Cortesía de la Casa

I See the Light – The Blind Boys of Alabama

El divorcio que hay entre los discursos seculares y los confesionales son tan odiosos pero tan reales, que hasta en la música se hacen evidentes. Géneros como el gospel, el soul y el country han sido desde sus inicios un brebaje, no solo de sonidos sino de sensibilidades y cosmovisiones. Los intérpretes se desenvolvieron  tanto en el altar donde en actitud de adoración reverencial integraban el coro de la iglesia, como en los escenarios donde ellos recibían las dádivas de los espectadores que los idolatraban; Sarah Vaughan inició en la Iglesia Bautista del Monte-Sión y Elvis Presley “El rey del rock” tiene una carrera de música espiritual muy convincente; por nombrar algunos.

Con el pasar de los tiempos, por intereses meramente comerciales, el termino gospel fue acuñado por los realizadores de música popular con contenido lírico espiritual. Se sacrificó el valor intrínseco de un género consistente, con una historia y un abolengo musical incalculable, por el interés de permear la cultura con discursos religiosos que poco impactan.

La consecución de discografía gospel en una tienda musical es una aventura imposible; ésta empieza con un letrero grande de color rojo que ofrece “gospel” y un estante atiborrado de discos de Marcos Witt, Alex Campos o Hillsong que poco tienen que ver con la palabra original “GodSpell”, que en castellano se traduce como «Llamada de Dios”. Estos respetables intentos compositivos con intención de  reflejar los valores de la vida cristiana, deben ser llamados por su nombre: Música popular con discurso confesional (MPDC).

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Pasé por la carretera en el 2008 con el impulso de una película: No Country for Old Men, llevada al cine por los hermanos Coen en el año 2007. Hurgando por información acerca de la  fotografía y la banda sonora, me enteré de que era una adaptación del libro homónimo del célebre autor gringo Cormac McCarthy. A sabiendas de que se acababa de ganar un premio Pulitzer con su nueva obra de la cual  se vendría una nueva adaptación cinematográfica, salí a la Lerner en busca de la hasta ahora más famosa novela de este escritor: La Carretera.

La tapa negra, cruda con letras rojas y grises que vende la editorial Mondadori es reflejo del contenido siniestro, visceral y frio del libro. Si bien su temática podría ser vista desde muchas ópticas, resalto tres que hacen de esta obra un serio discurso contemporáneo. 1. La relación padre e hijo en medio de una desolada “madre naturaleza”, 2. El discurso moral del hombre Moderno a una nueva generación práctica y desorientada – por no decir postmoderna – y finalmente 3. Una mirada que ralla entre lo apocalíptico con aristas ecológicas.

Inmersos en el más desolador de los escenarios, padre e hijo intentan atravesar costa a costa unos fangosos kilómetros plagados de caníbales, frio y hambre; dotados de harapos, armas hechizas y los implementos que en suerte llegan a sus manos. Viven los estertores de lo que podría ser la existencia de la raza humana sobre la tierra. Curiosamente, y quizá movidos por la supervivencia, los diálogos se mueven entre el dilema práctico de plasmar al hijo la idea de quien es “bueno”, y quien “malo”, con el fin de justificar los actos en caso tal que alguien muera. En vista de la dificultad del escenario, el lector palpita cada situación y con el doblar de cada página, presume la incertidumbre propia de una historia de alta carga emocional. Finalmente cuando se cierra el  libro, vale la pena preguntarse: ¿Ese discurso gregario de “nosotros”, propio de la ecología, será verdad?, ¿No es todo esto solo una cuestión de demografía y supervivencia?

La Carretera se estrena este 26 de septiembre. Dirigida por John Hillcoat, está protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Simt-McPheey. Si es pensada como el libro, se garantiza que expresará la generosidad radical de lo Mismo, impulsando el ansia del fin, a pesar de que sea obvia la sensación de fracaso.

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Enrique Arturo Diemecke

Esto no es una reseña, es el comentario de quien con un tímido ojo avizor propone una cita. Una reseña en el ámbito musical absoluto en este momento es pretenciosa, aburrida y hasta inútil.

Programa OFB:
Golijov – El último round, para orquesta de cuerdas
Cuellar – Fanfarrias y lamentos para orquesta
Silvestre Revueltas – Redes, suite.
DIRECTOR: Enrique Arturo Diemecke
Viernes 17 sep. Teatro mayor. 8pm.
Sábado 18 sep. León de Greiff. 4pm

Enrique Arturo Diemecke es un director y compositor mexicano catalogado por la revista inglesa Musical Opinion como “uno de los mejores de nuestros días”. Dicha descripción es corta y vacía, contrario a lo que refleja su hoja de vida: Director artístico y titular  de orquestas de alto turmequé como la Sinfónica Nacional de México, la  Filarmónica de Buenos Aires y de Flint en Estados Unidos, además de ser director invitado por orquestas de medio mundo actuando al lado de músicos como Mstislav Rostropóvich, Plácido Domingo y Yo-Yo Ma, entre otros; y de haber grabado con múltiples sellos disqueros de renombre como Sony, Decca y Deutsche Grammophon.

En los últimos 7 años he podido degustar de las presentaciones de este director en cuatro ocasiones con la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). La primera, 2 de agosto del 2003 en el León de Greiff, dejó la  impresión de histriónico, con movimientos exagerados, como si  tratara de opacar la orquesta. Contrario al odioso comentario, el repertorio estuvo pausado y emotivo con obras de Dvorák y Rajmaninof; hay que resaltar que ese día presentó una obra de su cosecha titulada “Chocona a Chávez”.

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Fotografía por Liliana Arias

Sismo: De lo privado a lo público

Usualmente hago públicas mis compras de discos, le comento a mis cercanos que estoy estrenando ese CD de Patti Smith que me trae loco o que encontré un LP de Pete Conde; una adquisición musical es doble cuando tus amigos la envidian. Seducido por un elegante arte, compré hace siete meses “La magia existe”, segundo disco de la banda bogotana Sismo. Contrario a mi usual alarde, lo mantuve en el anonimato, escuchándolo de a poco, solo y sin compartir comentarios. Sismo se presentó como una banda cerrera de la cual tenía una mínima información proveniente de un par de  reseñas, la intimidad de 14 canciones y la paciente espera de tener la oportunidad de verla en vivo.

“La magia existe” se puede definir como un disco machíro (dícese en Casanare de un animal de dificil socialibilización), que exige al escucha. Es una hora y diez minutos en los que una programación de coros de niños, frases contundentes y pequeños discursos hechos samplers, se enredan en algunos loops, guitarras y secuencias de percusión,  sin dejar atrás un  acertado uso orquestal, letras cortas que se desplazan entre impulsos personales y esperanzadores. Fórmula con la que Sismo tupe su atractivo y  gran logro: crear  atmósferas consistentes, reales y atrayentes sin dejar de ser música popular (con eso me refiero a canciones de no más de 6 minutos).

Convencido de estar ante la presencia de un proyecto musical inexistente, hasta ahora, en la escena bogotana y con un “sonido” muy cercano a bandas de otras latitudes como Perrosky (Chile) y Tronador (Argentina), socialicé un tema en una selección musical de Radio Campirana de marzo, generando un par de conversaciones con algún escucha. Mientras tanto hacía mi lista de temas favoritos: “Pajaritos”, “Avenida”, que es el tema más cercano a canción de radio y “Chispas en el aire”.

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