Cortesía de la Casa

Dice Santiago que el éxito de su disco “La casa de mis sueños” no lo medirá en monedas sino en la generación de nobles sentimientos en quien lo escuche. ¿Convencional?, sí. ¿Exitoso? Si se lo juzga por la humilde opinión de mi escucha, es muy exitoso. Por eso, en este caso, la defensa de lo convencional es una obligación.

Esta cuestión de lo alternativo, lo indie y en general con lo que tenga que ver con la innovación en la música me parece un embuste. Probablemente sea una amenazante señal de tener el hálito de  los treinta en la nuca, sin embargo considero que por falta de indagación histórica “las nuevas generaciones” caen en el error de creerse redentores de la música por el resultado de dos acordes que rasguen en una guitarra. No hay nada nuevo bajo el sol. Es cuestión de años: a los quince es entendible considerar al rock and roll como una opción de quien valora la música y la tendencia de “romper esquemas” y generar un “sonido nuevo” es casi una necesidad.

Se supone que a los treinta años ya se han bajado los brazos, que todo suena bonito y la tolerancia musical está en su nivel más alto, pero no es así. Se sigue creyendo en un estado ideal: ni muy extraordinario, ni muy convencional. Esa edad mayor, tan convencional, en la que se es consciente de una mínima singularidad y ésta sólo se utiliza para satisfacer el ego, hace que nos  gusten los nuevos discos de Leonard Cohen, Neil Young o Bob Dylan. Ancianos.

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Para el momento en que Jake Edward Kennedy (Cliffton, Nottingham; 1994) comenzaba a gatear, ‘Definitely Maybe’ de Oasis daba la nota más alta de lo que en el primer lustro de la última década del siglo pasado se conoció como Britpop.

Dieciocho años más tarde, aquel que era un niño de brazos cuando ‘Supersonic’ y ‘Live Forever’ eran himnos de facto en toda Gran Bretaña, publica su primer álbum, debutando como el disco más vendido en Inglaterra en la semana anterior.

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El pasado mes de julio nos trajo de vuelta la inconfundible voz de Eleanor Friedberger, vocalista de The Fiery Furnaces, el grupo que ella y su hermano Matthew formaron en Brooklyn en el año 2000. Después de varios años en el grupo, y siguiendo los pasos de su hermano (quien también tiene un proyecto aparte), Eleanor llegó este verano con su debut como solista titulado Last Summer.

De ese disco, presentamos esta versión acústica de “I Won’t Fall Apart On You Tonight”, en vivo en Soundscapes, una tienda de discos en Toronto.

Y la versión de estudio, para llevar de regalo:

mp3: Eleanor Friedberger – “I Won’t Fall Apart On You Tonight”

Audio clip: Adobe Flash Player (version 9 or above) is required to play this audio clip. Download the latest version here. You also need to have JavaScript enabled in your browser.

Algo de The Fiery Furnaces para recordar: “Even In The Rain”.

Metals, el nuevo disco de Feist, sale en octubre de este año (¡por fin!). Todas las semanas aparecen pequeños clips con muestras de las canciones en su página www.listentofeist.com. Acá una muestra:

Feist – Metals # 5 http://youtu.be/_hTa3ma-OBE

Una de las canciones del disco es “How Come You Never Go There”:

Desde la enorme ventana del 1603 se ve y se escucha una Bogotá diferente, apacible y luminosa. En el 1603 el cielo gris de la ciudad pesa menos y se ahoga frente a la calidez de las canciones que allí mismo crean Gabriela Supelano, Bibiana Rojas y Juan Pablo Angarita, reunidos bajo el nombre de Amarillo; un joven trío de folk-pop que prefirió encerrarse a grabar pequeñas canciones antes que dar conciertos.

Sólo una vez pude escuchar a Amarillo. El 11 de diciembre pasado hicieron una presentación fugaz, suficiente para antojar a los que allí estuvimos. La combinación era rara, inédita quizás: guitarra, saxofón, tambora y tres voces dulces que cantaron y calentaron corazones. Folk-pop dulce, alegre, frágil -y tierno si se quiere-, abrazado por el espíritu de Nito Mestre o Art Garfunkel. Al repertorio propio de ocho temas, lo acompañaron un guiño genuino a Gilberto Gil y uno menos afortunado a la española Bebe, pero fueron las canciones de Amarillo las que emocionaron.

Tres de ellas: “Reflejos”, “Luz” y “Canción de arrullo”, componen “1603”, su debut discográfico. Se trata de un maxi-single producido por DJ Pho, que apenas supera los diez minutos y a la postre cumple su cometido: asomar una luz tenue, un sensación de candor que se disipe ligero, provocando en quien escuche, el deseo de volver a dar play una y otra vez, a la espera de un disco largo y lleno de canciones que ahuyenten el miedo, el frío y la soledad.

Lo de siempre: finaliza el año y todos los aficionados a la música -popular y no popular- escarban en su memoria para comprobar si los discos y las canciones que creyeron iban a estar entre lo mejor, en efecto, resultaron siendo grandiosos, o, por lo contrario, se quedaron al margen de ese deseo irrefrenable de dar play para volver a escuchar ese bendito disco o aquella extraña canción. Sobra decir que las listas siempre están armadas desde la exclusiva subjetividad del aficionado, por lo tanto, deberían ser consideradas algo insignificante, teniendo en cuenta que el disfrute de la música es personal e intransferible, por no decir onanista.

Dicho esto, lo que ve, es lo que hay:

Mis 13 discos favoritos de 2010:

	1. Tulsa – Espera la pálida: Recibí el disco en enero y se me reveló como lo mejor que escucharía en todo el 2010 pese a los once meses que aún restaban para que la música me sorprendiera, y sí que lo hizo, pero no con la magnitud de las once canciones de ‘Espera la pálida’.  Si en su primer álbum (Sólo me has rozado-2007) la española Miren Iza (alias Tulsa) sangraba con ternura, en este, la sensación es de una profunda derrota que se mitiga con su dulce voz, la instrumentación de una banda precisa (con Charlie Bautista en los teclados) que funciona como anestésico y la ironía como su mejor arma de defensa. Lo de Tulsa es rocanrol para lamer las heridas y esperar al lado de la carretera a que amaine el temporal.
	2. Mavis Staples – You are not alone: Cómo resistirse a la combinación mortal de la voz de Mavis Staples y la producción de Jeff Tweedy. Un disco para creer en la redención del alma a través de la música. Gospel en todo el sentido de la palabra. A través de ‘You’re not alone’ la fe se hace tangible y terrenal. La prueba: las trece canciones de un álbum imposible, pero sobre todo, la voz de Mavis Staples, heredera de la tradición de su padre y de una historia que ella misma ha escrito desde los años cincuenta; la de la resistencia, la piedad, la esperanza y la emancipación de un pueblo, de una raza y de una especie. Un repertorio que va desde Randy Newman, pasando por Allen Toussaint hasta John Fogerty tamizado por el filtro sonoro de Wilco y dos canciones escritas por Tweedy que parece tuvieran cien años. Música, el verdadero nombre de dios.
	3. Bruce Springsteen – The Promise: El lado “luminoso” del inmarcesible ‘Darkness on the edge of town’. Si aquel disco de 1978 apagaba el faro de ‘Born to run’, las 23 canciones radiantes de ‘The promise’ confirman que su creador estaba decidido a jugársela con un álbum con la amargura como protagonista, y se convierten en testigos excepcionales del pulso creativo que por entonces Springsteen le ganaba a la mala fortuna y a los despachos judiciales. Sin poder salir de gira, el “Boss” y su E Street band se dedicaron a componer y grabar hasta dar con el mejor disco de su carrera. Lo que quedó guardado por fin vio la luz este año para delicia de sus seguidores que aún se preguntan por qué espero tanto tiempo para que esto sucediera. Con corazón y muro de sonido, Bruce Springsteen abre las puertas de la tierra prometida.

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El escritor de canciones  y compositor de bandas sonoras Julio de la Rosa se presenta en Bogotá este miércoles.

Miércoles 17 noviembre de 2010, 8PM
Lugar: CENTRO CULTURAL JULIO MARIO SANTODOMINGO (Calle 170 # 67 – 51 – San José de Bavaria)
Entradas: Taquillas Tu Boleta y taquillas del teatro
Precios: $22mil

Myspace Julio de la Rosa
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En medio del aluvión de conciertos -de lo que en su momento se consideró como música “indie”- que llenan la agenda cultural bogotana hay uno que concentra mi atención y mi deseo: el de Julio de la Rosa.

Julio de la Rosa es español, es inquieto, es cantautor, es compositor de música para películas, es productor y es escritor. Dicho de otra forma  -de la mejor forma- Julio de la Rosa es un artista, y está en Bogotá, y perdérselo sería una pena mortal.

Entro en detalles: Julio de la Rosa es uno de los músicos más importantes de la escena independiente en España. Desde mediados de los noventa se empezó a vérsele en los escenarios como miembro de la banda sevillana Strange Fruit, luego en 1998, en su natal Jerez de la Frontera conformó la emblemática agrupación El Hombre Burbuja hasta el 2003, año en que decidió volar solo y firmar sus discos con su nombre propio.

A partir de “M.O.S” (2004) se descubre a De la Rosa como un escritor genuino lleno de ironía y la tensión propia del que ha visto y vivido todo, o casi, libre de las ataduras que le imponía hacer parte de un grupo. En su disco conceptual “Las leyes del equilibrio” (2005) narra la dramática historia de Manuel, son once canciones oscuras que aturden y hieren en medio de una experimentación sonora que recuerdan a los más arriesgados Nick Cave o Tom Waits. Siga leyendo »

Juan Smith
Demo #2: Lo-Fi’s Muerte
Independiente, 2010

La imagen del cantautor solitario, con solo una guitarra frente a su público, ha sido replanteada. Ahora, tenemos al mismo cantautor con una guitarra, pero armado de pedales, de loops, controladores MIDI y otros elementos de esta era en la que vivimos. En Colombia, proyectos como The Sound of Lucrecia y artistas como Julián Mayorga han empezado a hacer avances importantes dentro del sonido Lo-Fi, a los que se les une Juan Smith, con su trabajo titulado Demo #2: Lo-Fi’s Muerte, disponible en su página en BandCamp: juansmith.bandcamp.com.

El Lo-Fi bien hecho es algo particularmente difícil de lograr, pues quien se embarca dentro de ese estilo tiene que recorrer una delgada línea entre un sonido que tenga una estética definida a partir de sus limitaciones y algo que se oye como si hubiera sido hecho a las patadas. Smith logra salir ileso de este difícil recorrido con un sonido en el que la sensación de un sonido básico y un tanto crudo se logra, irónicamente, a través de la atención que Juan Smith le pone a los detalles, en cosas tan sencillas como el zumbido que se oye al final de las canciones y que transmite una sensación de calidez, potenciada por la voz de Smith que por momentos, recuerda a la de Dallas Green con su proyecto City & Colour.

Los 9 temas que componen el Demo #2 son ejemplos de que el Lo-Fi es un estilo que no depende de hacer las cosas a las patadas sino de lograr transmitir una sensación de inmediatez entre el disco y quien lo escucha. Juan Smith promete prolongar una escuela que está abriéndose paso con otros proyectos en Colombia, y creo que puede llegar a ser muy interesante lo que salga de ahí.

Descarga Juan Smith “Demo #2: Lo-Fi’s Muerte” GRATIS

La Bien Querida

Nos hacemos mayores, pero seguimos tomando el vermú y ennoblecemos a Gonzalo de Berceo.

Sin saber lo que era un vinilo, yo ya tenía dos, el primero, uno de los Pet Shop Boys (“Introspective” si mal no recuerdo) y el segundo era “Bad” de Michael Jackson. Los disfruté sobremanera. Batía las palmas al aire. Me gustaban sus ritmos y cómo sentía el suelo helado del salón de casa. Me desvanecía y los hilos que salían del tocadiscos me arrastraban y bamboleaban meteóricamente por mi escenario doméstico. Era una criaturilla que tejía unos bailes asimétricos y faltos de cadencia, pero que había descubierto un momento de recreo fuera del colegio. A esos dos discos se les fueron uniendo los discos de Leonard Cohen, Van Morrison o Roxette de mi padre. Empecé entonces a interesarme por la música, aunque no lo hice por la música de mi país. Una necedad. No honré a mi exquisito idioma castellano, ni a esas guitarras españolas de manufactura rumbera y extemporánea. Ahora lo siento como si hubiese preferido un plato de fish and chips antes que cualquier embutido pirenaico o queso de La Mancha. En el mapamundi musical ocupado por Stings, Talking Heads, Supertramps o Lou Reeds, eran pocos los islotes patrios que enseñaban su territorio. Un Sabina, un Lluis Llach, o un Serrat en cassette familiar se infiltraban exiguamente en mi torpe conocimiento musical.  Siendo ya un niñito que terminó de jugar a volar, escuché a Albert Pla. Un cantautor sobresaliente de facha pagana, aspecto anarquista y semblante libidinoso que arrulla unas resquebrajadas letras de moralidad mancillada. En un principio lo escuché en catalán gracias a un CD de mi tío; un idioma sugestivo y que es parte de mi familia. Un hablar descrito por alguien como “lengua hermosa que coquetea con el francés para desespañolizarse, que tiene música portuguesa, pero que cuando alcanza la mayor expresividad es puro italiano”. Puro latín y árabe y sobre todo un idioma bajo el yugo del castellano. Nada tan enmarañado y retorcido como las zarzas nacionalistas que atormentan a España hoy en día.

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No recuerdo que día era, no recuerdo si tenía resaca o si había abandonado la bebida. No recuerdo la época del año en la que estaba. Puede que fuese otoño. Creo recordar que el viento pretendía emblanquecernos la piel. El sol tibio vagueaba y los árboles desnudos tiritaban indefensos. La tarde inminentemente fue noche y nosotros, mis amigos y yo charlamos para calentarnos con las palabras. Íbamos camino de la sala Sirocco. Allí nos esperaba Antonio Luque, el chinarro. Su banda andaba tocando ” El mundo según” y ” El fuego amigo” por toda España y pensé que hacerles una visita a su paso por Madrid sería lo más adecuado. Porque si escucharle en casa despierta la astucia del lince ibérico, verle en directo es hacer parte del club de los tímidos unidos por una música contundente y sustanciosa como el salmorejo.

El poemario de la Andalucía folclórica, el lienzo de la España costumbrista y la lírica mundana y sutil son sólo cosa suya. El aburrimiento de la rutina, el cante flamenco, las batallitas de pareja, son contadas por Antonio como por el más sabio de los abuelos sentado en torno a una hoguerita playera. Nos adoctrina con sus letras y convence a su público con una música que huele a romero y a laurel.

Creo que cuando terminó el concierto pensé: “este pájaro tiene el anecdotario más sagaz que haya escuchado nunca”. Sigo sin recordar el día, la época y mis circunstancias personales esa jornada de concierto, pero cada día que lo escucho pienso que es el mejor cantautor español que conozco.

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