Cortesía de la Casa

Bad Religion
30 Years Live

Por: Julián F.  Gutiérrez

El mail con el código de descarga llegó hoy en la mañana, encabezado con un entrañable “Dear Julián”. Al final, hay una foto de ellos seis sentados en una mesa de parque casi que diciendo “Hombre, ojalá pudieras estar acá”.

Resulta difícil creer que esos seis hombres que ya están en su mayoría en la mitad del cuarto piso hayan sido una de las fuerzas más importantes en el punk durante los últimos treinta años. Greg Graffin está  cada vez mas calvo, su cara se ha hecho más gorda y tiene un aspecto ciertamente bonachón, mientras que el pelo de Brett Gurewitz se hace más y más gris al mismo tiempo que Jay Bentley deja de ser el Galán del Punk para ser el Galán Otoñal del punk, pero eso evidentemente no podría importar menos; Bad Religion está más vital que nunca, como lo muestra su álbum 30 Years Live, disponible para descarga gratuita a quienes están inscritos en la lista de correo de la banda.

Muchas bandas punk parecen no envejecer con dignidad. Seamos honestos, a pesar de lo mucho que significan para el género, los Ramones se quedaron metidos en la época de los álbumes anteriores al End of the Century, convirtiéndose en una caricatura de sí mismos como lo demostraron algunos de los discos lanzados en los años ochenta. Cuando vi a los Misfits en Theatron hace 4 años me pareció por un momento ver a esas bandas de metal que más de veinte años después no la lograron y llegan a una persistencia que es casi patética, y ni me hagan hablar de Green Day (Aunque ciertamente, espero poder verlos en octubre), pero al oír los temas de este disco se siente como si el tiempo no hubiera hecho demasiada mella en el sonido de la banda, siendo una experiencia tan contundente como uno podría imaginar, sin tantos “Oozin’ Aahs” (sus famosas armonías vocales) y si con un sonido que raya en el hardcore clásico, lo que es entendible tomando en cuenta que es un álbum en vivo. El setlist por otro lado, no podría ser más representativo de la banda cubriendo las épocas del How Could Hell Be Any Worse?, The Process of Belief, The Empire Strikes First, Recipe for Hate y Against the Grain, entre otros.

Con una canción nueva (‘Resist-Stance’) que no tiene nada que envidiarle a anteriores épocas y una muestra de 30 años de carrera, Bad Religion es una banda que ya está por encima del bien y del mal y deja ver de lo que aún es capaz. Yo solo espero poder verlos en vivo, o en su defecto, colarme en alguna clase de las que da Greg Graffin en la Universidad de California.

Joy Division

A 30 años del trágico suicidio de Ian Curtis, vocalista líder de la banda inglesa Joy Division, Alta Fidelidad le rinde un homenaje a este artista, quien influyó de una manera impensada a muchos artistas; como Moby, Girls vs. Boys, Hot Chip, Sumo, Trent Reznor y Peter Murphy; que le siguen rindiendo tributo versionando sus canciones.

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No recuerdo que día era, no recuerdo si tenía resaca o si había abandonado la bebida. No recuerdo la época del año en la que estaba. Puede que fuese otoño. Creo recordar que el viento pretendía emblanquecernos la piel. El sol tibio vagueaba y los árboles desnudos tiritaban indefensos. La tarde inminentemente fue noche y nosotros, mis amigos y yo charlamos para calentarnos con las palabras. Íbamos camino de la sala Sirocco. Allí nos esperaba Antonio Luque, el chinarro. Su banda andaba tocando ” El mundo según” y ” El fuego amigo” por toda España y pensé que hacerles una visita a su paso por Madrid sería lo más adecuado. Porque si escucharle en casa despierta la astucia del lince ibérico, verle en directo es hacer parte del club de los tímidos unidos por una música contundente y sustanciosa como el salmorejo.

El poemario de la Andalucía folclórica, el lienzo de la España costumbrista y la lírica mundana y sutil son sólo cosa suya. El aburrimiento de la rutina, el cante flamenco, las batallitas de pareja, son contadas por Antonio como por el más sabio de los abuelos sentado en torno a una hoguerita playera. Nos adoctrina con sus letras y convence a su público con una música que huele a romero y a laurel.

Creo que cuando terminó el concierto pensé: “este pájaro tiene el anecdotario más sagaz que haya escuchado nunca”. Sigo sin recordar el día, la época y mis circunstancias personales esa jornada de concierto, pero cada día que lo escucho pienso que es el mejor cantautor español que conozco.

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65DaysOfStatic
We Were Exploding Anyway
Hassle, 2010

Cuando uno se dedica a escuchar música y escribir sobre lo que ha oído, siempre corre el riesgo de saturarse, de oír bandas que no son más que imitaciones de conceptos ya explorados anteriormente y que no ofrecen más, y es por eso que  encontrarse con verdaderas joyas es una experiencia tan reconfortante, y debo decir que eso me pasó con el más reciente disco de 65DaysOfStatic, We Were Exploding Anyway.

Al escuchar ‘Mountainhead’, primer corte del disco, pensé que me encontraría ante un álbum muy parecido a su anterior trabajo, The Destruction of Small Ideals, lo cual, si bien no era algo malo, tampoco sería algo particularmente notable. Sin embargo, a medida que avanzó, una nueva bestia fue apareciendo, con solo unas ligeras trazas del sonido que tenía la banda anteriormente. Los componentes de loops, secuencias y samples que aparecían de manera tímida en anteriores trabajos de la banda ahora toman la parte central del escenario, lo que trae como resultado un disco de sonido más rítmico y menos atmosférico, una cualidad que se nota en la que es, sin lugar a dudas la canción más interesante del disco, ‘Dance dance dance’, una andanada de percusión y secuencias que durante 4 minutos obliga a quien la oye a moverse al ritmo que le dice el tema, situación que también ocurre con ‘Come to me’ y ‘Crash Tactics’. ‘Come to me’, tema que tiene la participación de Robert Smith, ‘Go Complex’ y ‘Debutante’ por su parte, son las excepciones a esa regla, con una masa crítica que empieza a construirse lentamente y que estalla de una manera que deja a quien escucha el disco completamente fuera de balance y pidiendo más. El hecho que es un disco con una fuerte vena rítmica e incluso bailable (no puedo esperar a oír remezclas de varios de los temas del disco) no quiere decir que sea un disco superficial, al igual que en anteriores trabajos de la banda, las melodías que aparecen en este álbum logran conectarse de alguna manera con quien oye el disco, de tal manera que invitan a escucharlo varias veces sin sentirse agobiado o cansado del mismo.

Si bien se aleja del anterior trabajo de la banda inglesa, y es ciertamente muy distinto del sonido de una banda como Mogwai, We Were Exploding Anyway es fiel a la fórmula del post-rock en términos de la deconstrucción y replanteamiento de elementos con los que estábamos familiarizados, convirtiéndose en el mejor trabajo hasta el momento de 65DaysOfStatic y muy probablemente, en uno de los mejores discos del año.

El pasado 22 de abril se llevó a cabo el lanzamiento del nuevo sencillo y video de Aterciopelados, Tréboles, extraído de su disco Río. La canción impulsa, tanto en su letra como video, una causa que me parece completamente válida: la importancia nutritiva y religiosa que para nuestros indígenas tiene la mata de coca. “Ninguna mata mata”, es el slogan que utilizan para referirse a su desacuerdo con la campaña publicitaria “No consumas la mata que mata”.

Luego de algunas danzas rituales, tomaron la palabra dos mujeres indígenas colombianas y un vocero de los mayas, para aclarar que en ningún momento se busca hacer una apología al consumo de droga sino, por el contrario, concienciar del mal uso que se le ha dado a esta planta que, para ellos, es sagrada y curativa; además del aporte nutricional que representa para estas comunidades.

El evento concluyó con un desconectado de Aterciopelados, muy volcado hacia la música andina, en el cual interpretaron canciones de Río, con algunos invitados musicales como Mariposa Solar, que apoyan también esta causa indígena.

El éxito real de esta banda, luego de 20 años de trayectoria, se ve reflejado en un público fiel, el cual se sabe sus canciones y apoya sus iniciativas, lejos del ruido mediático que generan otras bandas que aparentemente son más sólidas y que, se podría creer, que están más vigentes.

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¿Podría imaginarse como sería su vida con banda sonora incorporada?
Que canción sonaría al despertarse, al ir tras un bus de transporte público, al sentirse perseguido mientras camina, o cuando nota que ha olvidado algo importante?

En esta ocasión un programa realizado por David Parra y Nancy Paola Rueda (estrenándose en esto de la “radio”).

Temática: Los musicales en el cine, el mejor ejemplo de banda sonora incorporada en escenas cruciales, pues no hay nada mejor que una canción para hacer entender lo que sucede, acompañado de un gran despliegue de bailarines, pasos sabrosos y canciones pegajosas.

Esperamos que disfruten, canten, bailen y recuerden con este leve acercamiento, otro de los especiales lugares donde la música es protagonista, el cine.

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Listado de canciones:
The School Of Rock – The School Of Rock
If You Rescue Me – The Science Of Sleep
Dear prudence – Across The Universe
Good Morning – Singing in the Rain
The Gospel Truth – Hercules
You’re the one that I Want – Grease
Quiero ser un hombre como tú – El libro de la Selva

Kate Nash
My Best Friend Is You
Fiction, 2010

Por: Julián Felipe Gutiérrez

En el 2006, Lily Allen inauguró el nicho de pop de chicas británicas con falso acento cockney y actitud de mala, nicho que empezó  a ser colonizado unos años después por gente como Katie White (de The Ting Tings) y Kate Nash, que lanza su segundo álbum de estudio, “My Best Friend Is You”.

Para ser honesto, temía bastante que la encantadora señorita Nash fuera víctima del conocidísimo “síndrome del segundo álbum” en esta ocasión. Si bien ‘I Just Love You More’ era una canción bastante interesante, sembraba bastantes dudas sobre si Kate Nash adoptaría el camino fácil y, “se las daría de ruda” con este disco nuevo y si hay algo de cierto en que hay canciones con una actitud más oscura como es el caso de ‘Mansion Song’, no es un cambio muy abrupto con respecto al sonido de su primer trabajo, “Made of Bricks”. De hecho, temas como ‘Take Me to a Higher Plane’, ‘Early Christmas Present’, ‘Paris’ y ‘Pickpocket’ son ejemplos de cómo eso que estaba presente en las canciones del primer disco permanece en este: Esa combinación entre un sonido inocente y hasta cierto punto infantil, con letras agudas y contundentes, las que solo se pueden escribir después de un corazón roto o una decepción del tamaño de Groenlandia y que le da a la música de Nash un balance entre inocencia y oscuridad que por alguna misteriosa razón, siempre asocio con los libros de Roald Dahl.

Musicalmente hablando, es un álbum que se siente con más sustancia y cuerpo, que elabora sobre lo obtenido en el primer disco, como lo muestran (de nuevo) ‘Paris’ o ‘Later On’, pero que incorpora influencias nuevas sin que se sientan forzadas, como el sonido de Girl Group sesentero de una canción como ‘Kiss That Grrl’, las influencias de Los Campesinos! en ‘Take Me to a Higher Plane’, o el sonido más inclinado hacia el rock de ‘I Just Love You More’ o ‘Doo Wah Doo’.

Si bien es un disco más agresivo que su primer trabajo y en el que no hay una sucesora clara a un tema como ‘Nicest Thing’, “My Best Friend Is You” es un sucesor digno de “Made of Bricks”, que demuestra que Kate Nash dista mucho de ser flor de un día y que le da una voz y un sonido muy propios, desechando las teorías de ella como un clón de Lily Allen.

A la hora de escuchar música, pocas sensaciones se comparan a la de quedar completamente sorprendido ante una banda o artista del que se tenían pocas expectativas. En mi caso, si bien pensé que podría llegar a gustarme Eluvium (el proyecto de Matthew Robert Cooper) la primera vez que lo oí, también pensé que podría llegar a ser algo muy derivativo de otros proyectos como Jesu o Explosions in the Sky. Evidentemente resulté estar equivocado, y es así que me encuentro hablando de su más reciente álbum de estudio, Similes.

Tomando en cuenta que Miniatures, lanzado el 2008 es un disco que el mismo Cooper considera como un proyecto independiente de Eluvium, el referente más inmediato del sonido de Eluvium es su hermosísimo álbum de 2007 Copia con un sonido que, si bien podría ser considerado como post-rock, también tenía muchos elementos de naturaleza más ambiental, potenciados, sin duda alguna, por la naturaleza instrumental del álbum. En Similes, la inclusión de letra y voz a las canciones del disco le da una nueva dimensión. En un sentido, la aparición de contenido lírico en Similes hace que la música de Eluvium pierda algo de ese carácter de proyección tan propio del post-rock, especialmente en canciones como The Motion Makes Me Last, en la que las voces con un fuerte componente de reverberación le dan un aire muy particular al tema que recuerda en ocasiones a Red House Painters, algo que también ocurre en Making Up Minds. Por otro lado, es evidente que, si bien Miniatures no puede ser considerado como un disco de Eluvium, el sonido de ese proyecto se ha trasladado a Eluvium, con una mayor presencia de arreglos de piano y teclados en las canciones.

Con Similes, Eluvium da el paso definitivo a un sonido más ambiental y menos post-rock. Si bien se apoya bastante en la creación de texturas y no de melodías, son texturas muy etéreas que apuntan a crear un estado de ánimo determinado. En ese sentido, quienes esperan algo por el estilo de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky o 65daysofstatic, quizá debieran buscar en otro lado pues Eluvium ha cortado sus vínculos con ese género.

GoldFrapp
Head First
Mute, 2010

Por: Julián F.  Gutiérrez

Si seguimos la lógica de la década pasada que se encontró influida en muchos niveles por los años ochenta, podríamos llegar a pensar que esta década va a estar poblada de un revival noventero, con camisas de leñador en lugar de gorras de camionero y gente pagando un ojo de la cara por un Super Nintendo en buenas condiciones. Aún así, hay quienes se aferran a las nostalgias de los años ochenta (sin que eso sea malo), como lo demuestran Allison Goldfrapp y Will Gregory con su quinto álbum de estudio, Head First.

El asunto de las influencias en un artista siempre es un camino para recorrer con cuidado, a riesgo de quedar con joyas como Shakira diciendo que tiene influencias de The Cure (lo dijo en ocasión de su disco Servicio de Lavandería). Muchas veces, la discusión sobre las influencias de un artista, sobre todo cuando viene por parte de la prensa especializada, termina siendo un ejercicio de periodismo perezoso en el que simplemente dicen a quién se parece tal o cual banda, siendo el caso más claro quienes comparan automáticamente a PJ Harvey con Patti Smith o a Duffy con Dusty Springfield.

Sin embargo, en el caso de Goldfrapp, la comparación está puesta en bandeja de plata y es inevitable hacerla. Los 38 minutos que dura Head First rezuman sonido ochentero por cada uno de sus poros con canciones llenas de beats y sintetizadores que parecen haber sido creados en 1984 y que son un giro de 180 grados con respecto a la fantasía hippie que fue su anterior álbum, Seventh Tree; es muy difícil luchar contra la tentación de pararse a hacer aerobics al oír un tema como ‘Shiny’, que le hace honor a su nombre (brillante), algo que también ocurre con temas como el muy adolescente (y hasta Lauper-esco) ‘I Wanna Life’ o el sencillo de lanzamiento, ‘Rocket’. ‘Voicething’ es un cambio total con respecto al espíritu del álbum pero que aun así, es un cierre con broche de oro.

Si bien Seventh Tree no es un mal disco, desentona totalmente con lo que es el sonido de Goldfrapp. Head First es el regreso a la música que Goldfrapp y Gregory saben hacer mejor y en el que admiten abiertamente de donde vienen sus influencias.  Es un disco que huele a fijador y amoniaco para hacer permanentes y que está hecho para ser escuchado con calentadoras o una chaqueta Members Only, y que demuestra que quizá sea buena idea seguir in tiempo más con el revival ochentero.

No le agradezca a la radio, a su reproductor o a Cortesía de la Casa la posibilidad de escuchar horas de música de forma agradable y sin cansarse, agradézcaselo a Schubert, quien desarrollo a plenitud la canción moderna en una época en que la distancia entre la música culta y la música popular era menor que en cualquier otra: a finales del siglo XVIII.

Hoy, bastantes años después la canción no ha cambiado de estructura, ni de formato ni de tiempo promedio y como bien lo citó el compadre Obama en esta semana:

“El movimiento de los derechos civiles era un movimiento sostenido por la música, llevado por los ‘negro spirituals’, inspirado por la Biblia, y enmarcado por las CANCIONES de protesta sobre las injusticias que debían ser corregidas”.
HJCK KIDS, sin intereses impositivos, desnuda la “absoluta” música y la presenta virginal, hasta que el último de los niños que sale bailando en el comercial de Frutiño, con Fanny Lu y con Juanes, conozca obras BÁSICAS del repertorio clásico.

HJCK KIDS es la radio de unos inmensos chiquitines.
Los patrocinadores de HJCK KIDS apoyan la cultura.

Lista de temas:
Predicación de San Antonio de Papua a los peces – GUSTAV MAHLER
La vida anterior – HENRI DUPARC
La canción de Mackie Navaja – KURT WEILL
La canción de los cañones – KURT  WEILL
The Man I love – GEORGE GERSHWIN, Intérprete: Sara Vaughan
Looking for a Boy – GEORGE GERSHWIN, Intérprete: Sara Vaughan
He Loves and She Loves – GEORGE GERSHWIN, Intérprete: Sara Vaughan
Serenata de Amor – JAIME R. ECHAVARRÍA, Intérprete: Carmina Gallo y OFB

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