Cortesía de la Casa

A la hora de escuchar música, pocas sensaciones se comparan a la de quedar completamente sorprendido ante una banda o artista del que se tenían pocas expectativas. En mi caso, si bien pensé que podría llegar a gustarme Eluvium (el proyecto de Matthew Robert Cooper) la primera vez que lo oí, también pensé que podría llegar a ser algo muy derivativo de otros proyectos como Jesu o Explosions in the Sky. Evidentemente resulté estar equivocado, y es así que me encuentro hablando de su más reciente álbum de estudio, Similes.

Tomando en cuenta que Miniatures, lanzado el 2008 es un disco que el mismo Cooper considera como un proyecto independiente de Eluvium, el referente más inmediato del sonido de Eluvium es su hermosísimo álbum de 2007 Copia con un sonido que, si bien podría ser considerado como post-rock, también tenía muchos elementos de naturaleza más ambiental, potenciados, sin duda alguna, por la naturaleza instrumental del álbum. En Similes, la inclusión de letra y voz a las canciones del disco le da una nueva dimensión. En un sentido, la aparición de contenido lírico en Similes hace que la música de Eluvium pierda algo de ese carácter de proyección tan propio del post-rock, especialmente en canciones como The Motion Makes Me Last, en la que las voces con un fuerte componente de reverberación le dan un aire muy particular al tema que recuerda en ocasiones a Red House Painters, algo que también ocurre en Making Up Minds. Por otro lado, es evidente que, si bien Miniatures no puede ser considerado como un disco de Eluvium, el sonido de ese proyecto se ha trasladado a Eluvium, con una mayor presencia de arreglos de piano y teclados en las canciones.

Con Similes, Eluvium da el paso definitivo a un sonido más ambiental y menos post-rock. Si bien se apoya bastante en la creación de texturas y no de melodías, son texturas muy etéreas que apuntan a crear un estado de ánimo determinado. En ese sentido, quienes esperan algo por el estilo de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky o 65daysofstatic, quizá debieran buscar en otro lado pues Eluvium ha cortado sus vínculos con ese género.

Silbin Sandovar
María del Escorpión

Silbin Sandovar encarna al artista que nunca se espera encontrar, ese que lo encuentra a uno. Este residente de Nueva York, canadiense, hijo de colombianos, aprendiz de bailarín de salsa y artista country, nos presenta su trabajo María Del Escorpión, una encantadora pieza que mezcla estilos tan diversos como simples, en una amalgama que se deja escuchar sin dificultad e incluso puede llegar a ser introductoria e interesar al oyente en explorar y buscar más artistas similares.

Jazz, rock, pop, blues, folk, pero sobre todo country, aparecen en esta grabación, adornada además, por letras muy divertidas, interpretadas con nostalgia y cadencia al estilo de leyendas como Tom Petty o Johnny Cash,

Al escuchar canciones como I´m Late (la favorita del artista), Multiplain, Daisy Daisy Daisy y Happy Birthday from Jail, el oyente se transporta al Estados Unidos rural, ese del cual nunca se tienen noticias y donde supuestamente reina el tedio y nada sucede, gracias a María del Escorpión, muchas cosas suceden.

Silbin Sandovar “Daisy, Daisy, Daisy”

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Silbin Sandovar en vivo

La historia del punk (‘Pretty Vacant’)
Phil Strongman
Ediciones RobinBook. Barcelona, 2008

Por: Julián F. Gutiérrez

La mejor versión de una historia es la que cuentan quienes hicieron parte de ella, por eso es que los seis volúmenes escritos por Winston Churchill sobre la segunda guerra mundial son una lectura muy recomendada sobre el tema (¿sabían que Churchill fue Nobel de literatura?), y lo mismo podría decirse sobre lo escrito por Charles de Gaulle. En el caso del punk, lo mismo sucede con el libro de Phil Strongman, “La historia del punk” (Título original: Pretty Vacant).

Strongman, que participó en la película “The Great Rock & Roll Swindle” y vio la presentación de los Sex Pistols en el Club 100 de 1976, parte de un punto de vital importancia a la hora de escribir esta historia, y es entender al punk no como un género musical o una moda, sino como una revolución cultural de un alcance que se siente aún hoy, cuando varios de sus protagonistas más importantes ya han muerto. Strongman arranca presentándonos una imagen bastante sombría de la Inglaterra de los años setenta en la que la movilidad de clases todavía es un concepto que no se ha digerido completamente, con un jubileo de la Reina Isabel que se celebraba en medio de graves conflictos sociales y laborales en los que el rock, la única alternativa de expresar disensión, se había acomodado y ya era parte del sistema contra el que se había intentado rebelar hace unos años. Al mismo tiempo, el autor derriba algunas de las leyendas urbanas del punk como el hecho que Sid Vicious no sabía tocar bajo… No era el bajista más virtuoso del mundo, pero por lo menos tenía una idea básica de cómo usarlo, al mismo tiempo que da una imagen más facetada de Malcolm McLaren que va más allá de un pelirrojo manipulador y maestro del shock value. Era todo eso, pero también tenía un trasfondo más político relacionado con lo que hacía.

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El 2 de mayo de 1999 fue un  día que quedó tatuado por siempre en mi memoria y fue el momento que marcó el inicio de una de mis grandes pasiones, ir a conciertos. No muchos tienen la posibilidad de “entregarse” musicalmente por primera vez a Metallica, pero yo, con escasos 13 años, ya podía decir que los había visto en vivo.

El 10 de marzo de 2010 fue otro de esos días que no voy a poder olvidar. Esta vez no llegué a las 6 de la mañana sino ya entrada la tarde, a eso de las 4. No pienso dar detalles sobre la caminada de media hora que tuve que hacer para encontrar la entrada de mi boletería pero debo decir que la logística estuvo muy bien organizada en comparación con la de otros conciertos. Ya adentro me ubiqué aproximadamente en la mitad de la localidad One. Inmediatamente me di cuenta que las personas que me rodeaban parecían más esperando un concierto de Soda Stereo que de Metallica y el olor a hierba era más bien escaso. Debo decir que al final extrañé a mis antiguos vecinos, esos que me empujaron cuando salió Metallica allá en el 99 y que no pararon de saltar. Esta vez fue mucho más “light” y a mi manera de ver se debe  a la visita de un gran número de bandas que han saciado el “hambre” musical que nos volvía caníbales en otra época.

La música comenzó, como siempre, con una banda colombiana que sirvió de telonera. Desde luego fue un completo desastre. Volaban monedas y hasta un morral rojo vi caer encima del escenario e incluso les tiraron de vuelta los discos que la banda le había regalado amablemente al público. Esa ley del telonero colombiano en cada concierto internacional me sabe a cacho. Siempre terminan siendo el hazmereír. Lo peor es que ellos no tienen la culpa, la culpa es del que los escogió. En vez de buscar una copia barata deberían ir a la fija y poner a La Pestilencia a abrir todos esos conciertos en el Simón Bolívar, aunque últimamente no sean tan metaleros, se sabe que las personas los respetan y por lo menos se van contentos si tocan uno que otro clásico. Siga leyendo »

GoldFrapp
Head First
Mute, 2010

Por: Julián F.  Gutiérrez

Si seguimos la lógica de la década pasada que se encontró influida en muchos niveles por los años ochenta, podríamos llegar a pensar que esta década va a estar poblada de un revival noventero, con camisas de leñador en lugar de gorras de camionero y gente pagando un ojo de la cara por un Super Nintendo en buenas condiciones. Aún así, hay quienes se aferran a las nostalgias de los años ochenta (sin que eso sea malo), como lo demuestran Allison Goldfrapp y Will Gregory con su quinto álbum de estudio, Head First.

El asunto de las influencias en un artista siempre es un camino para recorrer con cuidado, a riesgo de quedar con joyas como Shakira diciendo que tiene influencias de The Cure (lo dijo en ocasión de su disco Servicio de Lavandería). Muchas veces, la discusión sobre las influencias de un artista, sobre todo cuando viene por parte de la prensa especializada, termina siendo un ejercicio de periodismo perezoso en el que simplemente dicen a quién se parece tal o cual banda, siendo el caso más claro quienes comparan automáticamente a PJ Harvey con Patti Smith o a Duffy con Dusty Springfield.

Sin embargo, en el caso de Goldfrapp, la comparación está puesta en bandeja de plata y es inevitable hacerla. Los 38 minutos que dura Head First rezuman sonido ochentero por cada uno de sus poros con canciones llenas de beats y sintetizadores que parecen haber sido creados en 1984 y que son un giro de 180 grados con respecto a la fantasía hippie que fue su anterior álbum, Seventh Tree; es muy difícil luchar contra la tentación de pararse a hacer aerobics al oír un tema como ‘Shiny’, que le hace honor a su nombre (brillante), algo que también ocurre con temas como el muy adolescente (y hasta Lauper-esco) ‘I Wanna Life’ o el sencillo de lanzamiento, ‘Rocket’. ‘Voicething’ es un cambio total con respecto al espíritu del álbum pero que aun así, es un cierre con broche de oro.

Si bien Seventh Tree no es un mal disco, desentona totalmente con lo que es el sonido de Goldfrapp. Head First es el regreso a la música que Goldfrapp y Gregory saben hacer mejor y en el que admiten abiertamente de donde vienen sus influencias.  Es un disco que huele a fijador y amoniaco para hacer permanentes y que está hecho para ser escuchado con calentadoras o una chaqueta Members Only, y que demuestra que quizá sea buena idea seguir in tiempo más con el revival ochentero.

Tenía que explicar a modo de defensa el motivo por el cual escuchaba tanto a Will Oldham y que era lo que veía en esas compungidas canciones. Debía exculparme por sonreír y no llorar ante su quebradiza voz. Me decían que era una música exageradamente triste y depresiva. Desalentadora como un respirador artificial. Eso me decían. Pero a mi Bonnie ‘Prince’ Billy me despierta honestos y vehementes arrebatos de vida. Me persuade con sus enraizados lloros folk. Me arrastra hacía el manadero de la Americana con su dimensión más punk y violenta. Me cautiva con la oscuridad de sus letras y de su persona. Es un ser escurridizo y misterioso aún después de acumular dos decenas de discos en diecisiete años de oficio. Y a pesar de que él diga que no se le puede conocer por las más de quinientas canciones que ha escrito, yo me muestro inusitadamente escéptico y pretendo conocerle a través de sus romances. Le escucho y creo de manera siempre menos novelera que hay algo suyo en cada una de ellas. E imperativamente difamo a los desalmados que tildan sus odas de música inapetente y anodina. Will es un autentico juerguista, viéndolo en vivo sientes su empeño por fundir metafóricamente la voz con el resto del cuerpo y alcanzar su máximo ímpetu. Desde la primera canción te sientes zarandeado como en una manifestación anarquista. Te musita al oído, cual consigna política, la fragilidad humana mientras la sonoridad te apuñala el corazón con su solipsismo post-punk. Es más que un músico, es un filósofo penetrante. Es un líder liberal que ambiciona conocer el mundo y a los que lo habitan mediante la música. Pasará a la posteridad por su genialidad musical y por su inteligencia ontológica.

CHIMENEZ

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Ted Leo & The Pharmacists
The Brutalist Bricks
Matador Records, 2010

Creo que ya lo había mencionado por acá, pero le agradezco mucho a 120 minutos (Programa de medianoche en la época en la que MTV si pasaba música y no programas de adolescentes embarazadas) por haberme dado algunos de los mejores hallazgos musicales que he logrado, con bandas como Sleater-Kinney, mis canadienses favoritos Alexisonfire y Ted Leo & The Pharmacists, quienes lanzan su sexto álbum de estudio, The Brutalist Bricks.

Si bien el punk como género obtuvo su acta de defunción hace muchos años, la actitud asociada al mismo está más viva que nunca, y prueba de ello es la música que Ted Leo ha estado haciendo desde 2001 con su banda, prueba de ello es su disco anterior, Living With the Living, el cual, si bien experimentaba con sonidos que iban desde el dub hasta el folk celta, tenía en cada una de sus canciones ese no-se-qué propio de la música de la banda de Washington D.C. The Brutalist Bricks, representa un giro de 180 grados en esa exploración.

Pareciera que la salida del bajista Dave Lerner y el ingreso de Marty Key (Quién también se hace cargo de los teclados), le han dado un nuevo aire a la banda, que decidió dejar la experimentación para enfocarse en el sonido más contundente y directo del que daban a entender que podían ser capaces en anteriores trabajos, como lo demuestra “Woke Up Near Chelsea”, uno de los cortes más interesantes del álbum precisamente por eso, su fuerza y contundencia, lleno de guitarras distorsionadas y la voz más desgarrada que Leo ha tenido en su carrera, cosas que también son visibles en los dos primeros cortes del disco, “The Mighty Sparrow” y “Mourning in America”, y que contrastan con “A Polaroid a Day”, canción en la que Ted Leo parece canalizar la versión punk de Barry White.

Si bien el tema antes mencionado y “Tuberculoids Arrive in Hop” desentonan con el aire general del disco y pueden resultar un tanto chocantes, “The Brutalist Bricks” se convierte en un álbum nivelado por lo rápido y pesado, que demuestra que Ted Leo no tiene miedo de ‘meterle la chancleta’ a lo que hacer más pesada su música refiere, siendo un hallazgo merecedor y prometedor.

La Roux. Foto por Mónica Alarcón

Madrid, 12 de Marzo, La Riviera.

Llegamos tarde como siempre, da igual. Multitudes ninguna y el artista invitado ya va por más de la mitad de su espectáculo.   Después de armarnos con sendos cubatas (como se conocen a los cubalibres en estas latitudes), nos abrimos campo hacia el universo Elly Jackson, más conocida como La Roux, que en pocos minutos nos entregará un concierto enmarcado por la mas actual electrónica y la nostalgia de los sintes análogos.

Unos veinte minutos de espera y por fin sale al escenario, avisando a la multitud ‘Es mi cumple’, y comienza. Lo primero que nos entrega es ‘Tigerlily’, francamente el corte más flojo de su disco debut ‘La Roux’, sin embargo parece gustarle a muchos de los asistentes. Continúa , adelanta ‘I’m not your toy’, que pensamos iba ultima por ser un muy buen pelotazo calypso-bailable, y te entra en la cabeza que no necesita depender de estos trucos para mantener show. En esta década ya esta muy visto hacer canciones de relleno. Entramos en ‘Cover Your Eyes’, su tema lento, a medio camino entre el gospel y la balada New Romantic ’83, un gustazo de principio a fin, muchas palmas y brazos de un lado al otro, y mas ‘cumpleaños feliz te deseamos a ti’.

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Black Rebel Motorcycle Club
Beat The Devil’s Tattoo
Abstract Dragon, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La (cierta pero un poco lamentable) verdad según la cual juzgamos los libros por su portada, también aplica para los discos. Que arroje la primera piedra el primero de nosotros que no ha comprado un disco porque le gustó la portada y luego resultó ser un bodrio. Aunque claro, hay otros que sí cumplen lo que prometen, como es el caso del sexto álbum de Black Rebel Motorcycle Club, Beat the Devil’s Tattoo.

En lo que se refiere a reseñas, he descubierto que en muchas ocasiones, ‘si Pitchfork dice que es malo, en realidad es bueno’, y si bien The secrets of 333 tampoco es tan abismalmente malo como dicen, ciertamente no es el mejor disco de la banda, por lo que había una buena cantidad de expectativa sobre lo que pudiera hacer la banda, especialmente con Leah Shapiro ya como baterista en propiedad. El sonido del álbum solo puede ser calificado como denso, sin que ello signifique que sea difícil de digerir. Tomando las lecciones del Baby 81 y del Howl, Black Rebel Motorcycle Club ha logrado crear 13 canciones que tienen un “feeling” muy propio y que están marcadas por un impresionante muro de sonido, como ocurre en ‘Mama Taught me Better’, ‘Bad Blood’ o ‘Conscience Killer’, siendo estos dos últimos temas testimonio de la capacidad de la banda para cambiar de velocidades con una velocidad y facilidad sorprendentes, mientras que ‘War Machine’ es una canción que logra sintetizar el espíritu de su anterior trabajo Howl de una manera sorprendente.

Beat the Devil’s Tattoo es un disco que aleja a la banda definitivamente de los artificios punk de su sonido y conecta más a su música con las influencias de la generación beat presentes en sus letras. Es un disco que huele a cuero negro, motocicletas y whiskey en un bar, que muestra el regreso de la banda a un ritmo de competencia, y la acerca más a la forma definitiva de su sonido.

Descargue la canción Black Rebel Motorcycle Club “Beat the Devil’s Tattoo”

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Rob Zombie
HellBilly Deluxe 2: Noble Jackals, Penny Dreadfuls And The Systematic Dehumanization Of Cool
RoadRunner records, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Siempre he comparado a Rob Zombie con ese tío que muchos tienen que nunca sentó cabeza, y que aún a los cuarenta y tantos años, sus hermanos siguen convenciéndolo para que siente cabeza, en especial la hermana mayor (Que por esas cosas de la vida, es la mamá de uno). Sea como fuere, ‘El tío Rob vuelve al ruedo con su cuarto álbum de estudio, Hellbilly Deluxe 2: Noble jackals, penny dreadfuls and the systematic dehumanization of cool (Hellbilly Deluxe 2 para los amigos).

Aún viniendo de Rob Zombie, la noción de un álbum continuación siempre me causa bastante aprehensión. Principalmente, porque siempre he sentido que cuando eso pasa, es porque a la banda o artista le dio pereza hacer un álbum doble y tratan de enmascararlo con una pretensión de conceptualidad. Por otro lado, la idea de la continuación de un álbum que salió hace casi 12 años también puede despertar algunas alarmas. Si bien el Hellbilly Deluxe es un disco que ha envejecido con dignidad, se nota que es un hijo de su época, de cuando una conexión de 56K era lo mejor y Matrix la mejor película en la historia de la raza humana; bajo esa lógica, la sola idea de un álbum que reviviera eso no era un prospecto muy halagador.

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