Cortesía de la Casa

Rose Elinor Dougall
Without Why
Scarlett Music, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Las Pipettes son tal vez la gran promesa incumplida de la década pasada. Tras un promisorio primer álbum, una puerta giratoria de cambios de sus integrantes ha causado que la banda se haya desdibujado por completo y estemos, cuatro años después, aún esperando su segundo álbum de estudio. En ese periodo de tiempo, algunas de sus antiguas integrantes han estado trabajando en proyectos en solitario, como Rose Elinor Dougall (Rose Pipette), que lanza su trabajo en solitario, Without Why.

El aire británico del disco es algo que arranca desde el primer corte del mismo, “Start/Stop/Synchro”, y que deja ver, en su sonido más maduro, la voz de una Rose Dougall que también ha adquirido experiencia con los años, mostrando una voz menos sacarinosa que aquella que exhibía con las Pipettes, pero que no por ello deja de tener un elemento atrayente y dulce.

En términos generales, si bien éste es un disco pop con todas las de la ley, tiene un carácter melancólico muy marcado, que puede ser atribuible al uso intensivo del reverb en cada una de sus canciones, como ocurre en “Carry On” o “Fallen Over”, siendo este último particularmente interesante, sonando como una versión más adulta de la música de una artista como Kate Nash.

Si bien algunos pueden encontrar el uso intenso de la reverberación como un punto en contra del disco, la verdad es que Without Why es un disco pop bien hecho, que demuestra que sí es posible oír a cantantes pop inglesas que no se vayan por la jugada fácil de imitar el acento (ya de por sí falso) cockney de Kate Nash o Lily Allen.

Por irónico que pueda ser, el trabajo en solitario de una de sus ex integrantes es quizá lo mejor que ha salido de las Pipettes.

Hans Zimmer
Inception: Music from the motion picture
Reprise, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Ya no hay nada que se pueda hacer al respecto. Christopher Nolan se ha convertido en el Michael Bay del público intelectualoide. No veo nada de malo en ello, por lo menos, en lo que a mí respecta, Michael Bay es un gran director y La Roca es una de las mejores películas de acción que he visto. El triunfo de Nolan consiste en poder hacer películas visualmente atrayentes que llevan una idea sólida tras de sí, como es el caso de su más reciente película, Inception, cuya banda sonora es la protagonista de la Reseña de a peso de la semana.

Esta, la primera colaboración de Hans Zimmer y Christopher Nolan sin James Newton Howard, es una muestra definitiva del estilo del compositor alemán, el cual se amolda perfectamente al estilo de la película. Si bien la banda sonora tiene un aire sobrio y elegante en cada uno de sus 12 cortes, está desprovisto de artificios neoclásicos y evoca más imágenes de modernos mastodontes de vidrio, acero cepillado y concreto, que son precisamente las sensaciones a las que apunta Christopher Nolan en la película. Al mismo tiempo, temas como Old Souls, Dream Within a Dream o Waiting for a train son canciones construidas a partir de elaborados niveles que se sobreponen unos a otros, de la misma manera que el mundo de la película con su constante cuestionamiento de lo que entendemos por realidad y lo que entendemos por sueño. En el caso del segundo tema, los cambios de ambiente que realiza constantemente lo ponen, junto a Mombasa, a pelear por el título de mejor canción de la banda sonora. Este último es un electrizante tema que en menos de 5 minutos logra evocar una ansiedad y una persecución brutales y que también funciona como tema bailable.

La marca de una buena banda sonora es cuando funciona a la perfección con la película y potencia los elementos de esta, pero cuando además de esto funciona como una unidad independiente,  logra ser una gran banda sonora. Inception: Music from the Motion Picture es una muestra de lo segundo, mostrándonos a un músico y un cineasta que ya están cómodos trabajando juntos, y dejando como resultado un álbum (con colaboración de Johnny Marr), disfrutable por si mismo, que invita a ser escuchado varias veces para descubrir los matices que nos ofrece.

Arcade Fire
The Suburbs
Merge, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Ciertamente, sería una verdad de Perogrullo el proclamar a Arcade Fire, la banda de Win Butler y Regine Chassagne, como una de las bandas más importantes que nos dejó la década pasada. Junto a Broken Social Scene, lograron darle una nueva vida al pop barroco, género que hasta cierto punto, parecía estar condenado al pié de página de la historia, reviviéndolo con una combinación de oscuridad lírica y un sonido elegante y hermoso, exploración que de una manera u otra, continúa en su tercer álbum de estudio, The Suburbs.

Sin ser un mal trabajo, Neon Bible, el segundo disco de la banda, tiene una de las manifestaciones más comunes del famoso ‘síndrome del segundo álbum’ al que se ven sometidas tantas bandas: En esa ocasión, la banda se dedicó a cambiar las cosas que no debían cambiar de su sonido, dejando intactas las cosas a las que sí podrían haberles dado un retoque. Al conocer las declaraciones de Butler que comparaban el sonido de The Suburbs como una mezcla de Depeche Mode con Neil Young, mis esperanzas sobre el disco disminuyeron bastante y temía encontrarme con algo que sonaría a todo menos a un disco interesante y más como una combinación absurda diseñada para satisfacer a uno que otro excéntrico. Sin embargo, dichos miedos quedaron rápidamente deshechos al oír un tema como ‘Month of May’, que se siente como una canción que elabora las ideas expuestas en su trabajo debut en un plano menos melancólico. Algo que también pasa con los temas en dos partes ‘Half Light‘ y ‘Sprawl‘, siendo este último particularmente admirable, mostrándonos a una banda que explora un sonido distinto al que nos tenía acostumbrados pero en sus propios términos.

The Suburbs es, esencialmente, el álbum que debió haber sido Neon Bible, haciendo los cambios donde se debieron haber hecho y dejando intactos los elementos que no merecían un cambio, dando como resultado un trabajo que si bien en algunos pasajes se oye distinto a lo que nos tenía acostumbrados la banda, se sigue oyendo como algo que podrían haber hecho ellos, y eso siempre es bueno.

Mogwai
Special Moves
Rock Action, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Quienes han seguido mis reseñas por esta página, probablemente han notado el interés que he tenido hacia el post-rock, y específicamente por Mogwai. Aún así, debo admitir que me había cruzado con muy poco material en vivo de ellos, situación que se ha visto resuelta con el lanzamiento de su primer trabajo en vivo Special Moves, el cual acompaña el film en vivo de la banda, titulado Burning.

Si bien, la selección de temas del álbum, grabados durante una presentación de la banda de Stuart Braithwaite y Dominic Aitchison en Glasgow, son representativos de la discografía de la banda, con canciones que se remontan a sus álbumes Rock Action (“2 Rights Make 1 Wrong”) y Mogwai Young Team (“Cody”), son sus trabajos de la década pasada los que toman protagonismo en el setlist, con temas como “Hunted By a Freak” y “I know you are but what am I” del Happy Songs for Happy People, “Glasgow Mega-Snake” y “Friend of the Night’ del Mr. Beast y “I’m Jim Morrison, I’m dead” y “I love You, I’m going to Blow up your School” del The Hawk is Howling. Esta preferencia por los últimos trabajos del grupo, lejos de ser perjudicial, resulta siendo un plus en la medida que es en estos trabajos en los que Mogwai ha logrado tener un lenguaje más coherente, sin que ello implique que sean mejores que trabajos previos, sino que se sienten más concisos en términos de las características del sonido.

Ya hablando del álbum per se, debo decir que suena exactamente como esperaba que sonara Mogwai en vivo. El sonido de la banda, basado en combinaciones entre melodías relativamente simples y distorsiones masivas, como ocurre en “Friend of the Night” o en “Glasgow Mega-Snake”, canción que cierra el álbum con toda la fuerza y contundencia de su versión en estudio.

A pesar de su inclinación hacia posteriores trabajos de la banda, Special Moves se convierte en un perfecto muestrario de la obra de Mogwai, y que puede llegar a ser el empujón que muchos necesitan para empezar a escucharlos. Para quienes ya los conocíamos, puede ser lo que necesitemos para empezar a pensar en verlos en vivo por estos lares, algo que creo, no sería muy descabellado.

The Unwinding Hours
The Unwinding Hours
Chemikal Underground, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Así como el final de Godflesh nos dejó a Jesu, y de las cenizas de Bikini Kill surgió Le Tigre, el final de Aereogramme nos deja, tres años después, con The Unwinding Hours, proyecto encabezado por Iain Cook y Craig B. Y que presentan su álbum debut del mismo nombre.

Como es inevitable en este tipo de casos de una banda que surge tras el final de otra, es inevitable utilizar el sonido de su precedente como referente, y en ese orden de ideas, ciertamente hay una diferencia estilística entre Aereogramme y The Unwinding Hours, que en este caso no resulta particularmente chocante, quizá por el hecho que Craig B. se mantiene en las labores de vocalista de la banda. Por otro lado, el tamaño más reducido del proyecto le da una cualidad distinta al sonido, en la que apela más a elementos de programación y secuencias, como ocurre en ‘There are worse things tan being alone’, canción cuyo tercio final se encuentra poblado de un poderoso muro de ruido que termina por ahogar la voz de Craig B., mientras que ‘Knut’ sigue el canon del dream rock con una masa crítica que empieza a hacerse más y más grande con el transcurso de la canción, estallando en su segunda mitad de una forma muy parecida al sonido de una banda como The Joy Formidable, mientras que ‘Tight Rope’ es una carta de amor al dream rock de finales de los ochenta y comienzos de los noventa y ‘Peaceful liquid shell’ muestra a la banda como una versión más ligera de los italianos Klimt 1918.

The Unwinding Hours es la prueba que hay vida después de Aereogramme, y lo más importante, que es una vida digna. El sonido de Cook y Craig B., que se apega a los cánones del dream rock y el shoegaze, puede resultar un poco genérico para los cultores del género, pero tomando en cuenta el linaje de la banda, el álbum se convierte en la promesa de un sonido mas interesante.

The Great Wilderness
Afterimages of Glowing Visions
Independiente, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Debo decir que me estoy convirtiendo en un usuario asiduo de la plataforma BandCamp. Artistas como la cellista Zöe Keating hablan maravillas de las facilidades que esta provee para la distribución de su música, al mismo tiempo que con un ojo entrenado y las recomendaciones de alguien, se pueden encontrar cosas bastante interesantes, como el EP de la banda costarricense The Great Wilderness, titulado Afterimages of Glowing Visions, y disponible en su página de BandCamp y que ponemos aquí para que lo escuchen.

El sonido de esta banda conformada por Paola Rogue, Andrea San Gil, Jimena Torres y Monserrat Vargas tiene un evidente aroma a shoegaze y dreampop, con voces muy etéreas y guitarras que si bien no están particularmente distorsionadas, sí tienen cantidades significativas de reverberación, las cuales les dan un carácter muy atmosférico, apenas apropiado para temas como ‘Kiddy Plane’ o ‘Silverscreen’, mientras que ‘Ada’ le pide prestada la estructura a ‘Don’t Save us from the Flames’ de M83, aunque sin las arandelas electrónicas del dúo francés.

Aunque podría decirse que tienen un problema similar al de la banda española NordKapp (es decir, no ser particularmente originales en su propuesta), hay que reconocer el nivel técnico de la banda, que junto a cierto yo-no-se-qué hace que este EP debut sea una sorpresa bastante interesante, así como el posible heraldo de nuevas cosas por venir de parte de la banda.

Devo
Something For Everybody
Warner, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

¿Por qué habría de reseñar el más reciente álbum de Devo? Es una buena pregunta, a fin de cuentas, la banda encabezada por Mark Mothersbaugh y Gerald Casale ya tiene su lugar asegurado en la historia de la música, no es descabellado afirmar que se encuentran más allá del bien y del mal, y hasta cierto punto habría algo rutinario en el hecho de que este disco haya salido a la luz. Pero, como el mundial de futbol nos ha demostrado, no hay nada escrito, y hasta los más grandes pueden trastabillar y fracasar de la forma más miserable, y es por eso que estoy acá hablando del noveno álbum de estudio de la banda de Akron, Ohio, titulado Something for Everybody.

Cuando una banda tiene un sonido tan distintivo, y que en el caso de Devo ayudó a definir un género, existe cierto compromiso para mantenerse dentro de ciertos límites en lo que se refiere a la experimentación con su sonido, pero al mismo tiempo no puede darse el lujo de mantenerse haciendo la misma cosa so pena de ser acusados de repetición y falta de originalidad. Perfectamente conscientes de eso, Devo ha logrado un disco que le es fiel a lo que la banda ha sido durante casi cuarenta años (con ciertas interrupciones) al mismo tiempo que lo altera lo suficiente como para ser atrayente sin ser completamente distinto. ‘Fresh’, ‘Mind Games’ ‘Sumthin´’ y ‘Step Up’ tienen ese sonido constante y repetitivo que el inconsciente colectivo ha asociado con la banda a lo largo de los años, mientras que ‘March On’ tiene un sonido extrañamente bailable.

Supongo que las percepciones iniciales estaban en parte en lo correcto. Si bien no iba a ser algo rutinario, el noveno álbum de Devo resultó ser lo que prometía: un disco con la cantidad adecuada de sorpresas (la verdad sea dicha, un poco menos de esas sorpresas), agradable de escuchar, y que funciona como la postal de unos viejos conocidos un tanto excéntricos, y que siguen haciendo las cosas bien.

El sol empezó a acariciar la tierra y el ocio se volvió el dueño de nuestros días.

Y nosotros estábamos tumbados en las hamacas, donde escuchábamos a los de Colin Meloy. Al mismo tiempo que nosotros contábamos nuestras historias, The Decemberists nos contaban sus cuentos. Cuentos o canciones que parecen sacadas de un libro de relatos de principios del siglo XX. Los de Portland merecen más que otro grupo que escriba a modo de fábula, así que seguiré narrando fiel a mi estilo cómo pasaba mis ratos de fantástica escucha tumbado en la hamaca.

La primavera llegaba a su fin y el campo fue mi lugar de transición hacia el verano y el mar. Yo en la dormilona cerraba los ojos con el propósito de estar más despierto. Con el deseo de transportarme a los escenarios que los Decemberists retrataban, yo me imaginaba tumbado en un sofá antiguo. Buscaba un estado de avispada duermevela para sentir las canciones como mías. Escritas para mí y tocadas expresamente para esas ocasiones de evasión. Era completamente sabedor de la dificultad de poder verlos en directo y, apremiando el mérito de sus letras y la valía del momento, no estimé como algo imprescindible estar delante de un escenario material tanto como de una atmósfera creada por ellos y reinventada por mí.

Entre los dos concebimos, entre su música y mi ensueño, un lugar lleno de personajes. Protagonistas correteando por extensos campos de trigo, figurantes atravesando quebradizos puentes de madera, héroes refugiándose en trincheras embarradas, trazaban un ambiente pintoresco.  Ilustres  Lords con vestimentas majestuosas, vagabundos con ropajes hechos jirones, aguerridos soldados regresando a sus casas. Mujeres enamoradas, clérigos idealistas y niños traviesos y también obedientes protagonizaban canciones de palacio y canciones para el vulgo. Una música popular o un Indie aristocrático. Coros que se escucharían en un castillo real, estribillos que el pueblo recitaría en la plaza mayor. Yo en mi florido trance escuchaba cómo si su música fuese lo único que ocurriese en el mundo.

Chimenez.

How to Destroy Angels
How to Destroy Angels EP
Independiente, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

El final de Nine Inch Nails representó el cierre de uno de los capítulos más importantes en la música de los últimos veinte años, y dejó a muchos de nosotros pensando qué seguiría para Trent Reznor. La espera ha terminado y la pregunta ha sido respondida con How to Destroy Angels, el proyecto que encabeza junto a su esposa Mariqueen Mandig y Atticus Ross, quienes presentan su primer EP homónimo.

Cuando empezó a surgir la expectativa sobre el proyecto a partir de videos y fotografías, la similitud con el estilo visual de Nine Inch Nails en sus últimos trabajos (Ghosts I-IV) se hizo evidente, lo cual se explica al tomar en cuenta la participación del colaborador de larga data de NIN, Rob Sheridan. Musicalmente hablando, las seis canciones del EP siguen la misma línea de los últimos trabajos de Nine Inch Nails, especialmente del Ghosts I-IV, lo cual tiene sentido al ver que Atticus Ross también hace parte del proyecto. ¿El resultado? Canciones magnificas como ‘The Spaces in Between’ y complejas como ‘The Believers’, mientras que ‘A Drowning’ tiene un sugerente aire minimalista.

Sin embargo, ahí es donde acaba la dicha. Mientras que ‘Fur lined’ es, esencialmente, un autoplagio de ‘Only’ (canción del With Teeth), ‘BBB’ es tan repetitiva que se hace tediosa hasta el punto de querer pasar a la siguiente canción cuando va por la mitad y ‘Parasite’ es tan genérica comparada con anteriores trabajos de Reznor que no resulta nada particularmente interesante. Si bien era cierto que cualquier proyecto que Trent Reznor lanzara posterior a Nine Inch Nails no sería muy bien visto, la verdad es que objetivamente hablando, el EP de How to Destroy Angels no ofrece nada mas allá de canciones de NIN con voz de mujer. Sin embargo, no debemos olvidar que este es un primer intento, y que con el paso del tiempo saldrá algo que suene menos como Nine Inch Nails y mas como How to Destroy Angels.

Solo el tiempo lo dirá.

Nordkapp
Temporada de Caza
Independiente, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Hablar de géneros musicales es de esas cosas que uno puede arruinar de una manera sorprendentemente fácil, ya sea de manera voluntaria o involuntaria, siempre existirá la posibilidad de crear una especialización excesiva como la que vemos en los miles de subdivisiones del metal, pero los últimos años nos han mostrado un surgimiento genuino del post-rock, que deja de reducirse a Inglaterra y Estados Unidos, como lo demuestra la banda española  con su EP Temporada de Caza, disponible de manera gratuita en http://www.nordkapp.bandcamp.com

Hemos llegado a un punto en el desarrollo del post-Rock en el que se pueden establecer tres vertientes bien definidas. Por un lado, tenemos a bandas como Mogwai con un sonido basado en distorsiones fuertes de sus guitarras, propuestas con un componente más electrónico como 65daysofstatic o incluso Errors, y bandas como Explosions in the sky, con un sonido más limpio, sin tantas distorsiones o secuencias, pero que aun así es capaz de lograr texturas interesantes a partir de capas de sonido que se ponen una encima de la otra, jugando con el ordenamiento de dichas capas.

Esto último es lo que se ve de manera sorprendente en temas como El oso y el lobo de este EP de Nordkapp, mientras que las limpias guitarras de Indios y Vaqueros y La mente del lobo se sienten como cortinas que se deslizan en una compleja y sutil coreografía que lleva a quien la escucha del punto A al B sin darse cuenta. Sin embargo, ahí es donde reside la falla trágica del EP. Esas características antes mencionadas, que han sido manejadas tan bien por Explosions in the Sky, son simplemente copiadas por la banda de Barcelona sin mayor desarrollo o elaboración, hasta el punto de replicar a la perfección esa sensación de alivio de tensión que logra la banda texana en sus canciones en ciertos puntos.

Si bien, para quien ya está familiarizado con el género, este trabajo no ofrecerá nada particularmente novedoso, quienes aun se sientan un poco intimidados por el nombre post-rock encontrarán en Temporada de caza un punto de partida interesante para conocer más del que es uno de los desarrollos más interesantes de la música en los últimos años.