Cortesía de la Casa

Julián Mayorga. Foto: Ana María Fandiño

Sesiones Mínimas
Colectivo Mantarraya
Ego;, Julián Mayorga, Bicicleta, Mau Gatiyo
Teatro R101, Abril 11 de 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Son más o menos las cinco y media de la tarde cuando estoy parado a la entrada del teatro R101 fumándome un cigarrillo resguardado de la lluvia que cae. Cuando voy más o menos por la mitad del cigarrillo, suelto un estornudo y mi nariz se siente un poco congestionada… Solo espero que la gripa no empiece a atacarme en la mitad de la primera edición de las Sesiones Mínimas, evento organizado por la fundación Barrio Colombia y que tuvo presentaciones de Ego; (Andrés Gualdrón y Juan Pablo Bermúdez), Julián Mayorga y Mau Gatiyo.

El concierto arranca con Juan Pablo Bermúdez a un lado del escenario, descalzo y con una guitarra acústica colgada de sus hombros, haciéndole justicia a algo que me había comentado anteriormente ‘Con elementos pequeños, lograr algo muy grande’ me explicaba antes que arrancara el evento, idea que elaboraría posteriormente Julián Mayorga ‘Es una cosa que nosotros hemos ido trabajando (…) trabajar con muchos elementos chicos independientemente y que, de eso, se forme una cosa que termine explotando’. La primera parte del concierto, a cargo de Juan Pablo y Andrés Gualdrón (Ego;), le añade una nueva dimensión al sonido del proyecto, al que ya he podido seguir desde hace unos tres años y ha viajado desde un sonido muy influenciado por My Bloody Valentine a un pop de corte más experimental.

Andrés Gualdrón. Foto: Ana María Fandiño

Desprovistos de las secuencias y elementos programados asociados a su sonido, me encuentro con una criatura distinta a la que he oído en anteriores ocasiones ‘Todo nuestro material tiene adornos electrónicos, pero si te vas al centro de la música, te das cuenta que soportan la prueba de guitarra y voz  porque así es como fueron escritas’ dice Andrés cuando le pregunto cómo hacer el paso de un sonido con fuertes influencias electrónicas a un sonido más acústico y no morir en el intento ‘Es muy refrescante prescindir de ese componente de las secuencias porque implica un acercamiento demasiado estricto al tiempo, no hay variaciones, pero cuando uno se zafa de ese elemento puede matizar la música de maneras más libres’. Aprovecho la ocasión para preguntarle a Andrés sobre las diferencias en el sonido de Ego; en estudio y en vivo. ‘La cosa con Ego; es que nada es estricto… Lo que sale en el disco es solo una versión más de una canción… Se pueden hacer treinta mil productos finales a partir de la idea básica de una canción’.

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The Dillinger Escape Plan
Option Paralysis
Party Smasher, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

Cuando se puede hacer una descripción bastante gráfica del efecto que tiene la música de una banda o artista en particular sobre uno, podría decirse que dicha banda o artista están haciendo un buen trabajo, en este caso en particular, el cuarto álbum de estudio de The Dillinger Escape Plan, Option Paralysis, me tomó de la cara, me estrelló contra el piso y me arrastró hasta la pared para estrellarme contra ella.

Al igual que Mastodon, la banda liderada por Greg Puciato tiene una sorprendente habilidad para explorar una misma idea desde distintos ángulos, logrando una lectura fresca y atrayente en cada álbum que lanzan. En ese sentido, hay una diferencia entre Option Paralysis y su anterior disco, Ire Works. Mientras que el trabajo de 2007 concentraba el sonido de la banda en pequeñas dosis que en ocasiones no pasaban de los dos minutos, los temas más largos de Option Paralysis le permiten a la banda explorar con cambios dinámicos y de ritmo dentro de las canciones, como es el caso del tema que abre el disco, ‘Farewell Mona Lisa’, el cual arranca con una andanada de sonido que hubiera sido muy difícil de mantener (y de escuchar), pero que empieza a modular su intensidad en el momento indicado, algo que también aparece en temas como ‘The Widower’ o ‘Room Full of Eyes’; por otro lado, ‘Endless Endings’, ‘GoodNeighbor’ y ‘Crystal Morning’ son temas que recuerdan anteriores épocas con agresión contenida en poco más de dos minutos. El disco es cerrado por ‘Parasytic Twins’ que funciona como un descanso con respecto al sonido de las canciones precedentes.

Con un nuevo baterista (Billy Rymer), que con casi un año y medio dentro de la banda está acoplado al sonido de Dillinger Escape Plan, Option Paralysis es un álbum que suena menos experimental que otros trabajos recientes de bandas similares (Como el caso del Axe to Fall de Converge), pero que es ciertamente recomendado para aquellos que están buscando un poco mas de agresión y contundencia en su música.

Bad Religion
30 Years Live

Por: Julián F.  Gutiérrez

El mail con el código de descarga llegó hoy en la mañana, encabezado con un entrañable “Dear Julián”. Al final, hay una foto de ellos seis sentados en una mesa de parque casi que diciendo “Hombre, ojalá pudieras estar acá”.

Resulta difícil creer que esos seis hombres que ya están en su mayoría en la mitad del cuarto piso hayan sido una de las fuerzas más importantes en el punk durante los últimos treinta años. Greg Graffin está  cada vez mas calvo, su cara se ha hecho más gorda y tiene un aspecto ciertamente bonachón, mientras que el pelo de Brett Gurewitz se hace más y más gris al mismo tiempo que Jay Bentley deja de ser el Galán del Punk para ser el Galán Otoñal del punk, pero eso evidentemente no podría importar menos; Bad Religion está más vital que nunca, como lo muestra su álbum 30 Years Live, disponible para descarga gratuita a quienes están inscritos en la lista de correo de la banda.

Muchas bandas punk parecen no envejecer con dignidad. Seamos honestos, a pesar de lo mucho que significan para el género, los Ramones se quedaron metidos en la época de los álbumes anteriores al End of the Century, convirtiéndose en una caricatura de sí mismos como lo demostraron algunos de los discos lanzados en los años ochenta. Cuando vi a los Misfits en Theatron hace 4 años me pareció por un momento ver a esas bandas de metal que más de veinte años después no la lograron y llegan a una persistencia que es casi patética, y ni me hagan hablar de Green Day (Aunque ciertamente, espero poder verlos en octubre), pero al oír los temas de este disco se siente como si el tiempo no hubiera hecho demasiada mella en el sonido de la banda, siendo una experiencia tan contundente como uno podría imaginar, sin tantos “Oozin’ Aahs” (sus famosas armonías vocales) y si con un sonido que raya en el hardcore clásico, lo que es entendible tomando en cuenta que es un álbum en vivo. El setlist por otro lado, no podría ser más representativo de la banda cubriendo las épocas del How Could Hell Be Any Worse?, The Process of Belief, The Empire Strikes First, Recipe for Hate y Against the Grain, entre otros.

Con una canción nueva (‘Resist-Stance’) que no tiene nada que envidiarle a anteriores épocas y una muestra de 30 años de carrera, Bad Religion es una banda que ya está por encima del bien y del mal y deja ver de lo que aún es capaz. Yo solo espero poder verlos en vivo, o en su defecto, colarme en alguna clase de las que da Greg Graffin en la Universidad de California.

Broken Social Scene
Forgiveness Rock Record
Arts & Crafts, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

No es descabellado decir que Broken Social Scene es la banda más importante que ha salido de Canadá en los últimos diez años, no solo por lo que ha logrado en sí misma, sino por sus vínculos con otras bandas y artistas, como lo demuestra el hecho que Emily Haines (Metric) y Leslie Feist hayan pasado en algún momento por su formación. Es por eso, que muchos estábamos esperando el siguiente trabajo de la banda tras su disco homónimo de 2005. Pues bien, la espera ha terminado con su más reciente trabajo, Forgiveness Rock Record.

Hay que admitir que la espera se hizo un poco más llevadera con los trabajos en solitario de Brendan Canning y Kevin Drew, Something for all of us y Spirit If… respectivamente; aún así, no era lo mismo que un disco de Broken Social Scene en propiedad, sin embargo, la espera ciertamente valió la pena…  El álbum lanzado en 2005 marcaba una nueva dirección en el sonido de la banda, en el que la vena ambiental y atmosférica de trabajos como You forgot it in people era abandonada para ir en la búsqueda de un sonido que si bien seguía siendo igual de solido, era una solidez lograda a través de distintos medios, recurriendo a capa tras capa de guitarras en lugar de otra instrumentación, como ocurre en ‘Meet me in the basement’, ‘Water in hell’ o ‘Sentimental Xs’ (canción en la que aparece Emily Haines), al mismo tiempo que ‘Chase Scene’ recuerda al sonido del más reciente trabajo de Yo la tengo, pero visto bajo la óptica del colectivo canadiense.  Así mismo, haciéndole honor a su etiqueta de ‘Pop Barroco’, cada una de las 14 canciones que compone el álbum está llena de tantos pequeños detalles que la mejor manera de escucharlo es armado de los mejores audífonos a los que se pueda tener acceso y un par de copas del licor de preferencia a bordo.

Si bien, quienes aún añoran al Broken Social Scene de antes encontrarán en canciones como ‘Ungrateful Little Father’ reminiscencias de ese sonido, el álbum como conjunto profundiza el camino que la banda empezó a recorrer hace desde 2005 y que al parecer, no planea abandonar. Si bien lo hace a través de otros métodos, Forgiveness Rock Record establece a Broken Social Scene como la banda de pop barroco por antonomasia con un sonido lleno de detalles sin ser hostigante y que confirma al colectivo canadiense como uno de los protagonistas más importantes de la escena musical (si no el más importante) del país de Pierre Trudeau y la Real Policía Montada.

Little Dragon
Bogotá,  23 de Abril de 2010

Reseña y fotos por Ana María Fandiño

El pasado 23 de abril, en el teatro Down Town 727 se llevó a cabo el concierto de Little Dragon, una banda sueca de electro-pop que después de una importante gira en Europa, Estados Unidos y México, por primera vez venía a tocar a Colombia.

Eran más o menos las 10:30 de una fría noche, el sitio apenas empezando a llenarse y la temperatura dentro del Down Town 727 empezaba a aumentar. Me ubiqué cerca a la tarima y alisté la cámara para tomar las fotos que acompañan esta reseña, entre tanto el DJ que iba preparando a los asistentes para escuchar las bandas que se venían.

Los Telebolitos se subieron a la tarima. Como es costumbre, una banda colombiana sirvió de telonera y empezaron a calentar motores con su música mientras llegaba la hora de Little Dragon.

Little Dragon empezó a tocar casi entradas las 11:30 de la noche.

Después de haber entrevistado para CDC hace un tiempo a Yukimi Nagano, vocal de la banda, empecé a sentir una gran curiosidad por su sonido en vivo. Tenía algo de dudas; de pronto podría sonar un poco escandaloso o demasiado pop que podría llegar a aburrir; pero no. Little Dragon resultó ser algo más que un típico grupo pop y sin llegar a ser demasiado estruendoso. Yukimi, con su increíble y armoniosa voz, y la banda compuesta también por Erik, Fredrik y Håkan con sus sonidos electrónicos y una buena combinación de instrumentos de percusión, nos entregaron su mejor repertorio,  y lograron atrapar a todos los asistentes que vivieron, sudaron y gritaron con cada canción que iba sonando.

En mi corta experiencia de conciertos, realmente han sido muy pocos los que me han sorprendido con su sonido y energía en vivo, incluso podría decir que prefiero escucharlos en mi computador que pagar por ir a verlos; pero Little Dragon me dejó completamente feliz y satisfecha. Podría arriesgarme a decir que me gusta más su sonido en vivo. La energía que lograron transmitir con cada canción fue algo que en mi vida había logrado sentir en un concierto. Nunca había tenido una combinación tan perfecta: Muy buena música y buen ambiente para unas muy buenas fotos.

Este día quedará marcado como el comienzo de un eterno amor por esta banda sueca y, por supuesto, por darle la oportunidad a las bandas que vienen al país de escucharlas y tal vez sorprenderme en el proceso.

Entrevista a Little Dragon para Cortesía de la Casa

Más fotos de Little Dragon por Ana María Fandiño en nuestro Flickr

No recuerdo que día era, no recuerdo si tenía resaca o si había abandonado la bebida. No recuerdo la época del año en la que estaba. Puede que fuese otoño. Creo recordar que el viento pretendía emblanquecernos la piel. El sol tibio vagueaba y los árboles desnudos tiritaban indefensos. La tarde inminentemente fue noche y nosotros, mis amigos y yo charlamos para calentarnos con las palabras. Íbamos camino de la sala Sirocco. Allí nos esperaba Antonio Luque, el chinarro. Su banda andaba tocando ” El mundo según” y ” El fuego amigo” por toda España y pensé que hacerles una visita a su paso por Madrid sería lo más adecuado. Porque si escucharle en casa despierta la astucia del lince ibérico, verle en directo es hacer parte del club de los tímidos unidos por una música contundente y sustanciosa como el salmorejo.

El poemario de la Andalucía folclórica, el lienzo de la España costumbrista y la lírica mundana y sutil son sólo cosa suya. El aburrimiento de la rutina, el cante flamenco, las batallitas de pareja, son contadas por Antonio como por el más sabio de los abuelos sentado en torno a una hoguerita playera. Nos adoctrina con sus letras y convence a su público con una música que huele a romero y a laurel.

Creo que cuando terminó el concierto pensé: “este pájaro tiene el anecdotario más sagaz que haya escuchado nunca”. Sigo sin recordar el día, la época y mis circunstancias personales esa jornada de concierto, pero cada día que lo escucho pienso que es el mejor cantautor español que conozco.

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65DaysOfStatic
We Were Exploding Anyway
Hassle, 2010

Cuando uno se dedica a escuchar música y escribir sobre lo que ha oído, siempre corre el riesgo de saturarse, de oír bandas que no son más que imitaciones de conceptos ya explorados anteriormente y que no ofrecen más, y es por eso que  encontrarse con verdaderas joyas es una experiencia tan reconfortante, y debo decir que eso me pasó con el más reciente disco de 65DaysOfStatic, We Were Exploding Anyway.

Al escuchar ‘Mountainhead’, primer corte del disco, pensé que me encontraría ante un álbum muy parecido a su anterior trabajo, The Destruction of Small Ideals, lo cual, si bien no era algo malo, tampoco sería algo particularmente notable. Sin embargo, a medida que avanzó, una nueva bestia fue apareciendo, con solo unas ligeras trazas del sonido que tenía la banda anteriormente. Los componentes de loops, secuencias y samples que aparecían de manera tímida en anteriores trabajos de la banda ahora toman la parte central del escenario, lo que trae como resultado un disco de sonido más rítmico y menos atmosférico, una cualidad que se nota en la que es, sin lugar a dudas la canción más interesante del disco, ‘Dance dance dance’, una andanada de percusión y secuencias que durante 4 minutos obliga a quien la oye a moverse al ritmo que le dice el tema, situación que también ocurre con ‘Come to me’ y ‘Crash Tactics’. ‘Come to me’, tema que tiene la participación de Robert Smith, ‘Go Complex’ y ‘Debutante’ por su parte, son las excepciones a esa regla, con una masa crítica que empieza a construirse lentamente y que estalla de una manera que deja a quien escucha el disco completamente fuera de balance y pidiendo más. El hecho que es un disco con una fuerte vena rítmica e incluso bailable (no puedo esperar a oír remezclas de varios de los temas del disco) no quiere decir que sea un disco superficial, al igual que en anteriores trabajos de la banda, las melodías que aparecen en este álbum logran conectarse de alguna manera con quien oye el disco, de tal manera que invitan a escucharlo varias veces sin sentirse agobiado o cansado del mismo.

Si bien se aleja del anterior trabajo de la banda inglesa, y es ciertamente muy distinto del sonido de una banda como Mogwai, We Were Exploding Anyway es fiel a la fórmula del post-rock en términos de la deconstrucción y replanteamiento de elementos con los que estábamos familiarizados, convirtiéndose en el mejor trabajo hasta el momento de 65DaysOfStatic y muy probablemente, en uno de los mejores discos del año.

El pasado 22 de abril se llevó a cabo el lanzamiento del nuevo sencillo y video de Aterciopelados, Tréboles, extraído de su disco Río. La canción impulsa, tanto en su letra como video, una causa que me parece completamente válida: la importancia nutritiva y religiosa que para nuestros indígenas tiene la mata de coca. “Ninguna mata mata”, es el slogan que utilizan para referirse a su desacuerdo con la campaña publicitaria “No consumas la mata que mata”.

Luego de algunas danzas rituales, tomaron la palabra dos mujeres indígenas colombianas y un vocero de los mayas, para aclarar que en ningún momento se busca hacer una apología al consumo de droga sino, por el contrario, concienciar del mal uso que se le ha dado a esta planta que, para ellos, es sagrada y curativa; además del aporte nutricional que representa para estas comunidades.

El evento concluyó con un desconectado de Aterciopelados, muy volcado hacia la música andina, en el cual interpretaron canciones de Río, con algunos invitados musicales como Mariposa Solar, que apoyan también esta causa indígena.

El éxito real de esta banda, luego de 20 años de trayectoria, se ve reflejado en un público fiel, el cual se sabe sus canciones y apoya sus iniciativas, lejos del ruido mediático que generan otras bandas que aparentemente son más sólidas y que, se podría creer, que están más vigentes.

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Kate Nash
My Best Friend Is You
Fiction, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

En el 2006, Lily Allen inauguró el nicho de pop de chicas británicas con falso acento cockney y actitud de mala, nicho que empezó  a ser colonizado unos años después por gente como Katie White (de The Ting Tings) y Kate Nash, que lanza su segundo álbum de estudio, “My Best Friend Is You”.

Para ser honesto, temía bastante que la encantadora señorita Nash fuera víctima del conocidísimo “síndrome del segundo álbum” en esta ocasión. Si bien ‘I Just Love You More’ era una canción bastante interesante, sembraba bastantes dudas sobre si Kate Nash adoptaría el camino fácil y, “se las daría de ruda” con este disco nuevo y si hay algo de cierto en que hay canciones con una actitud más oscura como es el caso de ‘Mansion Song’, no es un cambio muy abrupto con respecto al sonido de su primer trabajo, “Made of Bricks”. De hecho, temas como ‘Take Me to a Higher Plane’, ‘Early Christmas Present’, ‘Paris’ y ‘Pickpocket’ son ejemplos de cómo eso que estaba presente en las canciones del primer disco permanece en este: Esa combinación entre un sonido inocente y hasta cierto punto infantil, con letras agudas y contundentes, las que solo se pueden escribir después de un corazón roto o una decepción del tamaño de Groenlandia y que le da a la música de Nash un balance entre inocencia y oscuridad que por alguna misteriosa razón, siempre asocio con los libros de Roald Dahl.

Musicalmente hablando, es un álbum que se siente con más sustancia y cuerpo, que elabora sobre lo obtenido en el primer disco, como lo muestran (de nuevo) ‘Paris’ o ‘Later On’, pero que incorpora influencias nuevas sin que se sientan forzadas, como el sonido de Girl Group sesentero de una canción como ‘Kiss That Grrl’, las influencias de Los Campesinos! en ‘Take Me to a Higher Plane’, o el sonido más inclinado hacia el rock de ‘I Just Love You More’ o ‘Doo Wah Doo’.

Si bien es un disco más agresivo que su primer trabajo y en el que no hay una sucesora clara a un tema como ‘Nicest Thing’, “My Best Friend Is You” es un sucesor digno de “Made of Bricks”, que demuestra que Kate Nash dista mucho de ser flor de un día y que le da una voz y un sonido muy propios, desechando las teorías de ella como un clón de Lily Allen.

Creo que a veces debo parecer intenso en mi esfuerzo por hacer conocer apartes culturales de influencia anglosajona. Me disculpo. No es que odie el idioma con el que usualmente me comunico sino es quizás mi intención de equilibrar la balanza, porque en medio de todo este “bombardeo cultural americano”, quedan cosas por fuera. Cosas que sí tienen carácter cultural y aún permanecen alejadas del consumismo estadounidense.

Esta semana recibimos la visita de una banda de bluegrass estadounidense llamada The Student Loan, como parte del programa The Rhythm Road del Departamento de Estado de los Estados Unidos. Bajo el programa se realizan 10 viajes de bandas que representan la música estadounidense en el mundo.

Este año le correspondió a suramérica el bluegrass, por fortuna. El público bogotano podrá disfrutar de tres presentaciones en Bogotá (queda una, mañana lunes 26 a las 11AM en el Teatro Colsubsidio).

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