Cortesía de la Casa

Los Campesinos! "Romance is Boring"

Los Campesinos!
Romance is Boring
Arts & Crafts, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Sé que suena terriblemente pretencioso decir esto pero, oír el álbum de una banda después de verlos en vivo es una experiencia sumamente agradable. Poder decir “Ah sí, yo fui al concierto de ellos” es un placer del que todos somos culpables. Yo me considero afortunado al poder decir que me ha pasado en tres ocasiones: con Muse, Placebo y ahora, con Los Campesinos!, quienes sacan al ruedo su más reciente álbum, Romance is Boring.

Lo que siempre me ha atraído del septeto galés es que cada una de las canciones tiene un aire que se puede asociar a la catarsis emocional que solo es posible cuando uno, después de correr y correr, se para en medio de un espacio vacío y grita a todo pulmón hasta que el aliento esté por acabarse, un efecto que es posible en buena parte gracias a la voz de Gareth Campesinos!, quien mantiene esa cualidad que en términos técnicos sería desafinada, pero que emocionalmente apela a algo tan emotivo y tan primitivo que el efecto en quien lo escucha solo puede definirse en términos de “atrapar”. Ese “algo” se hace notorio en temas como ‘This is a Flag, There is No Wind’, el homónimo ‘Romance is Boring’ o ‘Plan A’, tema en el que se siente un aire a Xiu Xiu por algunos momentos, lo cual se puede explicar con la participación de Jamie Stewart en el disco.

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Lengua atómica de otros tratamientos de conducto

Lengua atómica y otros tratamientos de conducto
Varios Artistas
(Productora de arte Mantarraya, 2010)

Por: Julián F. Gutiérrez

Hablar de bandas y artistas nacionales siempre resultará complicado. Principalmente, porque el cinismo de muchos de nosotros (me incluyo) lleva a pensar que discutir un nuevo álbum grabado en Colombia es un simple hecho de acción afirmativa, en el que la producción adquiere un espacio no por méritos propios. Sin embargo, este no es el caso de Lengua atómica y otros tratamientos de conducto, primer compilado del colectivo bogotano Mantarraya, y que puede ser escuchado en línea en www.mantarraya.bandcamp.com.

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Arranca un nuevo año, y por ahí derecho, una nueva década (Aunque es más una cosa del inconsciente colectivo que de calendario). La ciudad vuelve a llenarse, con lo cual los que disfrutamos estos días de calles vacías vemos que se nos acaba la felicidad en ese sentido. Y como dice Felipe en esa tira de Mafalda, se viene un año lleno de hojas lisitas en blanco, en las que, para lo que nos concierne, se escribirá sobre la música que salga en este 2010.

Spoon - Transference

Así las cosas, es una buena idea echarle una mirada a lo que se viene en estos primeros meses. Si bien la muerte del Gitano Sandro De América y el repetitivo y sobrevaluado álbum de Vampire Weekend dejan un sabor de boca un poco agrio para arrancar, el nuevo disco de Spoon, Transference, promete cambiar algo de eso, junto al segundo álbum larga duración de una de las bandas más honestas que ha tocado en Colombia, Los Campesinos!, con su Romance is Boring, que muchos (me incluyo) esperamos siga combinando su inocente sonido twee-pop con letras oscuras a las que nos tiene acostumbrados, mientras que el nuevo álbum de The Magnetic Fields (Realism) promete ser un cambio con respecto al sonido al que la banda tiene acostumbrada a su público.
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Termina la década y va siendo hora de leer una de esas listas que todo el mundo está haciendo por estos días. Estos diez años de institucionalidades vapuleadas, ausencias de mundiales y edificios desplomados por aviones de pasajeros, también se caracterizaron por una reivindicación de ‘Todo tiempo pasado es mejor’ y el rescate de un sonido retro y lo-fi que fue un cambio necesario tras el Nü-Metal y las ridículas barbas de sus exponentes de 1999, al mismo tiempo que ahora fue mucho más fácil conocer nuevas propuestas  gracias a armas de doble filo como MySpace o Last.FM; al mismo tiempo, muchas de nuestras ideas preconcebidas alrededor de los géneros musicales quedaron derrumbadas gracias al trabajo de bandas innovadoras dispuestas a redefinir lo que entendíamos por la música que escuchamos.
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Them Crooked Vultures
Them Crooked Vultures
DGC/InterScope, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

No resulta descabellado decir que una marca distintiva de los lanzamientos de este año es la representación de los proyectos alternos conformados por los mismos músicos de los supergrupos, como lo demostraron John Frusciante, Paul Banks y Nina Persson (entre otros), junto a proyectos como The Dead Weather, y el que nos ocupa en esta ocasión, Them Crooked Vultures, compuesto por Josh Homme (Queens Of The Stone Age, guitarra), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana, batería) y John Paul Jones (Led Zeppelin, bajo), quienes lanzan su trabajo debut homónimo. Siga leyendo »

De los Otakus, el ElectroPop Y Mujeres Niponesas

Asobi Seksu y AltoCamet
Dlirio , octubre 28 de 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

Asobi Seksu por Manuel Estévez

Son casi las dos de la mañana cuando llego a mi casa. Estoy tendido sobre mi cama, con la cabeza a punto de estallar y un zumbido en los oídos que creo que me durará hasta halloween.

Me estrellé contra el muro de sonido que es Asobi Seksu, y viví para contarlo.

Retrocedamos unas cuantas horas antes de llegar a este punto. Son las nueve de la noche y me estoy fumando el sexto cigarrillo de toda la jornada (hecho que mis pulmones sabrán recriminarme al día siguiente) cuando veo un desfile de personas disfrazadas como personajes de anime pasar junto a mí. Siga leyendo »

Wolfmother
Cosmic Egg
Modular, 2009

Por Julián F. Gutiérrez

Esta década que termina representó el “Revival” de muchas cosas que dábamos por concluidas: El Mullet (También conocido como Greña Paisa), las gorras de camionero, y los regímenes totalitarios. Otra de las cosas que también revivieron en esta década fue el Stoner Rock de aire setentero, de bandas como Early Man, o quienes me ocupan en esta ocasión, los australianos Wolfmother, con su segundo álbum, Cosmic Egg.

Al oír Wolfmother, la primera producción de esta banda australiana, quedé con la impresión de que si bien eran técnicamente interesantes, el trío encabezado por Andrew Stockdale no hacía más que subirse al tren del “Revival” tan de moda por estos días, por esta misma razón cuando supe de la salida de Myles Heskett (Batería) y Chris Ross (Bajo/Teclado) dije que no lamentaría si eso significara el fin de la banda. En ese orden de ideas, el anuncio de que Stockdale continuaría el proyecto con nuevos músicos (Ian Peres, Aidan Nemeth y Dave Atkins) me intrigó con respecto a lo que podría pasar en términos del sonido de la banda. Las 13 canciones que aparecen en Cosmic Egg y que suman exactamente 57 minutos, siguen el camino planteado en el álbum de 2006, con temas que no son muy largos o muy cortos (El más corto es de tres minutos y el más largo dura seis), que se apoyan de manera significativa en los riffs que Stockdale y su afro logran sacar en la guitarra, y que se mueven entre el uso cuidadoso de las pedaleras de efectos y un sonido mas “en bruto” que logra de una manera más efectiva y natural esa reminiscencia con el Stoner Rock y el Hard Rock que se sentía un poco artificial en su primer trabajo, y que se ve en temas como ‘Back round bonus’, ‘Cosmic egg’ o ‘White feather’ que tiene en su riff de comienzo una sorprendente similitud con ‘Highway to hell’ de los compatriotas australianos de Wolfmother, AC/DC.

Es precisamente en similitudes como la que acabo de mencionar que el punto flaco del álbum sale a relucir. La voz de Andrew Stockdale sigue sonando como la de un joven Ozzy Osbourne o en ocasiones, Robert Plant, y todas las canciones se oyen como si pertenecieran a otra época. De la misma manera que The Killers no hace más que meter en el mismo saco el sonido del New Wave sin hacer nada nuevo con él, Wolfmother se limita a hacer viajes por la calle de la nostalgia setentera sin que plantee una propuesta distinta. Una cosa es tener influencias de bandas clásicas y otra muy diferente es no salir de esas influencias; Cosmic Egg no hace más que confirmar mi idea de Wolfmother como una banda que podría hacer más, pero que es muy temerosa de intentarlo o está muy acostumbrada a lo que está haciendo.

The Flaming Lips
Embryonic
Warner, 2009

Por: Julián F. Gutiérrez

He de confesar que cuando vi el nombre Embryonic en la lista de lanzamientos a reseñar, lo tomé inmediatamente. No porque los Flaming Lips sea una de mis bandas favoritas, al contrario, siempre he encontrado la psicodelia de la banda de Wayne Coyne como una  forma de  condescendencia hacia sus escuchas, idea que ha persistido a pesar de las oportunidades que les he dado. Sin embargo, como Ahab y Moby Dick, aprovecho la ocasión del álbum número 12 de la banda, Embryonic para darles una nueva oportunidad.

Siendo fiel a las ideas preconcebidas que tenía sobre el álbum, desde ‘Convinced of the hex’ hasta ‘Watching the planets’ este disco se siente como el producto de un coctel de sustancias que alteran la conciencia; las 18 canciones que componen este álbum doble (Una rareza en estos días) tienen una sonoridad que las hacen oscilar entre aquellas que tienen la propiedad de llevar a quien las escucha del punto A al punto R de una manera tal que uno no se da cuenta por completo, como el caso de ‘Aquarius sabotage’ ‘See the leaves’, ‘Silver trembling hands’ y ‘Worm mountain’. También aparecen canciones que parecen ser una exploración exhaustiva del mismo lugar, de lo cual son ejemplo temas como ‘If’, ‘Powerless’, ‘I can be a frog’, ‘The ego’s last stand’ ‘The impulse’ y ‘Your bats’.

Por otro lado, mis prejuicios alrededor de un sonido difícil de acceder quedaron desvirtuados. Si bien el sonido de Embryonic es un sonido evidentemente experimental, progresivo, espacial y cuantos adjetivos similares se les ocurran que se puedan asociar con el concepto de ‘Muro de sonido’, en ningún momento es intimidante o difícil de digerir. ‘Silver trembling hands’ es el mejor ejemplo de ello, con sus cambios de velocidad que lejos de resultar discordantes, resultan bastante entretenidos, invitando a escuchar mas del disco, como en el The Mars Volta de comienzos de década.

Con colaboraciones que van desde MGMT hasta el matemático alemán Thörsten Wörmann, Embryonic cumple con lo que promete: Es psicodelia, sintonizada con la época y a la que es necesario aproximarse con la disposición abierta para encontrarse con una provocadora experiencia.

Islands
Vapours
ANTI-, 2009

Por Julián F. Gutiérrez

Una de mis lecturas obligadas en Internet de lunes a viernes es un comic llamado Questionable Content. Hace algunos años en una de sus tiras, dos personajes hablaban de la banda canadiense Islands. En su momento hice la nota mental para buscar música de ellos, y aunque me tardé un poco haciéndolo, podría decirse que estoy reparando mi demora con la reseña del tercer álbum de estudio de esta banda, Vapours.

Cuando escuché por primera vez esta banda liderada por Nick Thoburn, se me hizo una banda muy representativa de ese pop barroco de bandas canadienses como Arcade Fire y Broken Social Scene con elementos de instrumentación clásica y voces suaves que en el caso de Islands poseía de una grandilocuencia que no veía como necesaria o merecida como la que aparecía en su álbum Arm’s Way. Sin embargo, pareciera que Thoburn y compañía hubieran dado un giro de 180 grados a la hora de planear y grabar Vapours. Los arreglos de cuerdas que le daban un sonido tan genérico y pomposo al disco de 2008 parecen haber desaparecido de la mente de los músicos de Montreal, las capas de instrumentación que más bien parecían capas de encaje han desaparecido dando como resultado un sonido más concreto y aterrizado que de alguna manera los libera de la necesidad de crear canciones majestuosas que parecen himnos, y que además, les permite crear temas que se sienten más íntimos y cercanos, como es el caso de ‘Switched On’, o ‘On Foreigner’, un cambio que tiene que ver sin duda con la intención de Thoburn de desmantelar y crear una nueva alineación para la banda.

El cambio en el sonido de la banda se traduce también en sus referentes. Canciones como ‘Devout’, ‘Heartbeat’, o ‘Shining’ tienen un fuerte componente electrónico, ya sea en teclados o secuencias, efectos que hacen referencia a bandas como Aqueduct, y más específicamente, a su álbum I Sold Gold de 2005. A pesar de esta nueva dirección, la banda no olvida sus raíces, y de manera muy apropiada, la última canción del disco, ‘Everything is under control’, introduce voces etéreas y todo un arsenal de efectos para lograr en el escucha las mismas impresiones que lograban los temas de anteriores trabajos.

El hecho de que en anteriores épocas los integrantes de Islands recordaran a Broken Social Scene y ahora recuerden a Aqueduct, plantea como Vapours, si bien es un disco con elementos que pueden calar en el oído, no aporta nada que sea particularmente nuevo a través de un constante “Déjà Vu” a anteriores trabajos de otras bandas. Hay una perturbadora sensación de que Islands subió tarde al tren del Indie, presentando trabajos de calidad pero que no presentan un avance significativo dentro de los horizontes del género en términos de experimentación o ampliación de los horizontes.

Islands tocando Vapours en vivo para ABC

AFI
Crash Love
InterScope, 2009

En nuestra colección musical, todos tenemos una que otra banda a la que seguimos dándole oportunidades así pareciera que sus días de gloria han pasado. En mi caso, AFI es una de esas bandas y vine a darles una nueva oportunidad en el marco de su nuevo álbum de estudio, Crash Love.

A lo largo de la década, la banda encabezada por Davey Havok ha pasado por varias etapas. Más exactamente, Davey Havok ha pasado por diferentes etapas, como el Glenn Danzig metrosexual que vimos en Sing The Sorrow y el imitador de Stephan Groth (Vocalista de Apoptygma Berzerk) que apareció en los videos de DecemberUnderground, con sus correspondientes devaneos Emo (en el caso del primer álbum) y Synthpop en el caso del segundo. Quienes sentían que estaba pasando muy grave en el mundo de AFI con esos coqueteos electrónicos que poblaron su más reciente trabajo, se sentirán aliviados al descubrir que tales cosas no hacen parte de las 12 canciones que componen el álbum, quizá porque Havok y el guitarrista Jade Puget sacaron lo electro de su sistema con su proyecto alterno Blaqk Audio dando como resultado un sonido que si bien tiene menos artificios y arandelas, llega a un punto en el que se convierte en algo muy convencional.

Siguiendo el camino trazado por Green Day en el 21st Century Breakdown, AFI se esmeró por darle a cada uno de los cortes del disco, desde ‘Torch Song’ hasta ‘It Was Mine’, un carácter que trata de ser épico pero que termina tomándose a si mismo demasiado en serio, hasta que llega a ser un poco ridículo, con letras como “The Broken Radio Was Playing Suicide” (La radio rota estaba tocando suicidio) de ‘End Transmission’, y otras cosas del estilo que parecen sacadas de lo que escribe el cajero de cualquiera de los locales del Centro Comercial Vía Libre en el centro de Bogotá. Esa ‘Seriedad excesiva’ también puede verse en el hecho que en ninguno de los temas están presentes los alaridos guturales a los que nos ha tenido acostumbrados Havok en los últimos tiempos, y hasta cierto punto, es como si la noción de volver a alguno de los elementos que caracterizó su sonido durante este tiempo les causara asco o urticaria.

Crash Love es, en términos llanos, un álbum que le dará aún más argumentos a quienes dejaron de darle oportunidades a la banda californiana. Su intento de volver a lo que los hizo conocidos antes, terminó en un álbum con un sonido pretencioso  y aburrido, que lejos de ser una evolución o un cambio natural, en AFI específicamente, no lleva a ningún lado.

Eso sí, yo seguiré dándoles oportunidades. Solo porque soy tan buen tipo.

El primer single se llama Medicate y este es el video: