Cortesía de la Casa

Si bien este espacio en Cortesía de la Casa está dedicado a la reseña de nuevos álbumes, sería un grave error de mi parte no comentar sobre los hechos de los últimos días. Es curioso que está década que ya está por terminar esté marcada por la muerte de tantos personajes, entre ellos el Rey del Pop, Michael Joseph Jackson.

Todos recordamos donde estábamos cuando se conoció la noticia de la muerte de Pablo Escobar, recordamos que estábamos haciendo cuando se cayó la primera torre del World Trade Center, y recordaremos donde estábamos cuando nos enteramos de la muerte de Michael Jackson. Ya con varios días de pasada la noticia, aun resulta un poco difícil de digerir el hecho que el artista pop más importante de los últimos cuarenta años haya muerto (No, no siento que esa afirmación sea exagerada).  La verdad es, que por más que nos hubiera gustado tener a Michael Jackson por mucho tiempo, ese tipo de vida no estaba reservada para él; como showman nato que era, tenía que morir en su ley, mientras preparaba su gran regreso, con lo que dejaba una huella mas grande. Ahora todos nos preguntamos que hubiera sido de esos cincuenta conciertos, ¿El regreso por la puerta grande de un viejo caballo de guerra? ¿Un episodio más en la caída de alguien que se convirtió en una triste caricatura de sí mismo? No hay forma de saberlo, y la cantidad de vueltas que se le dará a esa pregunta garantizan que el nombre ‘Michael Jackson’ tenga tanta o más exposición que en los años antes de su muerte, logrando salirse con la suya.

Siempre es muy difícil hacer una distinción entre el artista y la persona, y el caso más obvio de esa situación es con Michael Jackson. Si bien es un poco llover sobre mojado, hay que decirlo: Thriller es el álbum más importante de los últimos treinta años, y seguirá siéndolo por un buen tiempo, más que Nevermind, mas que OK Computer, Re, Post, Loveless o cualquier otro que se pueda mencionar, cada uno de los cortes de ese álbum tiene algo que satisface a cada oído; apela a las masas sin por ello dejar de ser un disco poco inteligente y su efecto se ve aun hoy; hace unas horas veía una presentación de NSYNC en los premios MTV del 2001, con rutina de baile de Michael al final, y es sorprendente ver como en poco más de un minuto, logra hacer lo que la Boy Band de marras hizo en todos sus discos. Convirtió al videoclip en algo más que una herramienta de promoción, hizo de él una forma de expresión visual, tampoco resulta descabellado decir que directores como Spike Jonze, Michel Gondry o Floria Sigismondi están donde están ahora gracias a las colaboraciones de Jackson con John Landis, Martin Scorsese y David Fincher. Sin embargo, está la otra cara de la moneda, la de los escándalos resueltos con sumas de ocho dígitos, la de los bebés colgando de balcones de hotel y muchos episodios más.

Sería irresponsable de mi parte como psicólogo que soy intentar dar alguna suerte de diagnóstico, o usar términos de psicología pop como ‘Complejo de Peter Pan’ para intentar explicar una situación que tiene tanto de ancho como de largo, en la que si bien hay conductas cuestionables, también hay una persona con una vida a todas luces anormal y que si bien no da carta blanca, si explica las múltiples dimensiones de una vida que si bien tuvo mucho de brillante, también tuvo episodios tristes y trágicos, que a fin de cuentas, con el paso del tiempo, poco importaran, porque lo único que queda es su obra.

El Rey ha muerto.

Larga vida al Rey.

Alexisonfire
Old Crows/Young Cardinals
2009, Vagrant Records

Algo le echan al agua en Canadá. No es posible que de un mismo país salgan bandas tan buenas y distintas como “Broken Social Scene”, “Metric”, “Danko Jones”, y “Alexisonfire”. Este último es un grupo de Post-Hardcore oriundo de Ontario y presenta su cuarto álbum de estudio, Old Crows/Young Cardinals (OC/YC).

El álbum arranca con una declaración contundente en su tema inicial Old Crows cuando Wade McNeil dice: “We Are Not The Kids We Used To Be” (No somos los chicos que solíamos ser). Además, las declaraciones que hace George Petit sobre querer ser la banda que le clave la cuchilla al screamo, son la evidencia de que este álbum tiene un sonido distinto al de anteriores esfuerzos. Los gritos casi ininteligibles de Petit que oíamos en su álbum anterior, Crisis, además de hacerse más comprensibles en canciones como Young Cardinals y Born and Raised, se han integrado cada vez más al sonido de esta banda.

Y es que “Alexisonfire” también ha cambiado con respecto a su álbum de 2006;  aunque la fuerza y agresividad propios del género siguen presentes en los once cortes que componen OC/YC, estos elementos se hacen más evidentes en términos de la atmósfera musical que en el sonido contundente y abrasivo, como ocurre en Midnight Regulations, The Northern o Burial.

Otra evidencia del cambio en el sonido que es evidente en este álbum, es la transformación en la dinámica de los tres vocalistas de la banda. Si antes Wade McNeil y Dallas Green servían como complemento a la voz de George Petit, ahora es Petit quien complementa a McNeil y a Green. Y realmente es Petit quien en canciones como Burial pone la experiencia del Hardcore de Ontario, experiencia obtenida en su proyecto “City & Colour” -porque Dallas Green no solo canta sensibles baladas con su guitarra acústica, también pone sus tatuados brazos al servicio del Hardcore-, lo cual, sin dejar de ser un cambio interesante en el sonido de “Alexisonfire”, deja dudas sobre qué tanto puede cambiar el sonido de la banda sin que la voz gutural de Petit deje de tener cabida dentro de la misma.

Si el primer álbum de “Alexisonfire” fue descrito como una pelea de cuchillos entre colegialas, Old Crows/Young Cardinals es el sonido de dos estudiantes de posgrado sacándose sangre. Es el sonido de una banda que con el paso del tiempo ha ido madurando y cambiando su sonido. El fervor de la adolescencia no puede mantenerse por siempre, pero puede convertirse en algo distinto.

The Sounds
Crossing The Rubicon
2009, New Line

Los comienzos de esta década vieron el renacimiento del New Wave de los ochenta, o algo parecido. Las bandas incluían a “Joy Division” y “New Order” dentro de sus influencias y se caracterizaban por un sonido lleno de sintetizadores. Varias (por no decir muchas) de estas agrupaciones desaparecieron tan rápido como aparecieron, mientras que otras lograron mantenerse, como es el caso de “The sounds”, el quintento sueco que lanza su tercer álbum, Crossing The Rubicon.

“The sounds”, liderada por Maja Ivarsson, tiene lo que podría describirse como ‘Agallas’, algo que se ha visto desde su primer álbum, Living in America, y que sigue viéndose en esta producción. Temas como Underground, Lost In Love, 4 Songs And A Fight, Midnight Sun y No One Sleeps When I’m Awake combinan guitarras y sintetizadores exitosamente, y con esto me refiero a que no hay ‘conflictos de poder’ entre los dos instrumentos, ya que se complementan y le dan un buen equilibrio a las canciones. Al mismo tiempo, cortes como Lost In Love o No One Sleeps… son temas con letras que de alguna manera refuerzan una imágen de Maja Ivarsson como una de esas mujeres que han endurecido su piel a punta de caídas y fracasos, pero que no temen levantarse, sacudirse el polvo y subirse al caballo una vez más con los riesgos que ello implica.

Siguiendo con el tema de Ivarsson, quienes esperan un regreso de la vocalista a los registros altos de las épocas de Hit Me, Seven Days a Week o Dance With Me, se verán decepcionados. Continuando con la línea del segundo álbum de la banda, la vocalista ha elegido mantenerse en un registro vocal bajo que le hace honor a las raíces new wave del sonido de este quinteto. En Beatbox y Underground, la vocalista hace gala de un estilo que nada tiene que envidiarle a Deborah Harry en Rapture, saliendo más que bien librada de la labor, aún cuando Beatbox y Home Is Where Your Heart Is sean los lunares en el álbum. Home Is Where Your Heart Is, es un tema extenuante para el oído por su extensión de siete minutos ya que corta con el estilo de la banda. Asimismo, Beatbox es un tema aburrido por su instrumentación, y suena peligrosamente similar a una canción de  los “Ting Tings”. Además, vale la pena resaltar que Katie White y Maja Ivarsson se parecen en poco.

Crossing The Rubicon es un punto medio en el sonido de la banda sueca, ya que mantiene elementos de sus trabajos más recientes al mismo tiempo que recupera cosas de su sonido temprano. A pesar de sus lunares y de ese sonido New Wave Revival que pareciera ser noticia de ayer, Crossing The Rubicon tiene una sensibilidad pop que hace que merezca una oportunidad.

Grizzly Bear
Veckatimest
2009, Warp

De alguna manera, el nombre de una banda dice mucho sobre su sonido; quiero decir, es difícil imaginar a una banda llamada ´TurboNegro´ tocando algo distinto a punk con sutiles toques homoeróticos (Y por ‘sutiles’, quiero decir ‘evidentes’. No en vano aparecían con frecuencia en WildBoyz y Jackass). De la misma manera, una banda que se llame ‘AlexisOnFire’ no puede tocar algo que sea distinto a un hardcore que golpee con fuerza y velocidad a quienes la escuchan. Siguiendo esa lógica, no es descabellado que una banda llamada Grizzly Bear tenga una propuesta con tintes folk como la de su más reciente álbum Veckatimest.

Siguiendo con la idea de ponerle un adjetivo al álbum como en pasadas reseñas, Veckatimest puede ser descrito como un álbum ‘atmosférico’. Una cualidad que es producto de las vocales etéreas de temas como Southern Point, Dory, o Cheerleader, así como por otro lado, se refleja en temas como Hold Still, Foreground, All We Ask o Ready. En Able, dicha cualidad se logra gracias a una instrumentación reverberante y llena de capas que aunque sin ser shoegaze, es igual de efectiva a la hora de crear un Muro de Sonido, lo que recuerda a anteriores trabajos de la banda de Brooklyn. A pesar de ello, hay elementos distintos y menos etéreos como lo demuestran While You Wait For The Others y About Face.

Al final del día, su principal atributo viene a ser el principal vicio del álbum, esa cualidad tan atmosférica y tan etérea hace que Veckatimest sea un álbum difícil de digerir a la primera vez que se escucha y que requiere varias repasadas para lograr que se asiente en el espectador, y la verdad sea dicha, no contiene muchos argumentos para atraer a nuevos seguidores al barco del Oso Grizzly.

Iron & Wine
Around the Well
2009, Sub Pop

Hay algo muy sugerente en la imagen propia del folk del artista solo con su guitarra en frente de una audiencia… Una curiosa paradoja que se remonta a las épocas de Bob Dylan, sigue con Joan Báez y en estos días es mantenida por Dallas Green (de City & Colour) y Sam Beam, más conocido como Iron & Wine que lanza su álbum de rarezas y lados b, titulado Around The Well.

A través de dos discos y más de noventa minutos, es posible encontrarse con dos sonidos muy distintos pero a la vez con mucha familiaridad dentro del proyecto folk de Beam. Los cortes del primer disco tienen un peculiar sonido lo-fi que se nota particularmente en temas como Ping! 33, Loud As Hope, o Swans And The Swimming. La conjunción de ese sonido poco pulido con la naturaleza folk de Iron & Wine resulta en un producto que potencia esa ‘folk-idad’ y que termina en el cover que hizo Beam de Such Great Heights de The Postal Service; un himno del indie de esta década y que aunque de origen completamente electrónico, en su versión folk no deja de ser merecedor de atención.

Por otro lado, el segundo disco nos muestra un sonido parecido pero distinto, con un sonido mucho mas pulido, acompañado de una instrumentación mas profusa, como en el caso de Serpent Charmer o Kingdom of the animals, al igual que los cortes del primer disco, sigue teniendo una poderosa sensación de cercanía e intimidad que demuestra las posibilidades del sonido folk.

Cuando hablaba del reciente álbum de Maxïmo Park, comentaba como era un punto de entrada ideal para quienes no conocían la banda. Este álbum es todo lo contrario, quienes no son muy amigos de este sonido suave y calmado del folk encontrarán más razones para renegar de él, mientras que quienes gustan del mismo y de Iron & Wine en especifico encontrarán rarezas que considerarán que vale la pena tener, al mismo tiempo que se ve la influencia de Beam en proyectos como City & Colour y en general, en esta ‘nueva generación’ del folk .

Green Day
21st Century Breakdown
2009, Reprise

Green Day es la banda de mi adolescencia. Mis años de pubertad pasaron entre Dookie (De lejos, uno de los mejores álbumes de los noventa), Amnesiac, Nimrod y el muy vilipendiado Warning. Además, mi llegada al segundo piso estuvo conmemorada por el inflama-pasiones American Idiot, así que estoy pendiente de cada lanzamiento de la banda, no solo por tener una apreciación genuina por su música, sino porque también le tengo apego emocional y nostalgia. Es por esto que no podía esperar para hablar de su octavo álbum de estudio: 21st Century Breakdown

Creo que el adjetivo que mejor describe este álbum de buenas a primeras es ‘Grande’ (con mayúscula). Con una hora y nueve minutos de tiempo, escucharlo es como una maratón, sin embargo, a diferencia de su antecesor, no tiene canciones de nueve minutos. De hecho, el corte más largo en 21st Century Breakdown, llega a los cinco minutos y medio, lo cual es bueno para aquellos que encontramos extenuantes temas como Jesus of Suburbia en el American Idiot .

En términos estilísticos, Green Day parece recorrer un camino del cual parece no haber regreso: El del Arena Rock. Cuando decía que el álbum puede ser descrito como ‘Grande’, no solo me refería a la duración de los tracks, o a las 18 canciones que aparecen en el álbum; cortes como ¿Viva la Gloria? (Little Girl), el sencillo de lanzamiento, Know Your Enemy, o Horseshoes And Handgrenades, solo pueden ser tocadas en estadios o festivales al aire libre. Con este álbum, Billie Joe Armstrong y compañía se despiden por completo de la idea de tocar en espacios pequeños y adquieren un carácter masivo que se refuerza con la historia que tratan de contar a través de las canciones.

Y es justamente ese el punto flaco del álbum. Tras ocho años de desmanes de George Bush, el aire político de las canciones se siente como ‘Predicarle a los convertidos’; a estas alturas del partido todo el mundo sabe que la presidencia de George W. Bush fue atroz y nociva, no solo para los Estados Unidos sino para el Mundo, por lo que rumiar ese mensaje se hace un poco extenuante y se siente en ocasiones como un intento de sacar ganancia de un antiamericanismo que en ocasiones se siente más como una moda que como cualquier otra cosa (Antes que digan algo, yo no soy el fanático número uno del Tío Sam).

Si el chico de 12 años que cantaba When I Come Around a grito herido oyera este álbum, acusaría a Green Day por vendidos y abandonaría la banda por completo.

Aunque 21st Century Breakdown tiene una mejor cohesión narrativa que American Idiot, esta producción hará que quienes se sentían desorientados por el álbum de 2004 abandonen por completo el barco de Green Day. Con este álbum la banda se convierte en una bestia distinta, que sin duda alienará a muchos, pero que quizá (con énfasis en el ‘Quizá’) termine atrayendo a otros.

Maxïmo Park
Quicken The Heart
2009, Warp

Si del punk se ha dicho que es (en buena parte) pop acelerado, algo parecido podría decirse de su descendiente, el post-punk. En las 12 canciones que componen “Quicken The Heart” de Máximo Park, y que no pasan de los 3 minutos y medio, hay una cualidad increíblemente pegajosa: son canciones a las que es agradable volver, porque son, en el sentido más llano del término, fáciles de escuchar.

“Wraithlike”, tema que abre el álbum, tiene la combinación exacta entre esas baterías que no dan pausa y las que siendo rápidas, no entran con tanta fuerza en quien las escucha. Es una cara de la moneda que complementa “The Penultimate Clinch”, tema provisto de una profundidad que le da en buena parte, el bajo del comienzo.

“Let’s Get Clinical” se siente como una versión light de la música de “She Wants Revenge”, sin que esto signifique que sea un tema frívolo o se sienta como una parodia a cargo de este dúo de Los Ángeles.

Lo mismo ocurre con “The Kids Are Sick Again”, canción que posee cierta gravedad y una especie de ‘Peso dramático’, por lo que la hace una excepción agradable dentro de los cortes del disco.

Cada género tiene sus clichés: El Heavy Metal está lleno de imitadores de Bruce Dickinson, mientras que en el punk, los cantantes que combinan sin éxito a Johnny Rotten y Joey Ramone están ”a quinientos pesos la libra”. En el caso del Post-Punk y derivados, los vocalistas que intentan imitar sin mucho éxito a Ian Curtis son la regla antes que la excepción. Aunque Paul Smith, el vocalista de Maxïmo Park, sale bien librado de la faena, en un desafortunado caso de ‘Justos que pagan por pecadores’ y queda perdido en el mar de las malas imitaciones.

Toda banda tiene un álbum que es un perfecto punto de entrada para que quienes no los conocen se familiaricen con ellos. “Quicken The Heart” es un álbum agradable que invita a ser escuchado una y otra vez y permite conocer la vida y obra de Maxïmo Park.

Peaches
I Feel Cream
2009, XL Recordings

Es fácil pensar en Merrill Beth Nisker (Peaches para los amigos) como en una más del parche. No me resulta muy descabellado imaginarme una noche de camorra con ella, inundada de licor, sudor, otros fluidos corporales y muchos puños; más que por sus esfuerzos por borrar o hacer difusa la línea que separa lo masculino de lo femenino, es una sensación inspirada por el sonido y afinidad Electroclash de su música (Siempre he querido irme de farra con su canción Rock Show de fondo). Es por eso que siempre le pongo atención a las cosas que ella hace, como su más reciente álbum: I Feel Cream

Es curioso que haya hecho una mención al Electroclash en el párrafo anterior al hablar de este disco, por una sencilla razón: De todos los álbumes de la artista canadiense, este es el que menos se adhiere a ese género. Talk to me y Lose You son puntos de partida en la obra de Nisker, desde su contenido lírico, quizá un poco menos confrontacional que en otros temas, y su sonido un poco mas Downbeat, que aunque bailable, no es algo que a lo que nos tenga acostumbrados; por otro lado, Relax le hace honor a su nombre, con un beat sencillo y lento, arreglos sencillos y una voz como muy pocas veces le hemos oído a Peaches con momentos en los que parece casi susurrar las letras de la canción. Por otro lado, Billionaire con una percusión densa y pesada y arreglos precisos de sintetizador y percusión tiene un sabor increíblemente hip-hop esco, por un momento, me recordó a Dirty de Christina Aguilera (Si si si, una canción de Christina Aguilera, sigamos con la reseña por favor…). Finalmente, Mommy Complex, Take You On y I Feel Cream son temas que tienen un sonido que se afilia con las vertientes mas tradicionales del Dance

Aunque claro, todo lo anterior no debe ser interpretado como que Peaches haya olvidado por completo sus orígenes. Show Stopper, y More son temas que le muestran algo familiar a los que extrañen el sonido de anteriores épocas.

‘Distinto mas no por ello peor’, es la mejor forma de describir el nuevo trabajo de Peaches, con un sonido similar en fondo mas no necesariamente en forma con respecto a anteriores discos, lo que debe mantener a propios a la vez que invita a extraños.