Cortesía de la Casa

Un hilo de agua resbala y desciende la única montaña por una fisura oculta: una amable vena surge donde todavía no existe el cauce de ningún río. La incisura se agranda, en realidad ha dudado si hacerlo o no, pero un poder superior origina un torrente de aguas vírgenes, tumultuosas y reflexivas.

Se está gestando mewithoutYou.

Ellos son la montaña, en un principio. Y después el río porque provocan una profunda erosión en la áspera montaña, el caudaloso flujo salpica todo ese inhóspito lugar, y allí florece y aparece un paraje bonancible. En seguida se llena de vigorosos animales, el viento sopla lozano y allá, la composición es bondadosa y pura. Una superficie aguerrida, es la tierra de Aaron Weiss y su banda. Cuando suena su arpa cubierto de escarcha, sale el Sol. Y en ese enclave su Dios les dio la palabra para que la religión del libro saliese de la encuadernación y consiguiese agitar a sus seguidores con danzas valientes y primitivas. El soberano les animó para que su tierra fuera fervorosa y musical. Les encomendó promulgar la providencia y la meditación, ellos decidieron hacerlo de un modo salvaje. Creando sus propias tormentas místicas de raíces metálicas, con tambores que suceden a guitarras. Relámpagos de cuerda que orientan su resplandor hacia la enrrabietada voz de Aaron.

mewithoutYou habita un territorio espiritual y fiero, y el ocaso lo acompañan con acordeón y trompeta. Estremeciendo las briznas de hierba recién crecida y calada por un fértil pero auto-dubitativo mantillo.

El escritor de canciones  y compositor de bandas sonoras Julio de la Rosa se presenta en Bogotá este miércoles.

Miércoles 17 noviembre de 2010, 8PM
Lugar: CENTRO CULTURAL JULIO MARIO SANTODOMINGO (Calle 170 # 67 – 51 – San José de Bavaria)
Entradas: Taquillas Tu Boleta y taquillas del teatro
Precios: $22mil

Myspace Julio de la Rosa
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En medio del aluvión de conciertos -de lo que en su momento se consideró como música “indie”- que llenan la agenda cultural bogotana hay uno que concentra mi atención y mi deseo: el de Julio de la Rosa.

Julio de la Rosa es español, es inquieto, es cantautor, es compositor de música para películas, es productor y es escritor. Dicho de otra forma  -de la mejor forma- Julio de la Rosa es un artista, y está en Bogotá, y perdérselo sería una pena mortal.

Entro en detalles: Julio de la Rosa es uno de los músicos más importantes de la escena independiente en España. Desde mediados de los noventa se empezó a vérsele en los escenarios como miembro de la banda sevillana Strange Fruit, luego en 1998, en su natal Jerez de la Frontera conformó la emblemática agrupación El Hombre Burbuja hasta el 2003, año en que decidió volar solo y firmar sus discos con su nombre propio.

A partir de “M.O.S” (2004) se descubre a De la Rosa como un escritor genuino lleno de ironía y la tensión propia del que ha visto y vivido todo, o casi, libre de las ataduras que le imponía hacer parte de un grupo. En su disco conceptual “Las leyes del equilibrio” (2005) narra la dramática historia de Manuel, son once canciones oscuras que aturden y hieren en medio de una experimentación sonora que recuerdan a los más arriesgados Nick Cave o Tom Waits. Siga leyendo »

Andrés Orozco Estrada

El 20 de junio de 2003, después de 12 años, el maestro Francisco Rettig terminó su ciclo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). Ese día se interpretaron obras de Mahler y Wagner. “Son dos de los compositores que más han impresionado mi vida musical”, comentó el Maestro en su discurso de despedida.

El Concierto evidenció el nivel en el cual Rettig dejaba la OFB, que para la época era sinónimo de respeto internacional y cohesión desde la ciudad. Aún Rettig es merecedor del agradecimiento de una nueva generación que entiende la música absoluta de una manera sencilla, no elitista, inteligente y más que sensible.

Insustituible fue durante más de un año, y completada casi una década no se ha logrado un proceso de igual calidad. La orquesta se ha nutrido de la experiencia de Hoffman, de la tenacidad de Shambadal, de la persistencia de Carrizosa y de la pedagogía de Jaramillo, sin embargo, con cada  visita del maestro a la capital reaparece la nostalgia.

Casi un año después de su partida (2004) un programa auguraba algo diferente. Obras de Schnittke, Nino Rota y Mendelssohn, dirigidas por el colombiano Andrés Orozco.  Actualmente parecerá popular, tendrá publicidad de página entera en los periódicos (pagados por la fundación que en suerte becó su talento), pero en aquella época, su poco reconocimiento contrastaba con su impresionante currículo. Estudió dirección orquestal desde los 15 años y ya en el 2000 estaba en periplo como director de orquestas en Viena.

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I See the Light – The Blind Boys of Alabama

El divorcio que hay entre los discursos seculares y los confesionales son tan odiosos pero tan reales, que hasta en la música se hacen evidentes. Géneros como el gospel, el soul y el country han sido desde sus inicios un brebaje, no solo de sonidos sino de sensibilidades y cosmovisiones. Los intérpretes se desenvolvieron  tanto en el altar donde en actitud de adoración reverencial integraban el coro de la iglesia, como en los escenarios donde ellos recibían las dádivas de los espectadores que los idolatraban; Sarah Vaughan inició en la Iglesia Bautista del Monte-Sión y Elvis Presley “El rey del rock” tiene una carrera de música espiritual muy convincente; por nombrar algunos.

Con el pasar de los tiempos, por intereses meramente comerciales, el termino gospel fue acuñado por los realizadores de música popular con contenido lírico espiritual. Se sacrificó el valor intrínseco de un género consistente, con una historia y un abolengo musical incalculable, por el interés de permear la cultura con discursos religiosos que poco impactan.

La consecución de discografía gospel en una tienda musical es una aventura imposible; ésta empieza con un letrero grande de color rojo que ofrece “gospel” y un estante atiborrado de discos de Marcos Witt, Alex Campos o Hillsong que poco tienen que ver con la palabra original “GodSpell”, que en castellano se traduce como «Llamada de Dios”. Estos respetables intentos compositivos con intención de  reflejar los valores de la vida cristiana, deben ser llamados por su nombre: Música popular con discurso confesional (MPDC).

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Entrevista con Los Meffisto de México, como antesala a su próxima visita a nuestro país

México ha exportado tradiciones culturales de mucho arraigo en nuestro país, desde Vicente Fernández, hasta Café Tacvba. Hoy una nueva camada ha aparecido. Bandas como Austin TV, Hello Seahorse! y Zoe, han salido de esta “mejicanidad” y han hallado un sonido distinto.

Los Meffisto llegan desde el DF con una propuesta muy cercana al new wave y la música electrónica. Aunque utilizan secuencias, resultan un poderoso trío en vivo, que no olvidan el rock en ningún momento y logran un sonido equidistante entre géneros.

El sonido limpio y la impecable producción son las cartas de presentación de su primer trabajo homónimo, que vio la luz el año pasado con la producción de Gerry Rosado, experimentado músico y productor. Este disco amalgama una variedad de influencias en una experiencia sonora calida y que puede comparase por momentos con bandas como VHS or Beta e incluso Fobia o Smashing Pumpkins.

Cortesía de la Casa sortea dos pases dobles entre sus oyentes para que asistan a una de las presentaciones de Los Meffisto -donde además estarán Telequinetics y Automatic Lovers de Bogotá- en el bar Boogaloop (Calle 58 No 13 – 88) el miércoles 6 de octubre. Escriban un comentario para participar.

Hablamos con Guli, su guitarrista, y esto nos contó:

¿Cómo definir la música de Los Meffisto?
Es una mezcla de la música de la década de los 80’s con toques de synthpop y new wave.

¿Cómo ven el resurgir del new wave actualmente?
Está súper bien porque las bandas de new wave clásico tenían un concepto muy claro y definido como grupo, además se manejan muy buenas melodías en las voces y en las secuencias.

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Amapola López, más conocida como La Prohibida, oriunda de Cádiz, está por estos días en Colombia y Cortesía de la Casa tuvo una charla con ella sobre Alaska, su disquera, su determinación, sobre el Sr. Kubrick y de muchas más cosas.

LA PROHIBIDA en Bogotá
Terraza del Teatro Metro (Calle 34 # 13 – 29)
Viernes 24 de septiembre de 2010/ 9:03 PM

Costo boleta: 25mil preventa / 30mil día del evento
Venta en: Dechado (carrera séptima # 54 – 75)

LA PROHIBIDA en Medellín
El Deck  (Carrera 40 N° 10 – 34)
Sábado 25 de septiembre

Costo boleta: 25mil preventa / 30mil día del evento
Venta en: El Deck Bar

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Pasé por la carretera en el 2008 con el impulso de una película: No Country for Old Men, llevada al cine por los hermanos Coen en el año 2007. Hurgando por información acerca de la  fotografía y la banda sonora, me enteré de que era una adaptación del libro homónimo del célebre autor gringo Cormac McCarthy. A sabiendas de que se acababa de ganar un premio Pulitzer con su nueva obra de la cual  se vendría una nueva adaptación cinematográfica, salí a la Lerner en busca de la hasta ahora más famosa novela de este escritor: La Carretera.

La tapa negra, cruda con letras rojas y grises que vende la editorial Mondadori es reflejo del contenido siniestro, visceral y frio del libro. Si bien su temática podría ser vista desde muchas ópticas, resalto tres que hacen de esta obra un serio discurso contemporáneo. 1. La relación padre e hijo en medio de una desolada “madre naturaleza”, 2. El discurso moral del hombre Moderno a una nueva generación práctica y desorientada – por no decir postmoderna – y finalmente 3. Una mirada que ralla entre lo apocalíptico con aristas ecológicas.

Inmersos en el más desolador de los escenarios, padre e hijo intentan atravesar costa a costa unos fangosos kilómetros plagados de caníbales, frio y hambre; dotados de harapos, armas hechizas y los implementos que en suerte llegan a sus manos. Viven los estertores de lo que podría ser la existencia de la raza humana sobre la tierra. Curiosamente, y quizá movidos por la supervivencia, los diálogos se mueven entre el dilema práctico de plasmar al hijo la idea de quien es “bueno”, y quien “malo”, con el fin de justificar los actos en caso tal que alguien muera. En vista de la dificultad del escenario, el lector palpita cada situación y con el doblar de cada página, presume la incertidumbre propia de una historia de alta carga emocional. Finalmente cuando se cierra el  libro, vale la pena preguntarse: ¿Ese discurso gregario de “nosotros”, propio de la ecología, será verdad?, ¿No es todo esto solo una cuestión de demografía y supervivencia?

La Carretera se estrena este 26 de septiembre. Dirigida por John Hillcoat, está protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Simt-McPheey. Si es pensada como el libro, se garantiza que expresará la generosidad radical de lo Mismo, impulsando el ansia del fin, a pesar de que sea obvia la sensación de fracaso.

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Theremyn 4, música electrónica desde Perú

Por Manuel Estévez

Cuando me enteré de la venida de Theremyn 4 al festival Cucunubá Pop me emocioné bastante, lastimosamente no pude ver su presentación, sin embargo, José Gallo, uno de sus integrantes, me concedió esta entrevista desde Lima, un par de días después de su visita a nuestro país

Manuel Estévez ¿Cómo está el movimiento de la música electrónica en Perú?

José Gallo Muy bien, hay una escena interesante con varios exponentes y colectivos

ME ¿Existen sitios donde se pueden mostrar estas propuestas?

JG Claro, desde festivales grandes como Creamfields e Intifest hasta centros culturales como la Casa del Barranco.

ME ¿Alcanzaste a apreciar algo de la movida en Colombia, qué imagen te llevas?

JG Bueno es un poco difícil comparar, noto que en Colombia hay más afán por utilizar tecnología, vi varias bandas con una laptop en escena, en Lima o son electrónicos o son muy tradicionales.

ME Haciendo referencia la nombre ¿usas algún theremin en vivo?

JG No, lo que uso es un efecto de Alexis que funciona muy parecido.

ME ¿Te consideras más músico o más productor?

JG Digamos que 50/50

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Enrique Arturo Diemecke

Esto no es una reseña, es el comentario de quien con un tímido ojo avizor propone una cita. Una reseña en el ámbito musical absoluto en este momento es pretenciosa, aburrida y hasta inútil.

Programa OFB:
Golijov – El último round, para orquesta de cuerdas
Cuellar – Fanfarrias y lamentos para orquesta
Silvestre Revueltas – Redes, suite.
DIRECTOR: Enrique Arturo Diemecke
Viernes 17 sep. Teatro mayor. 8pm.
Sábado 18 sep. León de Greiff. 4pm

Enrique Arturo Diemecke es un director y compositor mexicano catalogado por la revista inglesa Musical Opinion como “uno de los mejores de nuestros días”. Dicha descripción es corta y vacía, contrario a lo que refleja su hoja de vida: Director artístico y titular  de orquestas de alto turmequé como la Sinfónica Nacional de México, la  Filarmónica de Buenos Aires y de Flint en Estados Unidos, además de ser director invitado por orquestas de medio mundo actuando al lado de músicos como Mstislav Rostropóvich, Plácido Domingo y Yo-Yo Ma, entre otros; y de haber grabado con múltiples sellos disqueros de renombre como Sony, Decca y Deutsche Grammophon.

En los últimos 7 años he podido degustar de las presentaciones de este director en cuatro ocasiones con la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). La primera, 2 de agosto del 2003 en el León de Greiff, dejó la  impresión de histriónico, con movimientos exagerados, como si  tratara de opacar la orquesta. Contrario al odioso comentario, el repertorio estuvo pausado y emotivo con obras de Dvorák y Rajmaninof; hay que resaltar que ese día presentó una obra de su cosecha titulada “Chocona a Chávez”.

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La Bien Querida

Nos hacemos mayores, pero seguimos tomando el vermú y ennoblecemos a Gonzalo de Berceo.

Sin saber lo que era un vinilo, yo ya tenía dos, el primero, uno de los Pet Shop Boys (“Introspective” si mal no recuerdo) y el segundo era “Bad” de Michael Jackson. Los disfruté sobremanera. Batía las palmas al aire. Me gustaban sus ritmos y cómo sentía el suelo helado del salón de casa. Me desvanecía y los hilos que salían del tocadiscos me arrastraban y bamboleaban meteóricamente por mi escenario doméstico. Era una criaturilla que tejía unos bailes asimétricos y faltos de cadencia, pero que había descubierto un momento de recreo fuera del colegio. A esos dos discos se les fueron uniendo los discos de Leonard Cohen, Van Morrison o Roxette de mi padre. Empecé entonces a interesarme por la música, aunque no lo hice por la música de mi país. Una necedad. No honré a mi exquisito idioma castellano, ni a esas guitarras españolas de manufactura rumbera y extemporánea. Ahora lo siento como si hubiese preferido un plato de fish and chips antes que cualquier embutido pirenaico o queso de La Mancha. En el mapamundi musical ocupado por Stings, Talking Heads, Supertramps o Lou Reeds, eran pocos los islotes patrios que enseñaban su territorio. Un Sabina, un Lluis Llach, o un Serrat en cassette familiar se infiltraban exiguamente en mi torpe conocimiento musical.  Siendo ya un niñito que terminó de jugar a volar, escuché a Albert Pla. Un cantautor sobresaliente de facha pagana, aspecto anarquista y semblante libidinoso que arrulla unas resquebrajadas letras de moralidad mancillada. En un principio lo escuché en catalán gracias a un CD de mi tío; un idioma sugestivo y que es parte de mi familia. Un hablar descrito por alguien como “lengua hermosa que coquetea con el francés para desespañolizarse, que tiene música portuguesa, pero que cuando alcanza la mayor expresividad es puro italiano”. Puro latín y árabe y sobre todo un idioma bajo el yugo del castellano. Nada tan enmarañado y retorcido como las zarzas nacionalistas que atormentan a España hoy en día.

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