Cortesía de la Casa

The Strokes
Angles
RCA, 2011

Corría el año de 2001, yo tenía 16 años y estaba terminando el colegio. Odiaba a todo el mundo, me la pasaba viendo Neon Genesis Evangelion y caminaba por mi colegio oyendo música enfundado en una chaqueta roja que me quedaba enorme. Era la época post-11 de septiembre y -la verdad sea dicha- había una sensación en el aire bastante chafa de ‘¿qué pasará ahora?’. Por ese entonces vine a toparme con los Strokes y su canción Last Nite, convirtiéndose en una de las bandas más influyentes de los últimos diez años y que lanzan su cuarto álbum de estudio, Angles.

En los diez años que han transcurrido desde entonces han pasado muchas cosas, y ciertamente la persona que está escribiendo esta reseña en un computador no es el mismo adolescente de gafas de marco redondo; el cambio es inevitable y si bien se retienen algunas cosas, se le ha dicho adiós a otras para recibir elementos nuevos, a veces a regañadientes, a veces con los brazos abiertos. Lo mismo puede decirse del sonido de la banda. El trabajo de 2006, First Impressions of Earth fue un intento desesperado de mantener las cosas tal y como eran, pero que fracasó (no diría que miserablemente, pero fracasó), Angles por su parte, muestra como la banda llegó a esa misma conclusión sobre lo inevitable del cambio, con un sonido que en términos de espíritu recuerda a su álbum debut, Is This It, pero cuya forma atestigua el paso del tiempo en sus miembros.

Aunque el proceso de grabación fue bastante fracturado, con Julian Casablancas enviando sus colaboraciones vía correo electrónico en un intento de soltar el control creativo del disco, experiencia que Nick Valensi encontró altamente desagradable, el álbum se siente sorprendentemente cohesionado, con un sonido que acepta el inevitable paso del tiempo y que, si me permiten el comentario un tanto sensiblero, funciona como un mensaje en la botella para el adolescente de 16 años que fui, diciéndole que las cosas van a cambiar.

Asobi Seksu
Fluorescence
Polyvynil, 2011

Cuando hablaba del más reciente trabajo de Los Campesinos!, hablaba de cómo la relación con los discos de una banda cambiaba tras haberlos visto en vivo, de la suerte de complicidad que se generaba y de la cercanía que se sentía hacia la banda. A riesgo de sonar un poco presumido, esa sensación se multiplica tras conocer a la banda y conversar un poco con ellos. Hace poco menos de dos años, tuve la oportunidad de conversar con Asobi Seksu durante su presentación en Bogotá y puedo experimentar un poco ese efecto del que estoy hablando con su nuevo disco de estudio, Fluorescence.

En esa ocasión, tuve oportunidad de preguntarle a Yuki Chikudate (vocalista de la banda) sobre el cambio experimentado por el sonido de Asobi Seksu en los últimos años. Algunas canciones de su trabajo de 2006, Citrus, empezaban a inclinar el balance que su música tenía entre el shoegazer y el dream pop a favor del segundo, inclinación que se hizo mas fuerte en Hush, lanzado en 2009. Cuando le pregunté a Chikudate sobre el tema, ella me explicó como sentían que dicha progresión era apenas natural en su sonido, y pensando un poco al respecto, es una afirmación tremendamente cierta. De la misma manera que algunas de las bandas que inician haciendo punk terminan haciendo algo completamente distinto porque es difícil mantenerse haciendo la misma cosa por mucho tiempo, es difícil estar toda la vida haciendo muros de sonido con ladrillos de feedback ensordecedor. Si bien el disco tiene temas como Trails con guitarras que tienen una evidente inspiración en My Bloody Valentine, o Coming Up con voces sumamente etéreas, otras canciones como Trance Out, Leave The Drummer Out There o My Baby tienen un sonido bastante difuso y difícil de atrapar que sin embargo no resulta tan agresivo para el oído de quien los encuentra por primera vez.

Así las cosas, Fluorescence es un disco que reafirma el cambio en el sonido de Asobi Seksu, pero lo mas importante, deja en quien escucha a la banda la convicción que si, es un cambio necesario y que la banda está haciendo bien lo que hace ahora.

Jimmy Eat World
Invented
Interscope Records, 2010

Algo me dice que Jim Adkins (guitarrista y vocalista de Jimmy Eat World) y yo nos llevaríamos muy bien. Es de esas personas que simplemente emite esa aura sincera de ‘buen tipo’ y algo de eso se traslada a la música que hace. En esta ocasión, se traslada al más reciente álbum de estudio de Jimmy Eat World, “Invented”.

La banda de Arizona fue una de las pioneras de lo que podríamos llamar el verdadero emo, antes que fuera convertido en lo que conocemos ahora. Un sonido afincado en los noventa, primo hermano del grunge y el rock alternativo, con un contenido lírico ciertamente cursi (a falta de un mejor término), pero un sonido cercano a los dos géneros antes mencionados. De eso ya han pasado casi 15 años y la banda no habría podido mantenerse todo este tiempo haciendo lo mismo. Líricamente, Jimmy Eat World ha pasado de explorar la angustia adolescente a explorar la angustia post-adolescente. Mientras que el aspecto melódico de la banda en este disco es una combinación de las lecciones aprendidas en sus últimos trabajos, especialmente el “Chase this Light” de hace dos años, que combinadas con la labor en producción de Mark Trombino (Quién acompañó a la banda en sus discos “Clarity” y “Bleed American”) dan como resultado un álbum que reúne lo mejor de los dos mundos de la banda y lo presenta en una unidad coherente y concisa.

Jim Adkins ha comentado que siente que este es el mejor disco de la banda. Yo le creo, a fin de cuentas, parece buen tipo.

Hans Zimmer
Inception: Music from the motion picture
Reprise, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Ya no hay nada que se pueda hacer al respecto. Christopher Nolan se ha convertido en el Michael Bay del público intelectualoide. No veo nada de malo en ello, por lo menos, en lo que a mí respecta, Michael Bay es un gran director y La Roca es una de las mejores películas de acción que he visto. El triunfo de Nolan consiste en poder hacer películas visualmente atrayentes que llevan una idea sólida tras de sí, como es el caso de su más reciente película, Inception, cuya banda sonora es la protagonista de la Reseña de a peso de la semana.

Esta, la primera colaboración de Hans Zimmer y Christopher Nolan sin James Newton Howard, es una muestra definitiva del estilo del compositor alemán, el cual se amolda perfectamente al estilo de la película. Si bien la banda sonora tiene un aire sobrio y elegante en cada uno de sus 12 cortes, está desprovisto de artificios neoclásicos y evoca más imágenes de modernos mastodontes de vidrio, acero cepillado y concreto, que son precisamente las sensaciones a las que apunta Christopher Nolan en la película. Al mismo tiempo, temas como Old Souls, Dream Within a Dream o Waiting for a train son canciones construidas a partir de elaborados niveles que se sobreponen unos a otros, de la misma manera que el mundo de la película con su constante cuestionamiento de lo que entendemos por realidad y lo que entendemos por sueño. En el caso del segundo tema, los cambios de ambiente que realiza constantemente lo ponen, junto a Mombasa, a pelear por el título de mejor canción de la banda sonora. Este último es un electrizante tema que en menos de 5 minutos logra evocar una ansiedad y una persecución brutales y que también funciona como tema bailable.

La marca de una buena banda sonora es cuando funciona a la perfección con la película y potencia los elementos de esta, pero cuando además de esto funciona como una unidad independiente,  logra ser una gran banda sonora. Inception: Music from the Motion Picture es una muestra de lo segundo, mostrándonos a un músico y un cineasta que ya están cómodos trabajando juntos, y dejando como resultado un álbum (con colaboración de Johnny Marr), disfrutable por si mismo, que invita a ser escuchado varias veces para descubrir los matices que nos ofrece.

The Great Wilderness
Afterimages of Glowing Visions
Independiente, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

Debo decir que me estoy convirtiendo en un usuario asiduo de la plataforma BandCamp. Artistas como la cellista Zöe Keating hablan maravillas de las facilidades que esta provee para la distribución de su música, al mismo tiempo que con un ojo entrenado y las recomendaciones de alguien, se pueden encontrar cosas bastante interesantes, como el EP de la banda costarricense The Great Wilderness, titulado Afterimages of Glowing Visions, y disponible en su página de BandCamp y que ponemos aquí para que lo escuchen.

El sonido de esta banda conformada por Paola Rogue, Andrea San Gil, Jimena Torres y Monserrat Vargas tiene un evidente aroma a shoegaze y dreampop, con voces muy etéreas y guitarras que si bien no están particularmente distorsionadas, sí tienen cantidades significativas de reverberación, las cuales les dan un carácter muy atmosférico, apenas apropiado para temas como ‘Kiddy Plane’ o ‘Silverscreen’, mientras que ‘Ada’ le pide prestada la estructura a ‘Don’t Save us from the Flames’ de M83, aunque sin las arandelas electrónicas del dúo francés.

Aunque podría decirse que tienen un problema similar al de la banda española NordKapp (es decir, no ser particularmente originales en su propuesta), hay que reconocer el nivel técnico de la banda, que junto a cierto yo-no-se-qué hace que este EP debut sea una sorpresa bastante interesante, así como el posible heraldo de nuevas cosas por venir de parte de la banda.

Devo
Something For Everybody
Warner, 2010

Por: Julián F. Gutiérrez

¿Por qué habría de reseñar el más reciente álbum de Devo? Es una buena pregunta, a fin de cuentas, la banda encabezada por Mark Mothersbaugh y Gerald Casale ya tiene su lugar asegurado en la historia de la música, no es descabellado afirmar que se encuentran más allá del bien y del mal, y hasta cierto punto habría algo rutinario en el hecho de que este disco haya salido a la luz. Pero, como el mundial de futbol nos ha demostrado, no hay nada escrito, y hasta los más grandes pueden trastabillar y fracasar de la forma más miserable, y es por eso que estoy acá hablando del noveno álbum de estudio de la banda de Akron, Ohio, titulado Something for Everybody.

Cuando una banda tiene un sonido tan distintivo, y que en el caso de Devo ayudó a definir un género, existe cierto compromiso para mantenerse dentro de ciertos límites en lo que se refiere a la experimentación con su sonido, pero al mismo tiempo no puede darse el lujo de mantenerse haciendo la misma cosa so pena de ser acusados de repetición y falta de originalidad. Perfectamente conscientes de eso, Devo ha logrado un disco que le es fiel a lo que la banda ha sido durante casi cuarenta años (con ciertas interrupciones) al mismo tiempo que lo altera lo suficiente como para ser atrayente sin ser completamente distinto. ‘Fresh’, ‘Mind Games’ ‘Sumthin´’ y ‘Step Up’ tienen ese sonido constante y repetitivo que el inconsciente colectivo ha asociado con la banda a lo largo de los años, mientras que ‘March On’ tiene un sonido extrañamente bailable.

Supongo que las percepciones iniciales estaban en parte en lo correcto. Si bien no iba a ser algo rutinario, el noveno álbum de Devo resultó ser lo que prometía: un disco con la cantidad adecuada de sorpresas (la verdad sea dicha, un poco menos de esas sorpresas), agradable de escuchar, y que funciona como la postal de unos viejos conocidos un tanto excéntricos, y que siguen haciendo las cosas bien.

Creo que a veces debo parecer intenso en mi esfuerzo por hacer conocer apartes culturales de influencia anglosajona. Me disculpo. No es que odie el idioma con el que usualmente me comunico sino es quizás mi intención de equilibrar la balanza, porque en medio de todo este “bombardeo cultural americano”, quedan cosas por fuera. Cosas que sí tienen carácter cultural y aún permanecen alejadas del consumismo estadounidense.

Esta semana recibimos la visita de una banda de bluegrass estadounidense llamada The Student Loan, como parte del programa The Rhythm Road del Departamento de Estado de los Estados Unidos. Bajo el programa se realizan 10 viajes de bandas que representan la música estadounidense en el mundo.

Este año le correspondió a suramérica el bluegrass, por fortuna. El público bogotano podrá disfrutar de tres presentaciones en Bogotá (queda una, mañana lunes 26 a las 11AM en el Teatro Colsubsidio).

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Hans Laguna y La Sintaxis parecen ser unos buenos chicos catalanes. Ellos dicen comportarse como críos, sin embargo no parecen tan malcriados al verlos tocar sus lindas canciones en un geriátrico frente a lo que yo pensaría es el público más exigente que hay (así fueran los mismísimos abuelitos de “My Generation”).

Estos barceloneces cargan sus pistolas folk desde hace dos años y en octubre de 2009 lanzaron un EP autotitulado con cinco temas en castellano (temo represalias si digo español) que llegó hace unos días a la oficina de CDC y que de alguna manera se logró colar en mi reproductor de música. Son tan buenos muchachos que colgaron para descarga gratuita este EP en muy buena calidad de sonido (en MP3 de 320kbps o en FLAC para los más ñoños).

De la misma Barcelona que nos ha traído a bandas como Dorian, Love of Lesbian y los queridos y odiados Fresones Rebeldes, Hans Laguna y La Sintaxis (puntos extra por el nombre) son una banda de muchachos de apropiado vello facial muy bien cuidado y camisas vaqueras, que no deben confundirse con la pinta del joven indie casual, sino que sirven para tocar esas canciones llenas de sol y caminos polvorientos que ambientan este western con aceitunas que es el “Hans Laguna y la Sintaxis EP”.

Pueden escuchar el EP o descargalo de aquí.

Hans Laguna y La Sintaxis en Myspace /Last.fm/Facebook

Hans Laguna y la Sintaxis: Mayo del 08 (El Manifiesto) from Xavier Daura on Vimeo.

La historia del punk (‘Pretty Vacant’)
Phil Strongman
Ediciones RobinBook. Barcelona, 2008

Por: Julián F. Gutiérrez

La mejor versión de una historia es la que cuentan quienes hicieron parte de ella, por eso es que los seis volúmenes escritos por Winston Churchill sobre la segunda guerra mundial son una lectura muy recomendada sobre el tema (¿sabían que Churchill fue Nobel de literatura?), y lo mismo podría decirse sobre lo escrito por Charles de Gaulle. En el caso del punk, lo mismo sucede con el libro de Phil Strongman, “La historia del punk” (Título original: Pretty Vacant).

Strongman, que participó en la película “The Great Rock & Roll Swindle” y vio la presentación de los Sex Pistols en el Club 100 de 1976, parte de un punto de vital importancia a la hora de escribir esta historia, y es entender al punk no como un género musical o una moda, sino como una revolución cultural de un alcance que se siente aún hoy, cuando varios de sus protagonistas más importantes ya han muerto. Strongman arranca presentándonos una imagen bastante sombría de la Inglaterra de los años setenta en la que la movilidad de clases todavía es un concepto que no se ha digerido completamente, con un jubileo de la Reina Isabel que se celebraba en medio de graves conflictos sociales y laborales en los que el rock, la única alternativa de expresar disensión, se había acomodado y ya era parte del sistema contra el que se había intentado rebelar hace unos años. Al mismo tiempo, el autor derriba algunas de las leyendas urbanas del punk como el hecho que Sid Vicious no sabía tocar bajo… No era el bajista más virtuoso del mundo, pero por lo menos tenía una idea básica de cómo usarlo, al mismo tiempo que da una imagen más facetada de Malcolm McLaren que va más allá de un pelirrojo manipulador y maestro del shock value. Era todo eso, pero también tenía un trasfondo más político relacionado con lo que hacía.

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Ted Leo & The Pharmacists
The Brutalist Bricks
Matador Records, 2010

Creo que ya lo había mencionado por acá, pero le agradezco mucho a 120 minutos (Programa de medianoche en la época en la que MTV si pasaba música y no programas de adolescentes embarazadas) por haberme dado algunos de los mejores hallazgos musicales que he logrado, con bandas como Sleater-Kinney, mis canadienses favoritos Alexisonfire y Ted Leo & The Pharmacists, quienes lanzan su sexto álbum de estudio, The Brutalist Bricks.

Si bien el punk como género obtuvo su acta de defunción hace muchos años, la actitud asociada al mismo está más viva que nunca, y prueba de ello es la música que Ted Leo ha estado haciendo desde 2001 con su banda, prueba de ello es su disco anterior, Living With the Living, el cual, si bien experimentaba con sonidos que iban desde el dub hasta el folk celta, tenía en cada una de sus canciones ese no-se-qué propio de la música de la banda de Washington D.C. The Brutalist Bricks, representa un giro de 180 grados en esa exploración.

Pareciera que la salida del bajista Dave Lerner y el ingreso de Marty Key (Quién también se hace cargo de los teclados), le han dado un nuevo aire a la banda, que decidió dejar la experimentación para enfocarse en el sonido más contundente y directo del que daban a entender que podían ser capaces en anteriores trabajos, como lo demuestra “Woke Up Near Chelsea”, uno de los cortes más interesantes del álbum precisamente por eso, su fuerza y contundencia, lleno de guitarras distorsionadas y la voz más desgarrada que Leo ha tenido en su carrera, cosas que también son visibles en los dos primeros cortes del disco, “The Mighty Sparrow” y “Mourning in America”, y que contrastan con “A Polaroid a Day”, canción en la que Ted Leo parece canalizar la versión punk de Barry White.

Si bien el tema antes mencionado y “Tuberculoids Arrive in Hop” desentonan con el aire general del disco y pueden resultar un tanto chocantes, “The Brutalist Bricks” se convierte en un álbum nivelado por lo rápido y pesado, que demuestra que Ted Leo no tiene miedo de ‘meterle la chancleta’ a lo que hacer más pesada su música refiere, siendo un hallazgo merecedor y prometedor.