Cortesía de la Casa

De Todo Como En Botica
(United Rock Fest v1.0 – Bbar, Julio 25 de 2009)

Tomando en cuenta lo excluyentes que pueden ser algunas escenas musicales en Bogotá, realmente resulta difícil de creer que en una misma noche sea posible oír algo de Hardcore, de Rock Alternativo, de Ska y de Hard Rock en un mismo espacio (e incluso, salir ileso de la situación), pero algo así ocurrió el 25 de Julio en Bbar, durante el United Rock Fest en el que se presentaron las bandas Fuera de Contexto, Coyote, M-K-N Makana, Parleii y los Dandi Yonquis.

Como siempre me gusta ir en orden, voy primero con quienes abrieron el festival, Fuera de Contexto. Siempre es agradable ver una banda que está arrancando y atestiguar la manera en la que ‘Doman a la bestia’ y van descubriendo lo que pueden hacer o no con su sonido, en especial, la voz de Natalia Bedoya, cuyo manejo del escenario es fuerte y agalluda. Es un cambio agradable en un panorama de vocalistas que en ocasiones son pretenciosos, en especial porque los pequeños hipos y desgarros de su voz, lejos de ser desventajas, se convierten en rasgos interesantes de su estilo.

Si bien los covers son una buena escuela a la hora de hacer Rock, se le podría reprochar al cuarteto un exceso de versiones durante el concierto, ya que resultaron ser más que las canciones originales de la banda. Fuera de Contexto estuvo seguida por Coyote, una banda que le hace justicia a haber nacido en “una noche de juerga”. En el sonido de Coyote aparecen el Hard Rock, el Metal, el Hardcore e incluso el Punk de manera contundente y agresiva, sin que por ello las guitarras de la banda le hagan el feo a la idea de jugar con efectos y solos. La impresión que dejó Coyote es la de una banda concisa y que a lo largo de los años ya ha logrado conocerse bien, hecho que se refuerza porque ya están en proceso para entrar al estudio y grabar su álbum. Sin embargo, el cuarteto canta su repertorio en ingles,  algo que le objeto a muchas bandas de la escena local… Es una objeción que va más allá de la pronunciación, el acento o aspectos formales y que apunta al hecho que, contrario a la creencia popular, el español si es un idioma que se presta para el Rock, y también creo que es una decisión que va en detrimento de una identidad regional (Sin sonar mamerto)

M-K-N Makana y Parleii contribuyeron a la diversidad del festival. Los primeros,  son una banda de Facatativá con un sonido fácilmente asociable al hardcore, y trajeron una propuesta que recuerda a bandas como Ratos de Porão pero que no teme explorar facetas más melódicas como en el caso del tema con el que cerraron la presentación, ‘Perdiendo el Control’. Con la inclusion de M-K-N Makana, los organizadores del festival, demostraron la importancia de darle una mirada a las escenas musicales de la periferia Bogotana, escenas en las que la autogestión y la ética del Do It Yourself tan asociadas al HardCore, tienen una gran importancia. Parleii, por su parte, presentó un sonido que devolvió a la audiencia a los noventa, como lo evidenció el cover que realizaron del tema de Sublime, ‘Santería’.

El festival cerró con los Dandi Yonquis, banda bogotana que hace poco lanzó su EP But Does it Affect the Body, Teacher?. Con respecto a ellos he de decir que verlos en vivo resultó una experiencia más satisfactoria que escucharlos en estudio, ya que aparecieron con un sonido más crudo y fiel a su espíritu, con el que demostraron que, aunque tengo hacia ellos la misma objeción que con Coyote en relación al uso del inglés, es posible crear un sonido que mezcle distintas vertientes de una manera que no suena forzada o poco orgánica y que pone de manifiesto la fuerza en Bogotá de la escena que no hace parte del mainstream (Me apego a la línea editorial de esta página que ha desterrado la palabra ‘Indie’ de su lexicón).

En líneas generales, el United Rock Fest en su primera edición, resultó ser un evento satisfactorio, que musicalmente hablando tuvo “De todo como en Botica” con propuestas de múltiples géneros que fuera de desdibujarse o perder identidad, aprenden entre sí y crean nuevas audiencias, con lo que se logra la construcción de una escena local.

The Dead Weather
Horehound
Third Man, 2009

Pareciera que hay personas que necesitan estar haciendo música para mantenerse vivos, igual que un tiburón necesita estar nadando todo el tiempo, y Jack White parece ser una de esas personas; mientras su compañera de banda Meg White vuelve a un ‘ritmo de competencia’, el músico de Detroit hace sonar su guitarra con cualquiera que se atraviese en su camino, ya sean los Raconteurs, o The Dead Weather, la banda que formó con Alison Mosshart (The Kills), Jack Lawrence (The Greenhornes) y Dean Fertita (Queens of the Stone Age), y que presenta su álbum debut, Horehound.

Como estoy seguro que es el caso de muchas personas, cada vez que oigo las palabras ‘supergrupo’ o ‘colaboración’ giro los ojos hacia un lado y hago una expresión de evidente hastío; la razón es sencilla, las mas de las veces (Por no decir todas), esos acontecimientos no son más que ferias de la autocongratulación y el menor esfuerzo posible, dando como resultado proyectos que, en el mejor de los casos apenas satisfacen las expectativas y la mayoría de las veces son simplemente mediocres. Sin embargo, White ha sido enfático al decir que proyectos como este y The Raconteurs no son supergrupos, sino bandas normales cuyos integrantes resultan ser músicos ya establecidos y con otros proyectos reconocidos, y al igual que ocurre con The Raconteurs, en Horehound cada uno de sus integrantes tiene la oportunidad de aportar lo mejor de su estilo propio, dando pie a unos interesantes diálogos entre instrumentos y estilos que permiten una mezcla que se siente realmente homogénea en el sonido de la banda, en la que no es posible identificar de manera específica las contribuciones de cada uno de los miembros de Horehound y que combina el sonido “Garajudo” de la guitarra de White con la sensibilidad stoner de Fertita y la tradición del bluegrass y Blues de Lawrence, rematando con la voz lo-fi y de actitud punk de VV Mosshart. Una combinación que se ve con toda su fuerza en la segunda mitad de Hang You From The Heavens o en el tema instrumental 3 Birds.

Como cualquier banda común y corriente, el principal reclamo que se le puede hacer a The Dead Weather es que en ocasiones, uno de sus miembros adopta un protagonismo desmedido, en este caso, el álbum sufre de un ‘Mosshart-centrismo’ que se manifiesta en que la vocalista de The Kills escribió (o co-escribió) ocho de las diez canciones del álbum y que la ilustración de la portada es una foto de ella. Para quienes (como yo) consideramos que Alison Mosshart es una vocalista algo sobrevaluada (siempre he considerado que su voz es muy parecida a la de Shirley Manson), esto puede ser un punto delicado a la hora de darle una oportunidad al álbum.

Les propongo un experimento, muéstrenle este álbum a cualquier persona sin decirle quienes integran la banda para que les de la opinión más honesta sobre el mismo. Les apuesto que esa persona dirá que es un álbum muy interesante y que de alguna manera, logra combinar el sonido de esta década que ya está terminando en una mezcla homogénea y concisa.

Tiny Vipers
Life On Earth
Sub Pop, 2009

Seattle… ciudad de mucha lluvia, hogar de psiquiatras imaginarios como Frasier Crane, escenas musicales que definieron el sonido de una década, y artistas como Jesy Fortino, conocida como Tiny Vipers y que lanza su segundo álbum de estudio, Life On Earth.

Admitámoslo, todos juzgamos los libros con base a su portada, y las más de las veces, ese primer juicio tiene bastante validez, una idea que es particularmente válida en el caso de este álbum. La imagen que proyecta Fortino de una mujer pequeña, menuda y de aspecto algo frágil combina perfectamente con las canciones de este álbum, que a su vez, representa un cambio estilístico con respecto al sonido más concreto, solido y tradicional de su primer álbum, Hands Across The Void. Las 11 canciones que hacen parte de Life On Earth pueden ser descritas con términos tales como ‘etéreo’, ‘difuso’ o incluso ‘espectral’. Temas como Eyes Like Ours, Slow Motion o Tiger Mountain tienen una peculiar cualidad atmosférica, con arreglos que logran crear un estado de ánimo muy particular y muy específico. Young God y Twilight Property en particular, sobresalen en poner el muro de sonido propio del ShoeGaze al servicio del Folk, estableciendo una sensación que aunque un poco perturbadora, también invita a escuchar aun más a fondo estos temas.

También es digna de mención la voz de Tiny Vipers. Los tonos bajos, un poco rasposos  y bastante seductores en cuanto a su capacidad de enganchar al escucha Fortino son el complemento ideal para el sonido del álbum. Es una voz que funciona a la perfección con una música que puede definirse como mínima, y que en lo que resulta una de sus propiedades más sorprendentes, logra evocar un extraño déjà vu. Se ha escuchado algo similar antes, pero no es posible recordar con precisión donde, y esa búsqueda constante también hace que sea  muy fácil volver al álbum, ya sea por querer escuchar de nuevo esa voz, o por querer descubrir de una vez por todas a que se parece.

Con un sonido que recuerda a Cat Power en sus primeras épocas, Life On Earth de Tiny Vipers es un álbum sólido y que no decepciona. En un género como el Nuevo Folk que empieza a mostrar signos de saturación, siempre es bueno encontrar artistas que no se sienten como fotocopias de otros y que presentan una propuesta interesante y que no se sienta predigerida o manufacturada.

Regina Spektor
Far
Sire Records, 2009

Es hora de hacer otra confesión que probablemente haga que varios de ustedes envíen mails a Cortesía de la Casa pidiendo mi cabeza: Solo vine a descubrir a Regina Spektor hasta hace poco menos de dos años, cuando su álbum Begin To Hope ya llevaba un buen tiempo en las calles; debido a ello, aun no había podido experimentar con ella esa ansiedad que uno tiene cuando un artista que ha estado escuchando por un tiempo lanza material nuevo, ansiedad que pude resolver hasta hace poco con su reciente álbum de estudio, Far.

Hay un fenómeno muy curioso que ocurre cada vez que sale un artista que se desvían de lo convencional, como lo hace la señorita Spektor con su sonido Anti-Folk: En una grotesca dinámica del mainstream, su propuesta es reprocesada y predigerida, dando como resultado versiones Light de sí misma. En el caso de Regina Spektor, se manifiesta con artistas como Sara Bareilles o Yael Naïm, artistas cuyo sonido parece ser una fotocopia del de Spektor en el sentido que solo explota una dimensión de la propuesta de la artista nacida en Rusia y criada en Nueva York (De hecho, algunos podrían argumentar que Spektor a su vez es una versión de Norah Jones).  Por una de esas grotescas jugadas del destino y del pop, Far es un álbum que parece ser una fotocopia del sonido de Regina Spektor. La encantadora cualidad que aparecía en sus anteriores trabajos, con un sonido juguetón y desenfadado ha desaparecido. Temas como ‘Human of the year’ o ‘Genius next door’ parecen tomarse a sí mismos muy en serio, con un sonido solemne y sombrío que termina, de alguna manera, contradiciendo sus letras y dejando a quien escucha las canciones en un relativo estado de confusión.

Por otro lado, pareciera que con el paso del tiempo, Spektor ha elegido por no tomar tantos riesgos, como lo evidencia el sonido más convencional de canciones como Laughing With, o Eet, un sonido carente de la ‘Encantadora rareza’ que acompañaba a los cortes de trabajos como Soviet Kitsch, Songs, o el mismo Begin to Hope. Una carencia que se manifiesta también en el hecho que los juegos y artefactos que hacía Spektor con su voz, y que con el tiempo se habían convertido en su marca registrada han desaparecido casi que por completo, haciéndose verdaderamente visibles solo en Folding Chair, con sus sonidos como de foca.

De la misma manera que Los Simpson terminó por convertirse en una fotocopia de Padre de Familia, en Far, Regina Spektor se ha convertido en una fotocopia de sí misma, igual que las artistas que salieron después de ella. Quizá es por el salto al mainstream o por la multitud de productores del disco, pero Far es un disco que apunta en muchas direcciones sin ser particularmente conciso, y que puede dejar a muchos seguidores de la artista algo insatisfechos.

Eso pasó conmigo.

The Sounds
Crossing The Rubicon
2009, New Line

Los comienzos de esta década vieron el renacimiento del New Wave de los ochenta, o algo parecido. Las bandas incluían a “Joy Division” y “New Order” dentro de sus influencias y se caracterizaban por un sonido lleno de sintetizadores. Varias (por no decir muchas) de estas agrupaciones desaparecieron tan rápido como aparecieron, mientras que otras lograron mantenerse, como es el caso de “The sounds”, el quintento sueco que lanza su tercer álbum, Crossing The Rubicon.

“The sounds”, liderada por Maja Ivarsson, tiene lo que podría describirse como ‘Agallas’, algo que se ha visto desde su primer álbum, Living in America, y que sigue viéndose en esta producción. Temas como Underground, Lost In Love, 4 Songs And A Fight, Midnight Sun y No One Sleeps When I’m Awake combinan guitarras y sintetizadores exitosamente, y con esto me refiero a que no hay ‘conflictos de poder’ entre los dos instrumentos, ya que se complementan y le dan un buen equilibrio a las canciones. Al mismo tiempo, cortes como Lost In Love o No One Sleeps… son temas con letras que de alguna manera refuerzan una imágen de Maja Ivarsson como una de esas mujeres que han endurecido su piel a punta de caídas y fracasos, pero que no temen levantarse, sacudirse el polvo y subirse al caballo una vez más con los riesgos que ello implica.

Siguiendo con el tema de Ivarsson, quienes esperan un regreso de la vocalista a los registros altos de las épocas de Hit Me, Seven Days a Week o Dance With Me, se verán decepcionados. Continuando con la línea del segundo álbum de la banda, la vocalista ha elegido mantenerse en un registro vocal bajo que le hace honor a las raíces new wave del sonido de este quinteto. En Beatbox y Underground, la vocalista hace gala de un estilo que nada tiene que envidiarle a Deborah Harry en Rapture, saliendo más que bien librada de la labor, aún cuando Beatbox y Home Is Where Your Heart Is sean los lunares en el álbum. Home Is Where Your Heart Is, es un tema extenuante para el oído por su extensión de siete minutos ya que corta con el estilo de la banda. Asimismo, Beatbox es un tema aburrido por su instrumentación, y suena peligrosamente similar a una canción de  los “Ting Tings”. Además, vale la pena resaltar que Katie White y Maja Ivarsson se parecen en poco.

Crossing The Rubicon es un punto medio en el sonido de la banda sueca, ya que mantiene elementos de sus trabajos más recientes al mismo tiempo que recupera cosas de su sonido temprano. A pesar de sus lunares y de ese sonido New Wave Revival que pareciera ser noticia de ayer, Crossing The Rubicon tiene una sensibilidad pop que hace que merezca una oportunidad.

Iron & Wine
Around the Well
2009, Sub Pop

Hay algo muy sugerente en la imagen propia del folk del artista solo con su guitarra en frente de una audiencia… Una curiosa paradoja que se remonta a las épocas de Bob Dylan, sigue con Joan Báez y en estos días es mantenida por Dallas Green (de City & Colour) y Sam Beam, más conocido como Iron & Wine que lanza su álbum de rarezas y lados b, titulado Around The Well.

A través de dos discos y más de noventa minutos, es posible encontrarse con dos sonidos muy distintos pero a la vez con mucha familiaridad dentro del proyecto folk de Beam. Los cortes del primer disco tienen un peculiar sonido lo-fi que se nota particularmente en temas como Ping! 33, Loud As Hope, o Swans And The Swimming. La conjunción de ese sonido poco pulido con la naturaleza folk de Iron & Wine resulta en un producto que potencia esa ‘folk-idad’ y que termina en el cover que hizo Beam de Such Great Heights de The Postal Service; un himno del indie de esta década y que aunque de origen completamente electrónico, en su versión folk no deja de ser merecedor de atención.

Por otro lado, el segundo disco nos muestra un sonido parecido pero distinto, con un sonido mucho mas pulido, acompañado de una instrumentación mas profusa, como en el caso de Serpent Charmer o Kingdom of the animals, al igual que los cortes del primer disco, sigue teniendo una poderosa sensación de cercanía e intimidad que demuestra las posibilidades del sonido folk.

Cuando hablaba del reciente álbum de Maxïmo Park, comentaba como era un punto de entrada ideal para quienes no conocían la banda. Este álbum es todo lo contrario, quienes no son muy amigos de este sonido suave y calmado del folk encontrarán más razones para renegar de él, mientras que quienes gustan del mismo y de Iron & Wine en especifico encontrarán rarezas que considerarán que vale la pena tener, al mismo tiempo que se ve la influencia de Beam en proyectos como City & Colour y en general, en esta ‘nueva generación’ del folk .

Maxïmo Park
Quicken The Heart
2009, Warp

Si del punk se ha dicho que es (en buena parte) pop acelerado, algo parecido podría decirse de su descendiente, el post-punk. En las 12 canciones que componen “Quicken The Heart” de Máximo Park, y que no pasan de los 3 minutos y medio, hay una cualidad increíblemente pegajosa: son canciones a las que es agradable volver, porque son, en el sentido más llano del término, fáciles de escuchar.

“Wraithlike”, tema que abre el álbum, tiene la combinación exacta entre esas baterías que no dan pausa y las que siendo rápidas, no entran con tanta fuerza en quien las escucha. Es una cara de la moneda que complementa “The Penultimate Clinch”, tema provisto de una profundidad que le da en buena parte, el bajo del comienzo.

“Let’s Get Clinical” se siente como una versión light de la música de “She Wants Revenge”, sin que esto signifique que sea un tema frívolo o se sienta como una parodia a cargo de este dúo de Los Ángeles.

Lo mismo ocurre con “The Kids Are Sick Again”, canción que posee cierta gravedad y una especie de ‘Peso dramático’, por lo que la hace una excepción agradable dentro de los cortes del disco.

Cada género tiene sus clichés: El Heavy Metal está lleno de imitadores de Bruce Dickinson, mientras que en el punk, los cantantes que combinan sin éxito a Johnny Rotten y Joey Ramone están ”a quinientos pesos la libra”. En el caso del Post-Punk y derivados, los vocalistas que intentan imitar sin mucho éxito a Ian Curtis son la regla antes que la excepción. Aunque Paul Smith, el vocalista de Maxïmo Park, sale bien librado de la faena, en un desafortunado caso de ‘Justos que pagan por pecadores’ y queda perdido en el mar de las malas imitaciones.

Toda banda tiene un álbum que es un perfecto punto de entrada para que quienes no los conocen se familiaricen con ellos. “Quicken The Heart” es un álbum agradable que invita a ser escuchado una y otra vez y permite conocer la vida y obra de Maxïmo Park.