Cortesía de la Casa

Mogwai
Special Moves
Rock Action, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Quienes han seguido mis reseñas por esta página, probablemente han notado el interés que he tenido hacia el post-rock, y específicamente por Mogwai. Aún así, debo admitir que me había cruzado con muy poco material en vivo de ellos, situación que se ha visto resuelta con el lanzamiento de su primer trabajo en vivo Special Moves, el cual acompaña el film en vivo de la banda, titulado Burning.

Si bien, la selección de temas del álbum, grabados durante una presentación de la banda de Stuart Braithwaite y Dominic Aitchison en Glasgow, son representativos de la discografía de la banda, con canciones que se remontan a sus álbumes Rock Action (“2 Rights Make 1 Wrong”) y Mogwai Young Team (“Cody”), son sus trabajos de la década pasada los que toman protagonismo en el setlist, con temas como “Hunted By a Freak” y “I know you are but what am I” del Happy Songs for Happy People, “Glasgow Mega-Snake” y “Friend of the Night’ del Mr. Beast y “I’m Jim Morrison, I’m dead” y “I love You, I’m going to Blow up your School” del The Hawk is Howling. Esta preferencia por los últimos trabajos del grupo, lejos de ser perjudicial, resulta siendo un plus en la medida que es en estos trabajos en los que Mogwai ha logrado tener un lenguaje más coherente, sin que ello implique que sean mejores que trabajos previos, sino que se sienten más concisos en términos de las características del sonido.

Ya hablando del álbum per se, debo decir que suena exactamente como esperaba que sonara Mogwai en vivo. El sonido de la banda, basado en combinaciones entre melodías relativamente simples y distorsiones masivas, como ocurre en “Friend of the Night” o en “Glasgow Mega-Snake”, canción que cierra el álbum con toda la fuerza y contundencia de su versión en estudio.

A pesar de su inclinación hacia posteriores trabajos de la banda, Special Moves se convierte en un perfecto muestrario de la obra de Mogwai, y que puede llegar a ser el empujón que muchos necesitan para empezar a escucharlos. Para quienes ya los conocíamos, puede ser lo que necesitemos para empezar a pensar en verlos en vivo por estos lares, algo que creo, no sería muy descabellado.

The Unwinding Hours
The Unwinding Hours
Chemikal Underground, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Así como el final de Godflesh nos dejó a Jesu, y de las cenizas de Bikini Kill surgió Le Tigre, el final de Aereogramme nos deja, tres años después, con The Unwinding Hours, proyecto encabezado por Iain Cook y Craig B. Y que presentan su álbum debut del mismo nombre.

Como es inevitable en este tipo de casos de una banda que surge tras el final de otra, es inevitable utilizar el sonido de su precedente como referente, y en ese orden de ideas, ciertamente hay una diferencia estilística entre Aereogramme y The Unwinding Hours, que en este caso no resulta particularmente chocante, quizá por el hecho que Craig B. se mantiene en las labores de vocalista de la banda. Por otro lado, el tamaño más reducido del proyecto le da una cualidad distinta al sonido, en la que apela más a elementos de programación y secuencias, como ocurre en ‘There are worse things tan being alone’, canción cuyo tercio final se encuentra poblado de un poderoso muro de ruido que termina por ahogar la voz de Craig B., mientras que ‘Knut’ sigue el canon del dream rock con una masa crítica que empieza a hacerse más y más grande con el transcurso de la canción, estallando en su segunda mitad de una forma muy parecida al sonido de una banda como The Joy Formidable, mientras que ‘Tight Rope’ es una carta de amor al dream rock de finales de los ochenta y comienzos de los noventa y ‘Peaceful liquid shell’ muestra a la banda como una versión más ligera de los italianos Klimt 1918.

The Unwinding Hours es la prueba que hay vida después de Aereogramme, y lo más importante, que es una vida digna. El sonido de Cook y Craig B., que se apega a los cánones del dream rock y el shoegaze, puede resultar un poco genérico para los cultores del género, pero tomando en cuenta el linaje de la banda, el álbum se convierte en la promesa de un sonido mas interesante.

The Great Wilderness
Afterimages of Glowing Visions
Independiente, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Debo decir que me estoy convirtiendo en un usuario asiduo de la plataforma BandCamp. Artistas como la cellista Zöe Keating hablan maravillas de las facilidades que esta provee para la distribución de su música, al mismo tiempo que con un ojo entrenado y las recomendaciones de alguien, se pueden encontrar cosas bastante interesantes, como el EP de la banda costarricense The Great Wilderness, titulado Afterimages of Glowing Visions, y disponible en su página de BandCamp y que ponemos aquí para que lo escuchen.

El sonido de esta banda conformada por Paola Rogue, Andrea San Gil, Jimena Torres y Monserrat Vargas tiene un evidente aroma a shoegaze y dreampop, con voces muy etéreas y guitarras que si bien no están particularmente distorsionadas, sí tienen cantidades significativas de reverberación, las cuales les dan un carácter muy atmosférico, apenas apropiado para temas como ‘Kiddy Plane’ o ‘Silverscreen’, mientras que ‘Ada’ le pide prestada la estructura a ‘Don’t Save us from the Flames’ de M83, aunque sin las arandelas electrónicas del dúo francés.

Aunque podría decirse que tienen un problema similar al de la banda española NordKapp (es decir, no ser particularmente originales en su propuesta), hay que reconocer el nivel técnico de la banda, que junto a cierto yo-no-se-qué hace que este EP debut sea una sorpresa bastante interesante, así como el posible heraldo de nuevas cosas por venir de parte de la banda.

Devo
Something For Everybody
Warner, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

¿Por qué habría de reseñar el más reciente álbum de Devo? Es una buena pregunta, a fin de cuentas, la banda encabezada por Mark Mothersbaugh y Gerald Casale ya tiene su lugar asegurado en la historia de la música, no es descabellado afirmar que se encuentran más allá del bien y del mal, y hasta cierto punto habría algo rutinario en el hecho de que este disco haya salido a la luz. Pero, como el mundial de futbol nos ha demostrado, no hay nada escrito, y hasta los más grandes pueden trastabillar y fracasar de la forma más miserable, y es por eso que estoy acá hablando del noveno álbum de estudio de la banda de Akron, Ohio, titulado Something for Everybody.

Cuando una banda tiene un sonido tan distintivo, y que en el caso de Devo ayudó a definir un género, existe cierto compromiso para mantenerse dentro de ciertos límites en lo que se refiere a la experimentación con su sonido, pero al mismo tiempo no puede darse el lujo de mantenerse haciendo la misma cosa so pena de ser acusados de repetición y falta de originalidad. Perfectamente conscientes de eso, Devo ha logrado un disco que le es fiel a lo que la banda ha sido durante casi cuarenta años (con ciertas interrupciones) al mismo tiempo que lo altera lo suficiente como para ser atrayente sin ser completamente distinto. ‘Fresh’, ‘Mind Games’ ‘Sumthin´’ y ‘Step Up’ tienen ese sonido constante y repetitivo que el inconsciente colectivo ha asociado con la banda a lo largo de los años, mientras que ‘March On’ tiene un sonido extrañamente bailable.

Supongo que las percepciones iniciales estaban en parte en lo correcto. Si bien no iba a ser algo rutinario, el noveno álbum de Devo resultó ser lo que prometía: un disco con la cantidad adecuada de sorpresas (la verdad sea dicha, un poco menos de esas sorpresas), agradable de escuchar, y que funciona como la postal de unos viejos conocidos un tanto excéntricos, y que siguen haciendo las cosas bien.

How to Destroy Angels
How to Destroy Angels EP
Independiente, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

El final de Nine Inch Nails representó el cierre de uno de los capítulos más importantes en la música de los últimos veinte años, y dejó a muchos de nosotros pensando qué seguiría para Trent Reznor. La espera ha terminado y la pregunta ha sido respondida con How to Destroy Angels, el proyecto que encabeza junto a su esposa Mariqueen Mandig y Atticus Ross, quienes presentan su primer EP homónimo.

Cuando empezó a surgir la expectativa sobre el proyecto a partir de videos y fotografías, la similitud con el estilo visual de Nine Inch Nails en sus últimos trabajos (Ghosts I-IV) se hizo evidente, lo cual se explica al tomar en cuenta la participación del colaborador de larga data de NIN, Rob Sheridan. Musicalmente hablando, las seis canciones del EP siguen la misma línea de los últimos trabajos de Nine Inch Nails, especialmente del Ghosts I-IV, lo cual tiene sentido al ver que Atticus Ross también hace parte del proyecto. ¿El resultado? Canciones magnificas como ‘The Spaces in Between’ y complejas como ‘The Believers’, mientras que ‘A Drowning’ tiene un sugerente aire minimalista.

Sin embargo, ahí es donde acaba la dicha. Mientras que ‘Fur lined’ es, esencialmente, un autoplagio de ‘Only’ (canción del With Teeth), ‘BBB’ es tan repetitiva que se hace tediosa hasta el punto de querer pasar a la siguiente canción cuando va por la mitad y ‘Parasite’ es tan genérica comparada con anteriores trabajos de Reznor que no resulta nada particularmente interesante. Si bien era cierto que cualquier proyecto que Trent Reznor lanzara posterior a Nine Inch Nails no sería muy bien visto, la verdad es que objetivamente hablando, el EP de How to Destroy Angels no ofrece nada mas allá de canciones de NIN con voz de mujer. Sin embargo, no debemos olvidar que este es un primer intento, y que con el paso del tiempo saldrá algo que suene menos como Nine Inch Nails y mas como How to Destroy Angels.

Solo el tiempo lo dirá.

Nordkapp
Temporada de Caza
Independiente, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Hablar de géneros musicales es de esas cosas que uno puede arruinar de una manera sorprendentemente fácil, ya sea de manera voluntaria o involuntaria, siempre existirá la posibilidad de crear una especialización excesiva como la que vemos en los miles de subdivisiones del metal, pero los últimos años nos han mostrado un surgimiento genuino del post-rock, que deja de reducirse a Inglaterra y Estados Unidos, como lo demuestra la banda española  con su EP Temporada de Caza, disponible de manera gratuita en http://www.nordkapp.bandcamp.com

Hemos llegado a un punto en el desarrollo del post-Rock en el que se pueden establecer tres vertientes bien definidas. Por un lado, tenemos a bandas como Mogwai con un sonido basado en distorsiones fuertes de sus guitarras, propuestas con un componente más electrónico como 65daysofstatic o incluso Errors, y bandas como Explosions in the sky, con un sonido más limpio, sin tantas distorsiones o secuencias, pero que aun así es capaz de lograr texturas interesantes a partir de capas de sonido que se ponen una encima de la otra, jugando con el ordenamiento de dichas capas.

Esto último es lo que se ve de manera sorprendente en temas como El oso y el lobo de este EP de Nordkapp, mientras que las limpias guitarras de Indios y Vaqueros y La mente del lobo se sienten como cortinas que se deslizan en una compleja y sutil coreografía que lleva a quien la escucha del punto A al B sin darse cuenta. Sin embargo, ahí es donde reside la falla trágica del EP. Esas características antes mencionadas, que han sido manejadas tan bien por Explosions in the Sky, son simplemente copiadas por la banda de Barcelona sin mayor desarrollo o elaboración, hasta el punto de replicar a la perfección esa sensación de alivio de tensión que logra la banda texana en sus canciones en ciertos puntos.

Si bien, para quien ya está familiarizado con el género, este trabajo no ofrecerá nada particularmente novedoso, quienes aun se sientan un poco intimidados por el nombre post-rock encontrarán en Temporada de caza un punto de partida interesante para conocer más del que es uno de los desarrollos más interesantes de la música en los últimos años.

Julián Mayorga. Foto: Ana María Fandiño

Sesiones Mínimas
Colectivo Mantarraya
Ego;, Julián Mayorga, Bicicleta, Mau Gatiyo
Teatro R101, Abril 11 de 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Son más o menos las cinco y media de la tarde cuando estoy parado a la entrada del teatro R101 fumándome un cigarrillo resguardado de la lluvia que cae. Cuando voy más o menos por la mitad del cigarrillo, suelto un estornudo y mi nariz se siente un poco congestionada… Solo espero que la gripa no empiece a atacarme en la mitad de la primera edición de las Sesiones Mínimas, evento organizado por la fundación Barrio Colombia y que tuvo presentaciones de Ego; (Andrés Gualdrón y Juan Pablo Bermúdez), Julián Mayorga y Mau Gatiyo.

El concierto arranca con Juan Pablo Bermúdez a un lado del escenario, descalzo y con una guitarra acústica colgada de sus hombros, haciéndole justicia a algo que me había comentado anteriormente ‘Con elementos pequeños, lograr algo muy grande’ me explicaba antes que arrancara el evento, idea que elaboraría posteriormente Julián Mayorga ‘Es una cosa que nosotros hemos ido trabajando (…) trabajar con muchos elementos chicos independientemente y que, de eso, se forme una cosa que termine explotando’. La primera parte del concierto, a cargo de Juan Pablo y Andrés Gualdrón (Ego;), le añade una nueva dimensión al sonido del proyecto, al que ya he podido seguir desde hace unos tres años y ha viajado desde un sonido muy influenciado por My Bloody Valentine a un pop de corte más experimental.

Andrés Gualdrón. Foto: Ana María Fandiño

Desprovistos de las secuencias y elementos programados asociados a su sonido, me encuentro con una criatura distinta a la que he oído en anteriores ocasiones ‘Todo nuestro material tiene adornos electrónicos, pero si te vas al centro de la música, te das cuenta que soportan la prueba de guitarra y voz  porque así es como fueron escritas’ dice Andrés cuando le pregunto cómo hacer el paso de un sonido con fuertes influencias electrónicas a un sonido más acústico y no morir en el intento ‘Es muy refrescante prescindir de ese componente de las secuencias porque implica un acercamiento demasiado estricto al tiempo, no hay variaciones, pero cuando uno se zafa de ese elemento puede matizar la música de maneras más libres’. Aprovecho la ocasión para preguntarle a Andrés sobre las diferencias en el sonido de Ego; en estudio y en vivo. ‘La cosa con Ego; es que nada es estricto… Lo que sale en el disco es solo una versión más de una canción… Se pueden hacer treinta mil productos finales a partir de la idea básica de una canción’.

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The Dillinger Escape Plan
Option Paralysis
Party Smasher, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Cuando se puede hacer una descripción bastante gráfica del efecto que tiene la música de una banda o artista en particular sobre uno, podría decirse que dicha banda o artista están haciendo un buen trabajo, en este caso en particular, el cuarto álbum de estudio de The Dillinger Escape Plan, Option Paralysis, me tomó de la cara, me estrelló contra el piso y me arrastró hasta la pared para estrellarme contra ella.

Al igual que Mastodon, la banda liderada por Greg Puciato tiene una sorprendente habilidad para explorar una misma idea desde distintos ángulos, logrando una lectura fresca y atrayente en cada álbum que lanzan. En ese sentido, hay una diferencia entre Option Paralysis y su anterior disco, Ire Works. Mientras que el trabajo de 2007 concentraba el sonido de la banda en pequeñas dosis que en ocasiones no pasaban de los dos minutos, los temas más largos de Option Paralysis le permiten a la banda explorar con cambios dinámicos y de ritmo dentro de las canciones, como es el caso del tema que abre el disco, ‘Farewell Mona Lisa’, el cual arranca con una andanada de sonido que hubiera sido muy difícil de mantener (y de escuchar), pero que empieza a modular su intensidad en el momento indicado, algo que también aparece en temas como ‘The Widower’ o ‘Room Full of Eyes’; por otro lado, ‘Endless Endings’, ‘GoodNeighbor’ y ‘Crystal Morning’ son temas que recuerdan anteriores épocas con agresión contenida en poco más de dos minutos. El disco es cerrado por ‘Parasytic Twins’ que funciona como un descanso con respecto al sonido de las canciones precedentes.

Con un nuevo baterista (Billy Rymer), que con casi un año y medio dentro de la banda está acoplado al sonido de Dillinger Escape Plan, Option Paralysis es un álbum que suena menos experimental que otros trabajos recientes de bandas similares (Como el caso del Axe to Fall de Converge), pero que es ciertamente recomendado para aquellos que están buscando un poco mas de agresión y contundencia en su música.

Bad Religion
30 Years Live

Por: Julián F.  Gutiérrez

El mail con el código de descarga llegó hoy en la mañana, encabezado con un entrañable “Dear Julián”. Al final, hay una foto de ellos seis sentados en una mesa de parque casi que diciendo “Hombre, ojalá pudieras estar acá”.

Resulta difícil creer que esos seis hombres que ya están en su mayoría en la mitad del cuarto piso hayan sido una de las fuerzas más importantes en el punk durante los últimos treinta años. Greg Graffin está  cada vez mas calvo, su cara se ha hecho más gorda y tiene un aspecto ciertamente bonachón, mientras que el pelo de Brett Gurewitz se hace más y más gris al mismo tiempo que Jay Bentley deja de ser el Galán del Punk para ser el Galán Otoñal del punk, pero eso evidentemente no podría importar menos; Bad Religion está más vital que nunca, como lo muestra su álbum 30 Years Live, disponible para descarga gratuita a quienes están inscritos en la lista de correo de la banda.

Muchas bandas punk parecen no envejecer con dignidad. Seamos honestos, a pesar de lo mucho que significan para el género, los Ramones se quedaron metidos en la época de los álbumes anteriores al End of the Century, convirtiéndose en una caricatura de sí mismos como lo demostraron algunos de los discos lanzados en los años ochenta. Cuando vi a los Misfits en Theatron hace 4 años me pareció por un momento ver a esas bandas de metal que más de veinte años después no la lograron y llegan a una persistencia que es casi patética, y ni me hagan hablar de Green Day (Aunque ciertamente, espero poder verlos en octubre), pero al oír los temas de este disco se siente como si el tiempo no hubiera hecho demasiada mella en el sonido de la banda, siendo una experiencia tan contundente como uno podría imaginar, sin tantos “Oozin’ Aahs” (sus famosas armonías vocales) y si con un sonido que raya en el hardcore clásico, lo que es entendible tomando en cuenta que es un álbum en vivo. El setlist por otro lado, no podría ser más representativo de la banda cubriendo las épocas del How Could Hell Be Any Worse?, The Process of Belief, The Empire Strikes First, Recipe for Hate y Against the Grain, entre otros.

Con una canción nueva (‘Resist-Stance’) que no tiene nada que envidiarle a anteriores épocas y una muestra de 30 años de carrera, Bad Religion es una banda que ya está por encima del bien y del mal y deja ver de lo que aún es capaz. Yo solo espero poder verlos en vivo, o en su defecto, colarme en alguna clase de las que da Greg Graffin en la Universidad de California.

Broken Social Scene
Forgiveness Rock Record
Arts & Crafts, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

No es descabellado decir que Broken Social Scene es la banda más importante que ha salido de Canadá en los últimos diez años, no solo por lo que ha logrado en sí misma, sino por sus vínculos con otras bandas y artistas, como lo demuestra el hecho que Emily Haines (Metric) y Leslie Feist hayan pasado en algún momento por su formación. Es por eso, que muchos estábamos esperando el siguiente trabajo de la banda tras su disco homónimo de 2005. Pues bien, la espera ha terminado con su más reciente trabajo, Forgiveness Rock Record.

Hay que admitir que la espera se hizo un poco más llevadera con los trabajos en solitario de Brendan Canning y Kevin Drew, Something for all of us y Spirit If… respectivamente; aún así, no era lo mismo que un disco de Broken Social Scene en propiedad, sin embargo, la espera ciertamente valió la pena…  El álbum lanzado en 2005 marcaba una nueva dirección en el sonido de la banda, en el que la vena ambiental y atmosférica de trabajos como You forgot it in people era abandonada para ir en la búsqueda de un sonido que si bien seguía siendo igual de solido, era una solidez lograda a través de distintos medios, recurriendo a capa tras capa de guitarras en lugar de otra instrumentación, como ocurre en ‘Meet me in the basement’, ‘Water in hell’ o ‘Sentimental Xs’ (canción en la que aparece Emily Haines), al mismo tiempo que ‘Chase Scene’ recuerda al sonido del más reciente trabajo de Yo la tengo, pero visto bajo la óptica del colectivo canadiense.  Así mismo, haciéndole honor a su etiqueta de ‘Pop Barroco’, cada una de las 14 canciones que compone el álbum está llena de tantos pequeños detalles que la mejor manera de escucharlo es armado de los mejores audífonos a los que se pueda tener acceso y un par de copas del licor de preferencia a bordo.

Si bien, quienes aún añoran al Broken Social Scene de antes encontrarán en canciones como ‘Ungrateful Little Father’ reminiscencias de ese sonido, el álbum como conjunto profundiza el camino que la banda empezó a recorrer hace desde 2005 y que al parecer, no planea abandonar. Si bien lo hace a través de otros métodos, Forgiveness Rock Record establece a Broken Social Scene como la banda de pop barroco por antonomasia con un sonido lleno de detalles sin ser hostigante y que confirma al colectivo canadiense como uno de los protagonistas más importantes de la escena musical (si no el más importante) del país de Pierre Trudeau y la Real Policía Montada.