotá, demostrado por bandas como Neoplatonics, mientras que por los lados de “La Tenaz Suramericana”, artistas como Julián Mayorga, Andrés Gualdrón o Mau Gatiyo llevan años creando proyectos muy innovadores, al mismo tiempo que han salido iniciativas como la propuesta de Bogotá Ciudad Rock, con su festival ExpoRock y su ciclo de conciertos.

Así las cosas, a continuación están algunos de los discos que cayeron en mi radar y que considero, fueron bastante importantes. No están en ningún orden particular, así que no debe entenderse como un ranking.

Siga leyendo »