Cortesía de la Casa

Como es habitual, inicia un nuevo año y yo lo recibo acá, en Cortesía de la Casa, recordando los discos que marcaron mi año que recién terminó. Es única, personal e intransferible, y refleja mi emoción por el género canción. Al final sumé tres bonus a la lista, se trata reediciones y compilados tan emocionantes como los álbumes mismos que les anteceden.

1. Tom Petty and the Heartbreakers – Hypnotic Eye: Seré honesto aunque me pueda condenar por ello: soy incondicional con la obra de algunos artistas, y Tom Petty es uno de ellos. Dicho lo anterior, y sin temor a ruborizarme, considero que, una vez más, Petty y los Rompecorazones han facturado un álbum de muchísima altura y elegancia, como es habitual en ellos. En él se conjugan melodías pop, ritmos contundentes y canciones que reflejan los sentimientos y pensamientos de un hombre que conoce todas las trampas, las excepciones y las verdades del rock and roll y, por ello mismo, encarna su espíritu. (No sobra recomendar, y mucho, el álbum “You should be so lucky” el primer trabajo en solitario de Benmont Tench, tecladista de los Heartbreakers).

2. The War on Drugs – Lost In the Dream: Quien lo escucha por primera vez sabe que está frente a un álbum clásico, con todas sus letras. La exploración sonora de Adam Granduciel en sus trabajos previos al frente de TWOD, acompañado en un tramo del camino por el gran Kurt Vile, le ha llevado a crear un disco de canciones pop en las que se permite la experimentación sónica extendiéndolas y creando atmósferas hipnóticas sobre las que levanta melodías contundentes que dan en la diana del corazón. Resulta emocionante esa evocación instantánea a los momentos más íntimos del Dylan de los 80’s, de Petty o de Springsteen, pero emociona aún más esa certeza, instantánea también, de un presente radiante y poderoso en las manos de Granduciel.

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Charly García no se cansa de citar a Woody Allen cuando dijo que la civilización occidental se acabó el día los Beatles llegaron al Top 1 con ‘I want to hold your hand’ en los Estados Unidos; y la razón les asiste. Suene exagerado o no la vida del mundo cambió el 7 de febrero de 1964. Esa fiebre que en los States fue aumentando gracias a la astucia de Brian Epstein y la ayuda de Ed Sullivan y el disc jockey Murray the K, se fue desparramando por el resto del continente americano hasta llegar a Bogotá.

Acá el ambiente también se fue enrareciendo. Al igual que Murray the K, el joven disc jockey Jimmi Raisbeck realizó una campaña publicitaria para entusiasmar a la muchachada rockera colombiana que escuchaba Radio 15. Mientras importantes diarios nacionales se referían a ellos como “el cuarteto cómico musical”, Raisbeck, aún sin tener los discos promocionales de los Beatles, fue hablándoles de ellos, endulzándoles el oído, presentándolos casi como personajes fantásticos.

De la misma manera que cuando los Beatles aterrizaron en el John F. Kennedy de Nueva York, la histeria se desató en la juventud bogotana cuando escucharon sus canciones. Y por supuesto, el rock nacional se hizo sólido gracias a los Beatles y a la idea de que el rock en formato de grupo era más emocionante. A continuación disfrute de cinco canciones -y un bonus track- que reflejan el impacto y la influencia inmediata de los “Fab Four” en los albores del rock colombiano.

1. Slow down – Los Flippers (1966): Compuesta por Larry Williams en 1958 es una rareza en la discografía de los Beatles, grabada para el EP “Long tall Sally” apenas un par de meses después de su regreso de Estados Unidos en 1964. A diferencia de la cadencia boggie de la versión de los Beatles, la de los Flippers, que apareció en su disco de debut titulado “Discotheque” en 1966, lleva impresa la ferocidad y excitación del rock colombiano de aquellos años. Una socarrona adaptación al castellano, la voz de Miguel Durier y las guitarras de este y Arturo Astudillo dan fe de ello.

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No acaba de iniciar 2014 y ya se habla de los discos que harán historia en el nuevo año, pero como es habitual desde hace un tiempo, pasadas las fiestas, presento acá, en Cortesía de la Casa, las grabaciones editadas en 2013 que más me representaron alegrías y sorpresas. Refleja, básicamente, mi afición por la canción popular, nada más que eso, y mi deseo por contagiar un poco a los lectores curiosos de esa alegría hecha música.

1. David Bowie – The next day: Así como hiciera Ziggy Stadust en 1973, treinta años después, casi como por arte de magia, David Bowie desapareció de los escenarios (con excepción de contadísimas ocasiones), las galerías, las pasarelas y las tiendas de discos. Y al día siguiente, que fueron diez años más, como por arte de esa misma magia que es su capacidad para corresponder a los tiempos, volvió para decir presente y seguir sentando cátedra. La mañana del 8 de enero de 2013, el día de su cumpleaños 66, Bowie sorprendió a toda la humanidad con un sencillo que anunciaba una nueva y esperada grabación. “The next day” no sólo es un álbum valioso y gozoso porque represente su regreso, no, también es un disco que continúa con esa intención del Bowie de principios de siglo por volver sobre sus pasos con maestría para extender y actualizar sus inquietudes sonoras y su imaginario personal, parándose esta vez en la frontera que separa los años setenta de los ochenta o, dicho de otra forma, a “Lodger” de “Scary monsters”.

2. Ariel Rot – La huesuda: Siete discos en estudio después de la separación de Los Rodríguez, Ariel Rot sigue confirmando que la elegancia rockera lleva su nombre. Un “grandes ligas” que, injustamente tratado por la industria y los medios pero a la misma altura de apellidos como Nebbia, García o Ríos, se mantiene incólume, resistiendo y haciendo lo que sabe: canciones enormes. Y no falla. Como sus registros anteriores
“La huesuda” es un disco de altísima orfebrería tanto en lo musical como en sus letras; nada que resulte extraño para quienes le hemos seguido la pista desde 1997 pero sí muy gratificante. Sin que las guitarras cedan su protagonismo, el piano y las canciones de tiempos medios adquieren mayor relevancia en un álbum en el que el desencanto -síntoma de los tiempos que corren- pasado por el filtro de la aceptación nos permiten encontrar al Ariel Rot más corrosivo de los últimos años.

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Cuesta trabajo comprender el significado de esta visita. Esta situación que creímos proscrita luego que la formación original se separara a inicios del 2007, luego de realizar su primer y último concierto en latinoamérica (Buenos Aires, Personal Fest 2006). Es casi como una especie de sueño que esperamos por tantos años y se concreta, solo equiparable a experiencias que parecían propias de la utopía o la ficción más ambiciosa.

Video: “Crystal” en vivo durante el Festival Hultsfred 2012 (Y Bernard Sumner se da un guarapazo durante el show).

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Con medio mes transitado de 2013 y noticias de regresos insospechados -sí, Bowie, obvio-, sencillos promocionales y anuncios musicales ansiosos, por montones y para todos los gustos; como es habitual desde hace dos años aprovecho este espacio en Cortesía de la Casa para compartir con los lectores los 15 discos editados en 2012 que más me gustaron y emocionaron. Por supuesto que se trata de una lista muy personal en la que, fiel a mi afición por la canción, los cantautores o cancionistas -o como cada quien prefiera llamarlos- se llevan el protagonismo; en ese sentido, la siguiente lista no pretende recomendar lo mejor del año, ni parecido, tampoco prescribir algún tipo de solución sonora para el mal de escucha, como bien lo menciona el gran Juan Puchades en su más reciente columna. Dicho lo dicho, acá están los discos que más disfruté en 2012.

1. Leonard Cohen – Old ideas: Pregunta malvada: ¿Cuánto le debemos los amantes de la obra de Leonard Cohen a su exagente y posterior estafadora Kelley Lynch? Que sea el lector quien responda. Pasaron ocho larguísimos años en los que el silencio se mezcló con el homenaje constante para que el cantautor canadiense volviera a editar un (inesperado) álbum de estudio. Después de una gira mundial de dos años, inspiradora y colmada de devotos, y la edición de tres discos en directo; Cohen, quizás a manera de agradecimiento, quizás también para terminar de reforzar sus arcas, presentó un álbum tan hondo como todos los editados hasta entonces. Su voz cavernaria y casi extinta, se apoya y se hace fuerte y presente gracias a una instrumentación crepuscular para hacer de esas diez ideas viejas un nuevo tramo en el camino hacia la verdad, dolorosa y sublime pero necesaria. Inefable como siempre Leonardo.

2. Xoel López – Atlántico: La inmensidad del océano que da título al primer disco de Xoel López firmado con su propio nombre está abarcada en las doce canciones que componen el álbum. Como resultado del autoexilio artístico que le representó escapar del estrellato, encontrar su hogar en Buenos Aires, recorrer el continente americano y atravesar el charco muchísimas veces, Atlántico canaliza toda la experiencia y la riqueza adquiridas por Xoel en cada país, en cada estación, en cada parada; y se siente y se disfruta. No se trata de un disco español, tampoco de uno americano; el epicentro de Atlántico y a su vez el quid del disco es la importancia que adquiere la percusión en las canciones del coruñés, llevándolas a un puerto desconocido, nuevo si se quiere, construido por la inquietud sonora efervescente de un músico genial que, sin duda, descree de las fronteras y alejado de los discursos y las declaraciones de prensa, lo demuestra canción tras canción. http://www.xoel.com/

3. Bob Dylan – Tempest: La obra de Dylan atraviesa  y condensa todas las fuerzas vitales y poderosas de los últimos 60 años, a su vez, dichas fuerzas lo atraviesan y lo condensan a él. Pocas cosas han escapado a sus canciones mientras que él se dio a la fuga desde chico para entregarse a ella, a la canción. A diferencia de otros mitos rodantes de la música popular, Dylan no celebró sus 50 años de carrera con un compilado triple y dos canciones nuevas obvias, no. Dylan sacó un as (otro) bajo su manga: “Tempest” su álbum número 35 en estudio que reúne 10 canciones que manifiestan el pasado, el presente y el futuro vistos por un hombre de 71 años que rockea mientras camina por carreteras y calles polvorientas en canciones largas, oscuras y socarronas; simpatizando con los marginados, que no desvalidos; revisitando su tradición particular, que lo incluye, para no perder ese impulso juglar que lo ha convertido en una voz necesaria, que espina y que encanta.

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El Superbowl se ha convertido en un evento llamativo dentro de nuestro entorno inmediato con la amplia penetración tanto de la televisión por cable como de la satelital, además de internet. La especialidad atlética – que para el televidente promedio de nuestro país es tanto arcana como lejana – ha comenzado a tener una interesante sintonía en lo que se refiere al menos a su última contienda de la temporada.

Una razón muy significativa para esto es el espectáculo de medio tiempo, el que ha ganado considerable popularidad entre los tele-espectadores, precedido por un sólido repertorio de actos provenintes de la música popular de altísimo perfil y reconocimiento orbital. Y es que hasta cierto punto es correcto sostener que el entusiasmo por el fútbol americano ha amuentado paralelamente con la expansión mediática del superbowl; y este a su vez se ha robustecido con llamativas presentaciones que tienen lugar en el receso de mitad del partido.

Es posible que este cinco de febrero en la tarde muchos de aquellos que no son adeptos al juego lleguen por curiosidad a sintonizar la transmisión; y ess por tal motivo que, sin entrar en pormenores casuísticos, esta escueta reseña se dirige a recapitular algunos de los momentos más sobresalientes de este nuevo referente de la cultura popular como lo es half time show del superbowl.

Y es que la audiencia del supertazón se ha vigorizado a través de este intermedio – que es junto a los comerciales tanto más esperado que el propio enfrentamiento en el emparrilado – convirtiéndose asi en un tema de interés nacional con antelación y posterioridad al juego. Eco de lo señalado es es su recientemente adquirida notoriedad más allá de las fronteras naturales del deporte y de la unión americana.

En la pasada década tuvieron lugar interesantes presentaciones que ayudaron a consolidar al evento, reforzando una generosa entrada por los derechos de emisión alrededor de nuestro ancho mundo emitido en directo.

Aquí va una lista de las cinco presentaciones que contribuyeron a la novísima pátina del evento en el extranjero. No es coincidenacia que muchas tuvieran lugar durante el último decenio, en el cual la audiencia de cada superbowl ha superado a la de su versión predecesora. Este es un recuento que va bien tanto para el aficionado de las tackleadas como para aquel cuya motivación es exclusivamente el entre acto: mucho más si se trata de algún potencial paisano cuyo propósito es ver por primera vez el divertimento en cuestión.

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Con agradecimiento especial a Natalia Rubio y HATE-LOVE

Y bien, la fecha llegó. Inní, la película que muestra el concierto que Sigur Rós dio en el Alexandra Palace de Londres en 2008 fue proyectada en el Espacio Odeón de Bogotá, y la pregunta que cabe hacerse es, ¿Si aguantó?

A la hora de hablar de Inní, existe la ventaja que es posible hacer una comparación entre esta y Heima, el documental de 2007 que muestra la gira de conciertos que la banda realizó junto a Amiina en Islandia durante el verano de 2006, y no se requiere mucho esfuerzo para ver que ambos filmes se paran en orillas completamente opuestas. El documental de 2007 es un esfuerzo deliberado por mostrar como es el hogar de la banda (No en vano Heima significa ‘En Casa’), mientras que la película de 2001 se concentra exclusivamente en el concierto, con solo unos pequeños fragmentos de entrevistas a la banda y conciertos de sus primeras épocas, que solo sirven para potenciar la atención dada a la presentación de 2008, y aunque no tiene relación, cabe anotar que hasta ayer descubrí que Jón Þór Bírgisson tiene un ojo perezoso.

Musicalmente hablando, Inní es bastante efectivo en su presentación. Quizá conscientes de lo poco accesible a la escucha que puede llegar a ser el material de sus primeros discos, las canciones seleccionadas por la banda y el director Vincent Morriset se concentran en sus tres ultimos trabajos, ( ), Takk… y Með suð í eyrum við spilum endalaust, los cuales presentan un sonido mas digerible y que le permitió al director explotar la principal fortaleza (visualmente hablando) de Inní. La única manera en la que puedo describir la cinematografía de este trabajo es pensando en una película muda de comienzos del siglo XX. Es un fortísimo blanco y negro que crea la impresión que el Alexandra Palace estaba completamente solo a excepción de la banda islandesa, y esa paleta de colores unida al parpadeo de la imágen y las sobreexposiciones de la película le dan un caracter muy distintivo y sugerente. Aunque brillaron por su ausencia temas como Hoppipolla o Glósoli, el setlist de Inní es un setlist representativo del sonido de Sigur Rós en la actualidad, menos etereo que en sus primeros pasos y mas cercano al post-rock, en una vertiente distina a la de bandas como Mogwai o Explosions in the Sky.

Habiendo expuesto todo lo anterior, se puede decir que si. Inní si aguantó. La proyección de la película en varias funciones a lo largo de la noche fue un acierto y que demostró que si hay un público para este tipo de eventos, y lo mas importante, un público para una banda como Sigur Rós.

Como creo que muchos, yo también me alcancé a ilusionar con la idea de un concierto de Sigur Rós en Bogotá este noviembre, aunque la verdad, se me hizo raro tomando en cuenta que la banda está en hiato indefinido desde hace poco mas de un año. Habiendo aclarado la confusión y tomando en cuenta que es una proyección de su álbum/DVD Inni, la pregunta inevitable es: ¿sí aguanta ir?

Es fácil pensar en la proyección que se va a realizar este 12 de noviembre en el Espacio Odeón como una versión glorificada de los videoconciertos que uno tenía que patearse cuando estaba en la universidad, pero la verdad es que va mas allá de eso. En primer lugar, Sigur Rós es una banda que ha recorrido un arco particularmente interesante en los últimos siete años. Su álbum “( )”, aunque ha envejecido bastante bien con el paso del tiempo, en un comienzo corroboró la idea que tenía de la banda como un ruido etéreo e insoportable, opinión que cambió con “Takk…” y que cambió aun mas con “Með suð i eyrum við spilum endalaust”, lanzado en 2008. El concierto que aparece en Inni, grabado en ese año se convierte en una cápsula del tiempo bastante interesante pues, en teoría, nos mostraría a una banda que justo acaba de llegar a ese extraño balance entre lo tremendamente personal y lo digerible por los demás, y está dispuesta a hacer lo que quiera estando en ese lugar. Por otro lado, a diferencia de “Heima”, su otro documental/presentación en vivo, que tenía un estilo más directo y convencional, hay algo tenebroso y bello a la vez en el estilo visual de Inni que lo hace una experiencia que puede valer la pena, mas allá de su valor musical.

La otra razón para asistir es una razón mas pragmática. En la medida que los conciertos se están convirtiendo en una fuente de ingresos más grande para las bandas y músicos, empiezan a cuidar sus inversiones… Situaciones como la de la presentación de Los Campesinos! en 2009 son la excepción antes que la regla, y no resulta descabellado que la proyección de Inni puede ser una especie de estudio de mercadeo por parte de la banda para evitar una situación como la del concierto de Belle & Sebastian el año pasado.

Curiosamente, resultó mas fácil encontrar razones para hacer algo que para no hacerlo. Pegarle una mirada a la proyección de Inni este 12 de noviembre en el espacio Odeón puede ser una buena idea que termine contribuyendo a cosas mas grandes. O sea que sí, es posible que aguante, y mucho.

MARKY RAMONE DJ. SET
Jueves 19 de mayo, 2011
La puerta Grande
Bogotá, Colombia
$20.000

MARKY RAMONE & MICHALE GRAVES
Viernes 20 mayo
Teatro Las Vegas Nevada
Calle 59 No. 13 – 65
Bogotá, Colombia
Preventa: $80.000 (300 Boletas)
Taquilla: $100.000

Marc Bell seguramente pudo ser un apacible cajero bancario en algún rincón de la Gran Manzana y estar esperando su jubilación en este momento. Lastimosamente para la industria bancaria se hizo baterista y empezó a tocar desde muy joven con diferentes bandas amateur. Su primer salto fue en 1971 en la agrupación rock Dust. Luego de grabar dos discos con ellos fue serio candidato para reemplazar al fallecido Billy Murcia, baterista de origen colombiano en los New York Dolls. En 1974 fue contratado para la banda de Wayne County (quien se convirtió en Jayne County) los Back Street Boys y un tiempo después su amigo Richard Hell, ex miembro de Television y The Heartbreakers, lo reclutó para su banda The Voidoids en la segunda mitad de la década del setenta.

En 1978 vino el hecho más relevante de su carrera, una banda de sonido chatarrudo y vibrantes presentaciones en vivo, que había sido producida por el primo de Bon Jovi, lo contrató entre sus filas para reemplazar a Thomas Erdelyi, y de esta forma el joven de 22 años entró a la familia más famosa del punk rock en la historia: The Ramones. Incluso se le permitió cambiar su nombre, “ahora serás Marky Ramone“, parafraseando a Zé Pequeño en Ciudad De Dios. Siga leyendo »

Javiera Mena

Este es el segundo año en el que la Fundación Gilberto Alzate Avendaño se la juega con el Festival Centro, un evento musical que quiere activar (¿reactivar?) el centro de Bogotá como un punto clave para la escena musical joven.

Durante los cinco días del festival, la oferta de bandas locales y extranjeras es variada. La cosa pinta bien y tiene bastante futuro, a menos que llegue alguien a pegoteárselo, lo dejen untar de decisiones políticas o lo dejen estancar en lo trillado, al mejor estilo Rock al Parque.

Cortesía de la Casa hace esta lista de lo que considera chévere, lo anti-chévere y otras cosas con las que no hemos podido definirnos con respecto a este festival, que toma fuerza en la ciudad.

Lo chévere.

Javiera Mena: Javierita tiene un aire de cheveridad y buena onda que es mil veces su estatura. No importa tanto que su disco haya estado en los primeros lugares de cuanta lista de rock alternativo latino existente en la red.

Lucrecia Dalt: Pensamos por un momento que su nuevo nombre era por el señor Dalt, pero realmente es “subir” en catalán. Después de 3 años de vivir en Barcelona vuelve a Colombia y ojalá sea muy, muy ruidosa. (Cómprenle el disco Congost, está bueno).

Lido Pimienta: Queremos ir a un karaoke con ella.

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