Cortesía de la Casa

Black Rebel Motorcycle Club
Beat The Devil’s Tattoo
Abstract Dragon, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La (cierta pero un poco lamentable) verdad según la cual juzgamos los libros por su portada, también aplica para los discos. Que arroje la primera piedra el primero de nosotros que no ha comprado un disco porque le gustó la portada y luego resultó ser un bodrio. Aunque claro, hay otros que sí cumplen lo que prometen, como es el caso del sexto álbum de Black Rebel Motorcycle Club, Beat the Devil’s Tattoo.

En lo que se refiere a reseñas, he descubierto que en muchas ocasiones, ‘si Pitchfork dice que es malo, en realidad es bueno’, y si bien The secrets of 333 tampoco es tan abismalmente malo como dicen, ciertamente no es el mejor disco de la banda, por lo que había una buena cantidad de expectativa sobre lo que pudiera hacer la banda, especialmente con Leah Shapiro ya como baterista en propiedad. El sonido del álbum solo puede ser calificado como denso, sin que ello signifique que sea difícil de digerir. Tomando las lecciones del Baby 81 y del Howl, Black Rebel Motorcycle Club ha logrado crear 13 canciones que tienen un “feeling” muy propio y que están marcadas por un impresionante muro de sonido, como ocurre en ‘Mama Taught me Better’, ‘Bad Blood’ o ‘Conscience Killer’, siendo estos dos últimos temas testimonio de la capacidad de la banda para cambiar de velocidades con una velocidad y facilidad sorprendentes, mientras que ‘War Machine’ es una canción que logra sintetizar el espíritu de su anterior trabajo Howl de una manera sorprendente.

Beat the Devil’s Tattoo es un disco que aleja a la banda definitivamente de los artificios punk de su sonido y conecta más a su música con las influencias de la generación beat presentes en sus letras. Es un disco que huele a cuero negro, motocicletas y whiskey en un bar, que muestra el regreso de la banda a un ritmo de competencia, y la acerca más a la forma definitiva de su sonido.

Descargue la canción Black Rebel Motorcycle Club “Beat the Devil’s Tattoo”

Audio clip: Adobe Flash Player (version 9 or above) is required to play this audio clip. Download the latest version here. You also need to have JavaScript enabled in your browser.

Rob Zombie
HellBilly Deluxe 2: Noble Jackals, Penny Dreadfuls And The Systematic Dehumanization Of Cool
RoadRunner records, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Siempre he comparado a Rob Zombie con ese tío que muchos tienen que nunca sentó cabeza, y que aún a los cuarenta y tantos años, sus hermanos siguen convenciéndolo para que siente cabeza, en especial la hermana mayor (Que por esas cosas de la vida, es la mamá de uno). Sea como fuere, ‘El tío Rob vuelve al ruedo con su cuarto álbum de estudio, Hellbilly Deluxe 2: Noble jackals, penny dreadfuls and the systematic dehumanization of cool (Hellbilly Deluxe 2 para los amigos).

Aún viniendo de Rob Zombie, la noción de un álbum continuación siempre me causa bastante aprehensión. Principalmente, porque siempre he sentido que cuando eso pasa, es porque a la banda o artista le dio pereza hacer un álbum doble y tratan de enmascararlo con una pretensión de conceptualidad. Por otro lado, la idea de la continuación de un álbum que salió hace casi 12 años también puede despertar algunas alarmas. Si bien el Hellbilly Deluxe es un disco que ha envejecido con dignidad, se nota que es un hijo de su época, de cuando una conexión de 56K era lo mejor y Matrix la mejor película en la historia de la raza humana; bajo esa lógica, la sola idea de un álbum que reviviera eso no era un prospecto muy halagador.

Haga clik en “Siga leyendo” para ver el video

Siga leyendo »

Dónde te has metío

Cada uno tiene su manera de dar un juicio sobre la calidad de un concierto, nos basamos en criterios como el desempeño de la banda en el escenario, el sonido, la afinidad por el género y una cantidad de elementos que se tienen que conjugar para que la experiencia sea única. Por mi lado, aparte de hacer un juicio racional sobre el espectáculo, padezco de ciertas dolencias físicas que me confirman que el show fue muy bueno. Sufro de ardor en los ojos causado por la disminución considerable de parpadeos y calambres en el dedo anular de la mano derecha por aplaudir más de lo habitual. Una sobredosis musical de Ojos de Brujo.

Aunque nunca fui seguidor de esta banda y mi afinidad musical me hace inclinar más por agrupaciones como elbicho, asisto a eventos que sé van a ser musicalmente desafiantes. Salí del recinto convertido en un fanático más. Un gran show y un escenario perfecto para apreciar a los músicos. Uno de esos pocos conciertos en los que llegar 12 horas antes son muchas para hacer las infinitas y desgastantes filas habituales. Así fue como el auditorio León de Greiff se llenó de fanáticos y no fanáticos como yo, complacidos de tener un puesto decente para apreciar un grupo que se merece ese marco y mucho más.
Siga leyendo »

The Shins
Wincing The Night Away
2007, Sub Pop

Por Chímeni Lucas

La autoflagelación musical es un castigo voluntario, que en numerosas ocasiones me he impuesto. Esta penitencia me llevaba a un estado anímico mortecino con el que conviví largo tiempo. Coexistía con un sentimiento de desgracia y miserabilidad. Eso me transmitían las canciones con mensajes taciturnos que escuchaba.

Un día, sin embargo, me llegó el último disco de The Shins, “Wincing the night away” 2007 – sub pop-. El disco me sacó de la cama, abrió las persianas de la habitación y sopló las nubes del cielo para que yo y todo lo que me rodeaba estuviésemos iluminados por el sol. Porque así es el disco, luminoso, y esa es la música que ellos hacen, powerpop resplandeciente. The Shins son tan capaces de batir todos los records de ventas del prestigioso sello sub pop como de cambiarme la vida. Es la droga perfecta para hacerte sentir bien siendo plenamente lúcido. “Wincing the night away” es un disco de 11 canciones impecables, todas ellas dignas de ser single y de tener video propio. Cada una es por sí sola perfecta. Todas te arrancan una sonrisa de 32 dientes. Escuchando este disco te sientes feliz, te dan ganas de hacer muchas cosas, de estar con los amigos, de viajar con la novia, de ser buena persona, de tener un perro. Es un disco lleno de bases rítmicas brillantes que unidas a la dulce y alegre voz de James Mercer conforma una declaración de tranquilidad y de bienestar.

Sed felices!

The Shins: Australia from matt mccormick on Vimeo.

Islands
Vapours
ANTI-, 2009

Por Julián F.  Gutiérrez

Una de mis lecturas obligadas en Internet de lunes a viernes es un comic llamado Questionable Content. Hace algunos años en una de sus tiras, dos personajes hablaban de la banda canadiense Islands. En su momento hice la nota mental para buscar música de ellos, y aunque me tardé un poco haciéndolo, podría decirse que estoy reparando mi demora con la reseña del tercer álbum de estudio de esta banda, Vapours.

Cuando escuché por primera vez esta banda liderada por Nick Thoburn, se me hizo una banda muy representativa de ese pop barroco de bandas canadienses como Arcade Fire y Broken Social Scene con elementos de instrumentación clásica y voces suaves que en el caso de Islands poseía de una grandilocuencia que no veía como necesaria o merecida como la que aparecía en su álbum Arm’s Way. Sin embargo, pareciera que Thoburn y compañía hubieran dado un giro de 180 grados a la hora de planear y grabar Vapours.  Los arreglos de cuerdas que le daban un sonido tan genérico y pomposo al disco de 2008 parecen haber desaparecido de la mente de los músicos de Montreal, las capas de instrumentación que más bien parecían capas de encaje han desaparecido dando como resultado un sonido más concreto y aterrizado que de alguna manera los libera de la necesidad de crear canciones majestuosas que parecen himnos, y que además, les permite crear temas que se sienten más íntimos y cercanos, como es el caso de ‘Switched On’, o ‘On Foreigner’, un cambio que tiene que ver sin duda con la intención de Thoburn de desmantelar y crear una nueva alineación para la banda.

El cambio en el sonido de la banda se traduce también en sus referentes.  Canciones como ‘Devout’, ‘Heartbeat’, o ‘Shining’ tienen un fuerte componente electrónico, ya sea en teclados o secuencias, efectos que hacen referencia a bandas como Aqueduct, y más específicamente, a su álbum I Sold Gold de 2005. A pesar de esta nueva dirección, la banda no olvida sus raíces, y de manera muy apropiada, la última canción del disco, ‘Everything is under control’, introduce voces etéreas y todo un arsenal de efectos para lograr en el escucha las mismas impresiones que lograban los temas de anteriores trabajos.

El hecho de que en anteriores épocas los integrantes de Islands recordaran a Broken Social Scene y ahora recuerden a Aqueduct, plantea como Vapours, si bien es un disco con elementos que pueden calar en el oído, no aporta nada que sea particularmente nuevo a través de un constante “Déjà Vu” a anteriores trabajos de otras bandas. Hay una perturbadora sensación de que Islands subió tarde al tren del Indie, presentando trabajos de calidad pero que no presentan un avance significativo dentro de los horizontes del género en términos de experimentación o ampliación de los horizontes.

Islands tocando Vapours en vivo para ABC

AFI
Crash Love
InterScope, 2009

En nuestra colección musical, todos tenemos una que otra banda a la que seguimos dándole oportunidades así pareciera que sus días de gloria han pasado. En mi caso, AFI es una de esas bandas y vine a darles una nueva oportunidad en el marco de su nuevo álbum de estudio, Crash Love.

A lo largo de la década, la banda encabezada por Davey Havok ha pasado por varias etapas. Más exactamente, Davey Havok ha pasado por diferentes etapas, como el Glenn Danzig metrosexual que vimos en Sing The Sorrow y el imitador de Stephan Groth (Vocalista de Apoptygma Berzerk) que apareció en los videos de DecemberUnderground, con sus correspondientes devaneos Emo (en el caso del primer álbum) y Synthpop en el caso del segundo. Quienes sentían que estaba pasando muy grave en el mundo de AFI con esos coqueteos electrónicos que poblaron su más reciente trabajo, se sentirán aliviados al descubrir que tales cosas no hacen parte de las 12 canciones que componen el álbum, quizá porque Havok y el guitarrista Jade Puget sacaron lo electro de su sistema con su proyecto alterno Blaqk Audio dando como resultado un sonido que si bien tiene menos artificios y arandelas, llega a un punto en el que se convierte en algo muy convencional.

Siguiendo el camino trazado por Green Day en el 21st Century Breakdown, AFI se esmeró por darle a cada uno de los cortes del disco, desde ‘Torch Song’ hasta ‘It Was Mine’, un carácter que trata de ser épico pero que termina tomándose a si mismo demasiado en serio, hasta que llega a ser un poco ridículo, con letras como “The Broken Radio Was Playing Suicide” (La radio rota estaba tocando suicidio) de ‘End Transmission’, y otras cosas del estilo que parecen sacadas de lo que escribe el cajero de cualquiera de los locales del Centro Comercial Vía Libre en el centro de Bogotá. Esa ‘Seriedad excesiva’ también puede verse en el hecho que en ninguno de los temas están presentes los alaridos guturales a los que nos ha tenido acostumbrados Havok en los últimos tiempos, y hasta cierto punto, es como si la noción de volver a alguno de los elementos que caracterizó su sonido durante este tiempo les causara asco o urticaria.

Crash Love es, en términos llanos, un álbum que le dará aún más argumentos a quienes dejaron de darle oportunidades a la banda californiana. Su intento de volver a lo que los hizo conocidos antes, terminó en un álbum con un sonido pretencioso  y aburrido, que lejos de ser una evolución o un cambio natural, en AFI específicamente, no lleva a ningún lado.

Eso sí, yo seguiré dándoles oportunidades. Solo porque soy tan buen tipo.

El primer single se llama Medicate y este es el video:

Yo siempre he preferido los conciertos en salas pequeñas, esos de  atmósfera saturada de intimidades y complicidad. Esos en salas dotadas de interacción entre artista y público, donde el sudor se huele y la música se paladea.

Y hay grupos como Two Gallants que es preferible verlos en esas condiciones que no sobre un pedregal a horas intempestivas y en un escenario acondicionado para un festival veraniego. Este dúo de San Francisco siempre se ha caracterizado por la intensidad de sus shows y por su sencilllez espartana donde menos es más. Pero venían a Madrid y no precisamente a una entrañable alcoba. Compré la entrada para el festival Summercase 2006 y sólo quedaba esperar.

Llegó la hora de mi bautizo Joyciano. Allí estaba yo en una calurosa tarde de julio en Madrid dispuesto a recibir mi bendición. Después de haber devorado sus dos primeros discos, “The Throes (2004, Alive Records)” y “What The Toll Tells (2006, Saddle Creek)”, diariamente durante varios meses, me encaminé hacia la carpa asignada para el concierto. Poca gente sentada en el suelo y ensayos todavía. Maravilloso. Apoyé mi culo y mi vaso de cerveza en el suelo y esperé. Miré el horario de conciertos y Rufus Wainwright estaba a punto de empezar. En la carpa donde estaba yo avisaron que había un poco de retraso. Me fui a ver al animado de Rufus. La carpa estaba llena y hacia más calor que en Libia. Salí como una exhalación de ese infierno y volví a donde estaba. Volví  a escuchar a los chavales de San Francisco. Quería ver si Tyson Vogel (batería y voces) rompía su batería a base de baquetazos y también quería comprobar si a Adam Stephens (guitarra, armónica y voces) se le dislocaba la rodilla al seguir el ritmo de sus canciones. Quería disfrutar de esas canciones de más de seis minutos donde la guitarra y la batería crean un ambiente arcaico y veterano. Quería escuchar esas letras que tienen tanto de poético como su nombre (Two Gallants es el nombre de una historia de la obra “Dubliners” de James Joyce). Alucinar con la técnica infalible de este dúo que se curtió en conciertos de guerrilla para llegar a ser únicos en su especie . Son considerados punta de lanza de la revitalización del country con prospección de futuro.

Es música de tintes country-blues bajo una construcción ruidosa, eléctrica y dura. Con temas urbanos, temas personales, historias del lejano oeste o de racismo. Ellos son acústicos y románticos, agresivos y serios, eléctricos y tranquilos.

Empezó el concierto y los cuatro gatos que estábamos allí empezamos a incorporarnos inevitablemente ante la fuerza (física, instrumental y vocal)  de los galanes. Vogel aporreaba su batería con virulencia y como era de esperar en un par de ocasiones saltaron piezas. Adam, en cambio, me cautivó aun mas con esa trémula voz rasgada que utilizaba a su antojo, susurrando en canciones como “Crow Jane” (la murder ballad que también versionó Nick Cave) y rugiendo al compás de batería y guitarra en “Las Cruces Jail”.

Las canciones del primer disco sonaban más grunge, en cambio el segundo disco tenía más equipamiento. Era mas completo. Me pareció impresionante la destreza de Stephens con la armónica, especialmente tocándola al unísono con su bella Gibson como en el folk tradicional.

Al tocar la última canción “Long Summer Day” la voz de Adam sonaba más desgarradora y junto con los coros de Vogel ponía los pelos como escarpias. El aforo, llegados a ese punto, había crecido un poco y  mi capricho por este imperdible grupo se convirtió en un gusto más que fundado.

Los Two Gallants sacaron el disco “Two Gallants” (Saddle Creek) y el EP “The Scenery Of Farewell”  (Saddle Creek), en 2007  y desde entonces se han dedicado a girar por medio mundo, mucho por Europa y más por Estados Unidos. Han hecho colaboraciones también con músicos amigos, haciendo gala de su brutal directo.

Espero que les deis una oportunidad a este par de fieras y que acabéis como yo, expectantes por su nuevo trabajo… que seguro llegará pronto.

– Chimenez –

Yo La Tengo
Popular Songs
Matador, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

Siempre será difícil hablar de bandas como Yo La Tengo, bandas con una carrera de 25 años y que de una u otra manera, han construido un género por sí mismas. Hasta cierto punto, adquieren un carácter de estar ‘más allá del bien y del mal’, por lo que escribir una reseña que dé cuenta de los puntos fuertes y débiles de su obra resulta algo complicado. Aún así, no soy el tipo de persona que le hace el feo a un reto y es así como esta semana hablo del nuevo disco de la banda de Hoboken: Popular Songs.

Llama mucho la atención el cambio de velocidades tan fuerte que toma lugar al comienzo del álbum; ‘Here To Fall’ es un tema con un fuerte elemento de dreampop y shoegaze, lleno de arreglos de reverb tanto en la instrumentación como en la voz de Ira Kaplan que le dan a la canción un fortísimo y sólido muro de sonido que se prolonga a lo largo de los casi seis minutos que dura la canción. A pesar de ese comienzo de álbum, la situación empieza a cambiar desde el segundo corte, ‘Avalon or someone similar’, que si bien conserva un muro de sonido de fondo y voces etéreas, es un tema ciertamente mas pop y accesible que su antecesor.

Si bien ‘By Two´s’ vuelve a elementos atmosféricos y shoegaze, después de este tema es cuando  Popular songs le hace honor a su nombre; todas y cada una de las canciones subsiguientes inevitablemente traen a la memoria algún genero o canción más conocida: Mientras que If it’s true, con sus arreglos de órgano y violín y limpias voces desprovistas de efectos recuerda al pop de los años setenta, una canción como ‘Nothing to hide’ con sus guitarras de sonido sucio y distorsionado y sus arreglos efectivos de palmas y órgano recuerda a los años noventa y hasta cierto punto, recuerda a bandas como The Wrens. Después de un paseo por el inconsciente colectivo de la música en los últimos años, la banda vuelve a terreno familiar a la hora de hacer el cierre del álbum: ‘More stars than there are in heaven’, ‘The Fireside’ y ‘And the glitter is gone’ son hasta cierto punto, variaciones de un mismo tema, en los que la banda juega con la pregunta de cómo lograr el mismo efecto a través de distintos medios, con guitarras distorsionadas y voces limpias, voces llenas de reverb y guitarras sencillas o experimentos de 15 minutos como ‘And the glitter…’

Si bien pueden tener algo de razón quienes ven en este álbum un ejercicio descarado de “Genre-Sampling”, la verdad es que en manos de una banda de menor calibre o pedigrí tal labor habría salido de peor manera. Yo La Tengo logra crear con Popular Songs un álbum que oscila entre lo accesible y lo complicado, y demuestra, que de una manera u otra, ellos la tienen.

Danko Jones
Never Too Loud
Bad Taste Records, 2008

Por: Julián Felipe Gutiérrez

La primera vez que oí hablar de la banda compuesta por Danko Jones, John Calabrese y Dan Cornelius fue a través de esas cuatro encantadoras señoritas suecas, Sahara Hotnights y mi búsqueda de la canción con la que ellas contribuyeron al álbum tributo a los Ramones, The Song Ramones The Same. Por esas coincidencias de la vida, Danko Jones también contribuyó a ese álbum (con una versión de ‘The Return of Jackie & Judy’), y como dicen por ahí, el resto es historia. Ahora, me encuentro con el sexto álbum en estudio del trío, Never Too Loud.

El adjetivo más adecuado con el que se podría describir el sonido de un álbum como éste es ‘sórdido’. Las 13 canciones que componen este álbum inevitablemente evocan imágenes de bares de rock pobremente iluminados, en los que el olor de la cerveza y nubes de humo de cigarrillo inundan el ambiente, y mujeres en pantalones de cuero negro, camisetas del mismo color y con pesados collares de Ankhs bailan al ritmo de la música de estos tres canadienses; haciéndole honor al título del álbum (“Nunca muy duro”), Danko Jones pisa el acelerador a fondo a lo largo de todo un álbum en el que las únicas excepciones notables a esta regla son ‘Still in high school’ y ‘Take me home’, temas de un corte más melódico, pero que aún así tienen lo que solo puedo definir como “agallas” o “huevos”.

Líricamente hablando, el álbum se mantiene en lo que siempre ha sido la banda; fieles a su sonido hard rock con una influencia evidente de bandas como Motörhead, le dejan las profundas discusiones sobre la naturaleza humana a otros, Danko Jones es una banda que canta sobre la venganza a la mujer traicionera que rompe el corazón, simplemente dice “Quitémonos la ropa”, o habla sobre la vida de una banda en la carretera.

Hablando en plata blanca, Never Too Loud es un álbum que para el sonido de Danko Jones, podría clasificarse como ‘Más de lo mismo’. Sin embargo, es una banda que no aspira a más, simplemente a hacer la música que saben hacer, y hacerla lo más duro posible, con el volumen subido hasta once.

Y en esta ocasión, lo logran.

Julian Plenti
Julian Plenti is … skyscraper
Matador, 2009

Parece que este año es el Año Internacional del proyecto en solitario… Ya hemos oído a John Frusciante con The Empyrean, Nina Persson lanzó su segundo álbum en solitario (Colonia), y ahora es el turno del vocalista de Interpol, Paul Banks, que bajo el nombre de Julian Plenti lanza su álbum en solitario, Julian Plenti is… Skyscraper.

Siempre escucho este tipo de proyectos con una buena medida de precaución. ¿La razón? En ocasiones, estos álbumes en solitario de los artistas de bandas reconocidas terminan siendo ‘más de lo mismo’ y no ofrecen algo verdaderamente distinto y propio del músico. En el caso del álbum de Banks (o Plenti, o como quieran llamarlo), es interesante ver como las 11 canciones del tema tienen elementos que se pueden reconocer en algunas canciones de Interpol SIN SONAR A canciones de la banda neoyorquina. El primer corte del disco, ‘Only If You Run’, inmediatamente evoca a ‘NYC’, con arreglos y efectos que le dan a la canción un aire muy atmosférico, similar a la canción de Interpol, sin que se oiga como una copia, proeza que también es lograda en ‘No Chance Survival’. Ello no implica que Banks/Plenti haya olvidado las canciones más movidas o rockeras. El linaje de ‘Unwind’ puede ser fácilmente trazado a canciones como ‘Length of Love’ o ‘Not Even Jail’ en la medida que tienen el mismo aire un tanto explosivo y, en la medida que lo permite el término, grandioso. Sin embargo, al igual que ‘Only If You Run’, ‘Unwind’ tiene el mismo efecto con distintos medios, apelando a recursos que quizá no veamos en Interpol en un buen tiempo, como la utilización  de arreglos de sintetizador. El acierto del álbum consiste en que a través de ese “parecido pero distinto” es posible ver cuál es el efecto y el peso relativo de Paul Banks dentro del sonido de Interpol.

Los méritos del álbum no solo reposan en su relación con el sonido de otros proyectos sino que también funcionan por sí mismos. Hay una agradable sensación de balance en los distintos estados de ánimo de las canciones. Alterna entre canciones sosegadas y cortes más movidos, manteniendo a quien escucha el disco en puntas de pies, esperando lo que viene a continuación. Es un álbum que termina donde empieza en términos de lo que evoca su sonido; ‘H’, la canción que lo cierra, es una pieza de 2 minutos, 39 segundos, con un carácter sombrío y a la vez hermoso, de una manera que nunca se podría ver en una canción de Interpol.

El mérito de Julian Plenti is… Skyscraper consiste en el hecho que es un álbum autónomo y con voz propia, pero con influencias discernibles y fácilmente identificables, algo en lo que suelen fracasar este tipo de proyectos (Como fue el caso de Albert Hammond, Jr con su Como te llama?), al mismo tiempo que ofrece cosas nuevas que invitan al álbum a ser escuchado una y otra vez. Con este álbum, se ofrece algo nuevo, a la vez que quedamos a la espera del nuevo álbum de estudio del cuarteto neoyorquino.