Cortesía de la Casa

Jaguar Love
Hologram Jams
Fat Possum Records, 2010

Este año, las “Reseñas de a peso” han visto varios proyectos que nacieron de las cenizas de otras bandas, como el caso de The Unwinding Hours o el disco en solitario de la ex-Pipette, Rose Elinor Dougall. La reseña de esta semana se ocupa de la banda de los antiguos Blood Brothers, Johnny Whitney y Cody Votolato, que presentan el segundo disco de su banda Jaguar Love, titulado “Hologram Jams”.

El disco tiene una diferencia marcada con su trabajo debut de 2008, “Take me to the Sea”. En este último, como suele ocurrir con los álbumes post-disolución de una banda, se notaba de manera significativa el sonido de The Blood Brothers, especialmente en temas como “Vagabond Ballroom”. En el caso de este trabajo de 2010, dichos ecos han desaparecido casi por completo del repertorio de la banda, hecho que ciertamente puede tener algo de explicación en la salida de la banda de Jay Clark (batería), lo que le ha dado a Whitney y Votolato Carte Blanche para experimentar con elementos de secuencias y beats que le dan a los doce temas del disco un sonido muy dance-punk, que se nota en temas como “Up All Night”, mientras que “Cherry Soda” es una canción llena de reminiscencias ochenteras como no se habían visto desde el Saturdays = Youth de M83.

Durante la existencia de The Blood Brothers siempre se habló de cómo su sonido discordante escondía extraños ganchos pop, y con este disco no resulta difícil ver que Whitney era el responsable por la existencia de esos elementos dentro del sonido de la banda, como lo demuestra el cover de ‘Another Piece of My Heart’, canción de Erma Franklin.

Hologram Jams es un disco que calará entre quienes gustaban de las partes menos ortodoxas del sonido de The Blood Brothers. Sin embargo, su sonido altamente bailable terminará, con seguridad, agradando a más oídos que los gritos de “banshee” que oíamos en una de las bandas mas importantes de la pasada década.

Juan Smith
Demo #2: Lo-Fi’s Muerte
Independiente, 2010

La imagen del cantautor solitario, con solo una guitarra frente a su público, ha sido replanteada. Ahora, tenemos al mismo cantautor con una guitarra, pero armado de pedales, de loops, controladores MIDI y otros elementos de esta era en la que vivimos. En Colombia, proyectos como The Sound of Lucrecia y artistas como Julián Mayorga han empezado a hacer avances importantes dentro del sonido Lo-Fi, a los que se les une Juan Smith, con su trabajo titulado Demo #2: Lo-Fi’s Muerte, disponible en su página en BandCamp: juansmith.bandcamp.com.

El Lo-Fi bien hecho es algo particularmente difícil de lograr, pues quien se embarca dentro de ese estilo tiene que recorrer una delgada línea entre un sonido que tenga una estética definida a partir de sus limitaciones y algo que se oye como si hubiera sido hecho a las patadas. Smith logra salir ileso de este difícil recorrido con un sonido en el que la sensación de un sonido básico y un tanto crudo se logra, irónicamente, a través de la atención que Juan Smith le pone a los detalles, en cosas tan sencillas como el zumbido que se oye al final de las canciones y que transmite una sensación de calidez, potenciada por la voz de Smith que por momentos, recuerda a la de Dallas Green con su proyecto City & Colour.

Los 9 temas que componen el Demo #2 son ejemplos de que el Lo-Fi es un estilo que no depende de hacer las cosas a las patadas sino de lograr transmitir una sensación de inmediatez entre el disco y quien lo escucha. Juan Smith promete prolongar una escuela que está abriéndose paso con otros proyectos en Colombia, y creo que puede llegar a ser muy interesante lo que salga de ahí.

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Jimmy Eat World
Invented
Interscope Records, 2010

Algo me dice que Jim Adkins (guitarrista y vocalista de Jimmy Eat World) y yo nos llevaríamos muy bien. Es de esas personas que simplemente emite esa aura sincera de ‘buen tipo’ y algo de eso se traslada a la música que hace. En esta ocasión, se traslada al más reciente álbum de estudio de Jimmy Eat World, “Invented”.

La banda de Arizona fue una de las pioneras de lo que podríamos llamar el verdadero emo, antes que fuera convertido en lo que conocemos ahora. Un sonido afincado en los noventa, primo hermano del grunge y el rock alternativo, con un contenido lírico ciertamente cursi (a falta de un mejor término), pero un sonido cercano a los dos géneros antes mencionados. De eso ya han pasado casi 15 años y la banda no habría podido mantenerse todo este tiempo haciendo lo mismo. Líricamente, Jimmy Eat World ha pasado de explorar la angustia adolescente a explorar la angustia post-adolescente. Mientras que el aspecto melódico de la banda en este disco es una combinación de las lecciones aprendidas en sus últimos trabajos, especialmente el “Chase this Light” de hace dos años, que combinadas con la labor en producción de Mark Trombino (Quién acompañó a la banda en sus discos “Clarity” y “Bleed American”) dan como resultado un álbum que reúne lo mejor de los dos mundos de la banda y lo presenta en una unidad coherente y concisa.

Jim Adkins ha comentado que siente que este es el mejor disco de la banda. Yo le creo, a fin de cuentas, parece buen tipo.

Festival ExpoRock 2010
La Hamburguesería
Octubre 15 de 2010, Bogotá

Que a alguien le guste o le deje de gustar algo porque “el man de Cortesía de la Casa dijo” sería pretencioso y preocupante, pero que lo nombren como jurado de un concurso, eso sí es algo gratificante para un reseñista como yo. El pasado viernes15 de octubre fui jurado de una de las rondas semifinales del festival ExpoRock 2010 en La Hamburguesería de Ciudad Salitre.

Ahora, hablemos del festival y sus bandas.

Si hay dos elementos difíciles de hacer funcionar dentro de la estructura de una banda son el teclado y las secuencias. De las bandas locales que he oído en vivo y que lo usan pocas lo logran. Interlight y Los Culpables de Siempre fueron las dos bandas de la noche que echaron mano de este recurso. Los primeros, con un sonido muy art-punk, resultaron ser una sorpresa bastante agradable. Con un trabajo bastante serio, en el que se nota una presencia fuerte de los sonidos que los han influenciado pero también un lenguaje propio, es razonable afirmar que van por buen camino. Los Culpables de Siempre, por otro lado, tienen un sonido más cercano a lo alternativo de los años noventa en el que no hay un lugar claro para la presencia del teclado, que se pierde con facilidad dentro del sonido de la banda, que de por sí, está lejos de encontrar su distintivo y en ocasiones suena algo genérica.

La queja de lo genérico es una que también puede hacérsele a Huesera, otra de las bandas en competencia cuyo sonido afincado en el hard rock sufrió con una puesta en escena redundante de tres guitarras (por momentos) y dos bajos (por momentos), dejándome la pregunta de si no había alguien de más sobre la tarima. Otra banda que me dejó ese sabor de ‘ya he visto esto antes’ fue Smoking Lounge, banda que mostró algo que está convirtiéndose en el síntoma de nuestros tiempos: si las décadas pasadas nos dejaron el ‘sonido alternativo’ o el ‘rock & roll puro’, ahora tenemos un ejército de bandas que se amparan bajo el término sombrilla del ‘indie rock’, que ha terminado por convertirse en una palabra que no define nada del sonido de una banda.

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Bad Religion
The Dissent of Man
Epitaph Records, 2010

Son muy pocas las bandas de punk que pueden decir que tienen treinta años de vida, y aun menos las que pueden decir que después de ese periodo de tiempo mantienen su relevancia. Bad Religion es una de ellas; a pesar de un periodo a finales de los ochenta y comienzos de los noventa que fue un poco complicado, la banda de Greg Graffin y Brett Gurewitz se ha convertido en un punto fundamental dentro de la historia del hardcore punk, y este año renueva sus credenciales lanzando su álbum numero 15, titulado The Dissent of Man.

Quienes esperaban (esperábamos, la verdad sea dicha) una continuación del sonido más oscuro y hardcore que apareció en álbumes como The Empire Strikes First o New Maps of Hell, nos llevaremos una sorpresa al oír un disco con un sonido menos distorsionado, que recuerda a lo que la banda presentó en su disco de 2002, The Process of Belief, con canciones que tienen un sonido que las hace muy cercanas al mainstream, como es el caso de “Cyanide”, “Pride and the Pallor” o “I Won’t Say Anything”.

En ese sentido, para algunos, la primera mitad del disco puede parecer un poco deslavada y carente de ‘punch’, situación que cambia completamente en la segunda parte con “Someone to Believe”, y temas como “The Resist Stance” y “Won’t Somebody”, los cuales ya habíamos oído en el disco en vivo que conmemoraba los treinta años de vida de la banda y del que ya se habló en este espacio.

A estas alturas del partido, se puede decir que Bad Religion es una banda que está por encima del bien y del mal en términos del legado que han dejado y de la relevancia que aún tienen. The Dissent of Man es un disco que si bien puede dejar (nos) a algunos pidiendo algo un poco mas pesado, es digno de Bad Religion.

foto por Gustavo Perdomo

Festival Ruido, fecha I:
Crystal Castles en vivo
Parqueaderos de la calle 23 con carrera 9, Bogotá
Septiembre 17 de 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Con agradecimiento especial a Andrea Torres.

Debo admitir que mi principal razón para ir a ver a Crystal Castles era, esencialmente, curiosidad. Si bien los había oído antes, y me parecía algo interesante de ver en vivo, no había llegado al punto de algunas de las personas que conozco y que planeaban ir a la presentación. Por eso mismo, había llegado al edificio de parqueaderos de la calle 23 con carrera novena en Bogotá con la intención de escribir sobre la variopinta fauna de asistentes al concierto… Esa idea quedó rápidamente desechada mientras veía a Alice Glass y Ethan Kath desde la mejor locación que me permitieron mis 1.60 de estatura, y sentía como estaba siendo arrastrado por uno de los conciertos con el sonido más visceral a los que he asistido.

Llamar a Alice Glass -con su corte de pelo de tazón y su aspecto que solo puede ser descrito como una mezcla entre puritana y punk- una ‘gran vocalista’ es ciertamente un desacierto. No porque no lo sea, sino porque no hay forma de saberlo. Los alaridos de banshee que acompañan toda la obra de Crystal Castles -obra de Ethan Kath en buena parte- cuando son escuchados en estudio le dan un aire oscuro e intrigante al disco, pero en vivo, se convierten en un muro de sonido con un poderoso beat escondido dentro de sí, que al estar disfrazado de ruido, me hizo entender por qué para algunos Crystal Castles es una banda absolutamente impotable. La otra razón de la visceralidad del concierto tiene que ver con la actitud de Glass. La combinación entre su estilo visual, y su manejo del escenario hacen que Crystal Castles en vivo sea una de esas bandas que lo dejan pensando a uno hasta 48 horas después del concierto sobre qué fue lo que vio, y cuando una banda de música electrónica logra eso, es algo bastante admirable.

Debo decir que Crystal Castles resultó ser una banda que, en vivo, me dio más de lo que esperaba. Si bien la logística del concierto cumplió a cabalidad con su labor de tratar a los asistentes al mismo como si fueran reses para arrear y los DJs invitados le dieron al asunto un feo aire a fiesta de bienvenida de semestre, lo que importaba (la banda) no decepcionó en su presentación, y eso siempre es bueno.

Interpol
Interpol
Matador, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Jeph Jacques, el autor del comic en línea Questionable Content, alguna vez comparó a Interpol con el tipo que invita a la opera en su primera cita, pero que después no sale del sitio de hamburguesas de la esquina, opinión que después de su álbum de 2007, Our Love to Admire, era totalmente justificada. Ahora, 3 años después, Interpol vuelve al ruedo con un álbum de estudio homónimo y que plantea la pregunta ¿será esta otra cita de hamburguesas en la esquina?

El mérito de Interpol consiste en haber tenido muy claro desde el comienzo cuál era el núcleo de su sonido: Un delicado equilibrio entre las guitarras resonantes pero con poca distorsión de Paul Banks y Daniel Kessler y el bajo de Carlos Dengler. Para el momento de Antics ya lo tenían bastante claro y a partir de ahí decidieron empezar a experimentar con la adición de nuevos elementos, lo que resultó en ese álbum mediocre que vino a llamarse Our Love to Admire. Para esta ocasión Interpol hizo un trabajo juicioso de sentarse a entender qué clase de elementos funcionan bien con el sonido ya establecido de la banda, un conocimiento que se manifiesta en temas como “All of the Ways” y “Try it on”, mientras que en “Always Malaise (The man I am)” o “Barricade”, Kessler, Banks, Fogarino, y hasta hace un tiempo, Dengler, entienden que ‘lo que está quieto, quieto se deja’, convirtiéndolas en canciones que recuerdan al sonido tradicional de Interpol, sin sentirse repetitivo o avejentado.

Interpol viene a ser entonces, el regreso sólido de una banda que había dejado preguntas sobre su devenir hace unos años. Si bien la partida de Carlos Dengler (quién, según declaraciones de Sam Fogarino, terminó por odiar el bajo) deja otras preguntas sobre la capacidad de la banda para mantener el balance en su sonido, el álbum es un ejercicio válido en sí mismo, y que merece una oportunidad. Ciertamente, esto fue mejor que una hamburguesa de la esquina.

Rose Elinor Dougall
Without Why
Scarlett Music, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Las Pipettes son tal vez la gran promesa incumplida de la década pasada. Tras un promisorio primer álbum, una puerta giratoria de cambios de sus integrantes ha causado que la banda se haya desdibujado por completo y estemos, cuatro años después, aún esperando su segundo álbum de estudio. En ese periodo de tiempo, algunas de sus antiguas integrantes han estado trabajando en proyectos en solitario, como Rose Elinor Dougall (Rose Pipette), que lanza su trabajo en solitario, Without Why.

El aire británico del disco es algo que arranca desde el primer corte del mismo, “Start/Stop/Synchro”, y que deja ver, en su sonido más maduro, la voz de una Rose Dougall que también ha adquirido experiencia con los años, mostrando una voz menos sacarinosa que aquella que exhibía con las Pipettes, pero que no por ello deja de tener un elemento atrayente y dulce.

En términos generales, si bien éste es un disco pop con todas las de la ley, tiene un carácter melancólico muy marcado, que puede ser atribuible al uso intensivo del reverb en cada una de sus canciones, como ocurre en “Carry On” o “Fallen Over”, siendo este último particularmente interesante, sonando como una versión más adulta de la música de una artista como Kate Nash.

Si bien algunos pueden encontrar el uso intenso de la reverberación como un punto en contra del disco, la verdad es que Without Why es un disco pop bien hecho, que demuestra que sí es posible oír a cantantes pop inglesas que no se vayan por la jugada fácil de imitar el acento (ya de por sí falso) cockney de Kate Nash o Lily Allen.

Por irónico que pueda ser, el trabajo en solitario de una de sus ex integrantes es quizá lo mejor que ha salido de las Pipettes.

Hans Zimmer
Inception: Music from the motion picture
Reprise, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Ya no hay nada que se pueda hacer al respecto. Christopher Nolan se ha convertido en el Michael Bay del público intelectualoide. No veo nada de malo en ello, por lo menos, en lo que a mí respecta, Michael Bay es un gran director y La Roca es una de las mejores películas de acción que he visto. El triunfo de Nolan consiste en poder hacer películas visualmente atrayentes que llevan una idea sólida tras de sí, como es el caso de su más reciente película, Inception, cuya banda sonora es la protagonista de la Reseña de a peso de la semana.

Esta, la primera colaboración de Hans Zimmer y Christopher Nolan sin James Newton Howard, es una muestra definitiva del estilo del compositor alemán, el cual se amolda perfectamente al estilo de la película. Si bien la banda sonora tiene un aire sobrio y elegante en cada uno de sus 12 cortes, está desprovisto de artificios neoclásicos y evoca más imágenes de modernos mastodontes de vidrio, acero cepillado y concreto, que son precisamente las sensaciones a las que apunta Christopher Nolan en la película. Al mismo tiempo, temas como Old Souls, Dream Within a Dream o Waiting for a train son canciones construidas a partir de elaborados niveles que se sobreponen unos a otros, de la misma manera que el mundo de la película con su constante cuestionamiento de lo que entendemos por realidad y lo que entendemos por sueño. En el caso del segundo tema, los cambios de ambiente que realiza constantemente lo ponen, junto a Mombasa, a pelear por el título de mejor canción de la banda sonora. Este último es un electrizante tema que en menos de 5 minutos logra evocar una ansiedad y una persecución brutales y que también funciona como tema bailable.

La marca de una buena banda sonora es cuando funciona a la perfección con la película y potencia los elementos de esta, pero cuando además de esto funciona como una unidad independiente,  logra ser una gran banda sonora. Inception: Music from the Motion Picture es una muestra de lo segundo, mostrándonos a un músico y un cineasta que ya están cómodos trabajando juntos, y dejando como resultado un álbum (con colaboración de Johnny Marr), disfrutable por si mismo, que invita a ser escuchado varias veces para descubrir los matices que nos ofrece.

Arcade Fire
The Suburbs
Merge, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Ciertamente, sería una verdad de Perogrullo el proclamar a Arcade Fire, la banda de Win Butler y Regine Chassagne, como una de las bandas más importantes que nos dejó la década pasada. Junto a Broken Social Scene, lograron darle una nueva vida al pop barroco, género que hasta cierto punto, parecía estar condenado al pié de página de la historia, reviviéndolo con una combinación de oscuridad lírica y un sonido elegante y hermoso, exploración que de una manera u otra, continúa en su tercer álbum de estudio, The Suburbs.

Sin ser un mal trabajo, Neon Bible, el segundo disco de la banda, tiene una de las manifestaciones más comunes del famoso ‘síndrome del segundo álbum’ al que se ven sometidas tantas bandas: En esa ocasión, la banda se dedicó a cambiar las cosas que no debían cambiar de su sonido, dejando intactas las cosas a las que sí podrían haberles dado un retoque. Al conocer las declaraciones de Butler que comparaban el sonido de The Suburbs como una mezcla de Depeche Mode con Neil Young, mis esperanzas sobre el disco disminuyeron bastante y temía encontrarme con algo que sonaría a todo menos a un disco interesante y más como una combinación absurda diseñada para satisfacer a uno que otro excéntrico. Sin embargo, dichos miedos quedaron rápidamente deshechos al oír un tema como ‘Month of May’, que se siente como una canción que elabora las ideas expuestas en su trabajo debut en un plano menos melancólico. Algo que también pasa con los temas en dos partes ‘Half Light‘ y ‘Sprawl‘, siendo este último particularmente admirable, mostrándonos a una banda que explora un sonido distinto al que nos tenía acostumbrados pero en sus propios términos.

The Suburbs es, esencialmente, el álbum que debió haber sido Neon Bible, haciendo los cambios donde se debieron haber hecho y dejando intactos los elementos que no merecían un cambio, dando como resultado un trabajo que si bien en algunos pasajes se oye distinto a lo que nos tenía acostumbrados la banda, se sigue oyendo como algo que podrían haber hecho ellos, y eso siempre es bueno.