Cortesía de la Casa

Suelo pensar que un cantante no debe estar sonriendo en el escenario, no es necesario salir guapo. Yo pienso que cuanta más fealdad le provoquen sus sentimientos al cantar, más hermoso es el resultado y más credibilidad le otorga. Así como dicen que el amor no existe y que vivimos en una infidelidad interrumpida por periodos de querencia y compromiso, puede pasar lo mismo con la felicidad y la tristeza, o eso creo. Porque la felicidad casi no permite una expresión artística, nos hace, más bien, alcanzar un permiso para regalar muestras humanas de afecto y arrebatos pasajeros de tranquilidad y cariño, pero poca capacidad para representarlas con arte. Cuando el amor y la felicidad se vuelven insufribles, dolorosos sentimientos que nos separan de la serenidad; todo explota y el talento emerge más feliz y con más amor que nunca.

Micah Paul Hinson, es un joven adulto, tiene 29 años, que ladra canciones y al que su sufrimiento le ha dado la posibilidad de llegar al conocimiento del alma con bastante precocidad.

Vivió como niño bien, como vagabundo, como delincuente y ahora vive como un aventajado músico, cansado de las drogas y de desperdiciar su tiempo.

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Aún recuerdo la noche del 28 de abril de 2008 cuando Charlyn Marie “Chan” Marshall, después de un concierto demoledor, empezó a lanzar flores a un público que, embelesado, caía enamorado. Era por una noche la novia de la juventud en Bogotá.  Me sentí huérfano.  Íconos como Cat Power escasean por estas tierras: figura hermosa, voz potente y desgarradora que canta cositas de amor y cosas de desamor y uno que otro tema blues que brota de las entrañas.

Durante mucho tiempo la única “novia” que seducía mi juventud musical era Ana Gabriel -en especial los sábados por las mañanas-. No tendrá el mismo porte, pero sí fuerza interpretativa y calidad musical, y -aunque discutible- temas como “Pecado original” y “Mar y Arena” tienen un aire bastante rocanrolero. En los tiempos de ahora, aquellas solistas por las cuales las masas se dejaban enamorar: Claudia de Colombia, Vicky, Emilce y Mariluz han desaparecido y el último conato idílico fue Shakira con sus dos primeros álbumes. De ahí para acá todo se reduce a frustraciones y desengaños.

Falto del amor local hay que optar por las mozuelas extranjeras que hay por cantidad y calidad. Chicas altas, delgadas, de facciones delicadas, con poco maquillaje y cuello largo, ajenas a la figuración mediática, con guitarra terciada y voz fina, lanzan canciones gustadoras. Hablo de Karen Elson, Natalie Merchant, Charlotte Gainsbourg, Alina Orlova, Shara Worden (My Brightest Diamond), Leslie Feist, entre otras. Siga leyendo »

Javiera Mena

Este es el segundo año en el que la Fundación Gilberto Alzate Avendaño se la juega con el Festival Centro, un evento musical que quiere activar (¿reactivar?) el centro de Bogotá como un punto clave para la escena musical joven.

Durante los cinco días del festival, la oferta de bandas locales y extranjeras es variada. La cosa pinta bien y tiene bastante futuro, a menos que llegue alguien a pegoteárselo, lo dejen untar de decisiones políticas o lo dejen estancar en lo trillado, al mejor estilo Rock al Parque.

Cortesía de la Casa hace esta lista de lo que considera chévere, lo anti-chévere y otras cosas con las que no hemos podido definirnos con respecto a este festival, que toma fuerza en la ciudad.

Lo chévere.

Javiera Mena: Javierita tiene un aire de cheveridad y buena onda que es mil veces su estatura. No importa tanto que su disco haya estado en los primeros lugares de cuanta lista de rock alternativo latino existente en la red.

Lucrecia Dalt: Pensamos por un momento que su nuevo nombre era por el señor Dalt, pero realmente es “subir” en catalán. Después de 3 años de vivir en Barcelona vuelve a Colombia y ojalá sea muy, muy ruidosa. (Cómprenle el disco Congost, está bueno).

Lido Pimienta: Queremos ir a un karaoke con ella.

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Xoel López. (Foto por Lola García Garrido)

A continuación el top 13 de mis canciones favoritas de este 2010.  Un brevísimo comentario complementa los videos respectivos para que el lector tenga la oportunidad de escuchar y encontrar, quizás, lo que yo encontré en ellas.

1. Hombre de ninguna parte - Xoel López

La Caravana Americana resume los principios éticos y estéticos de Xoel López e invita a adoptar el caravanismo como estilo de vida.

2. Gotta get that feelin’ - Bruce Springsteen

Un poquito de Orbison, un poquito de Spector, trompetas redentoras y toda la voz de Springsteen en una canción archivada por puro capricho.

3. You’re not alone - Mavis Staples

La distancia entre ‘Jesus etc.’ y esta canción es la voz de Mavis Staples. Pero en el fondo, es el mismo corazón, el de Jeff Tweedy reavivando la esperanza.

4. Y respirar - Pala

De lejos, la mejor canción de ‘Yo y ya’, el disco reciente del  cantautor colombiano que domina con maestría a las palabras. Ahí está el mejor Pala: irónico e insinuante, libre de ataduras, proselitismos y creencias.

5. Good enough - Tom Petty & the Heartbreakers

Me gusta pensar que cuando Jimmy Page escuchó esta canción por primera vez dio por terminada su idea de echar a volar su viejo dirigible y llamó al bajista para contárselo.

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Aparentemente 2010 fue un año malo para los discos. Mientras el año pasado para el post de los mejores diez álbumes tuve que partir de una lista corta de más de 60, en esta oportunidad tuve problemas para listar 20 trabajos rescatables.

Este bien podría ser el mejor disco de 2010. Igual no nos importa.

¿Me estoy volviendo más exigente? No creo. Simplemente estoy perdiendo conexión con las tendencias y los “fenómenos” musicales. Si siguen ahí, si han estado pendientes de los podcasts, o los mixtapes, o los mp3 que colgábamos cada día, o si eventualmente apagaron Radiónica, es probable que estemos en el mismo bote.

Desde hace rato dejé de cuestionarme “lo bueno” y “lo malo”. Desde hace rato pongo lo que me suena bien, las pocas cosas que adquieren significado para mi.

Estos son los discos que más me gustaron en 2010. Aquellos que aún me hacen temblar las tripas y me erizan los pelos del brazo.

Los invito a que dejemos a un lado la mentalidad de listados, encuestas, ventas, etc. y compartamos nuestros álbumes favoritos del año, sin temor a prejuicios y burlas, sino con el ánimo de hacer crecer el conocimiento colectivo que buscamos en este proyecto llamado Cortesía de la Casa.

Estos definitivamente no son los mejores discos del año.

* Las anotaciones que hago de cada álbum son vagas y pendejas, pero sinceras. No busco sorprender ni impresionar a nadie. Comenten lo que les dé la gana.

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Lo de siempre: finaliza el año y todos los aficionados a la música -popular y no popular- escarban en su memoria para comprobar si los discos y las canciones que creyeron iban a estar entre lo mejor, en efecto, resultaron siendo grandiosos, o, por lo contrario, se quedaron al margen de ese deseo irrefrenable de dar play para volver a escuchar ese bendito disco o aquella extraña canción. Sobra decir que las listas siempre están armadas desde la exclusiva subjetividad del aficionado, por lo tanto, deberían ser consideradas algo insignificante, teniendo en cuenta que el disfrute de la música es personal e intransferible, por no decir onanista.

Dicho esto, lo que ve, es lo que hay:

Mis 13 discos favoritos de 2010:

	1. Tulsa - Espera la pálida: Recibí el disco en enero y se me reveló como lo mejor que escucharía en todo el 2010 pese a los once meses que aún restaban para que la música me sorprendiera, y sí que lo hizo, pero no con la magnitud de las once canciones de ‘Espera la pálida’.  Si en su primer álbum (Sólo me has rozado-2007) la española Miren Iza (alias Tulsa) sangraba con ternura, en este, la sensación es de una profunda derrota que se mitiga con su dulce voz, la instrumentación de una banda precisa (con Charlie Bautista en los teclados) que funciona como anestésico y la ironía como su mejor arma de defensa. Lo de Tulsa es rocanrol para lamer las heridas y esperar al lado de la carretera a que amaine el temporal.
	2. Mavis Staples - You are not alone: Cómo resistirse a la combinación mortal de la voz de Mavis Staples y la producción de Jeff Tweedy. Un disco para creer en la redención del alma a través de la música. Gospel en todo el sentido de la palabra. A través de ‘You’re not alone’ la fe se hace tangible y terrenal. La prueba: las trece canciones de un álbum imposible, pero sobre todo, la voz de Mavis Staples, heredera de la tradición de su padre y de una historia que ella misma ha escrito desde los años cincuenta; la de la resistencia, la piedad, la esperanza y la emancipación de un pueblo, de una raza y de una especie. Un repertorio que va desde Randy Newman, pasando por Allen Toussaint hasta John Fogerty tamizado por el filtro sonoro de Wilco y dos canciones escritas por Tweedy que parece tuvieran cien años. Música, el verdadero nombre de dios.
	3. Bruce Springsteen - The Promise: El lado “luminoso” del inmarcesible ‘Darkness on the edge of town’. Si aquel disco de 1978 apagaba el faro de ‘Born to run’, las 23 canciones radiantes de ‘The promise’ confirman que su creador estaba decidido a jugársela con un álbum con la amargura como protagonista, y se convierten en testigos excepcionales del pulso creativo que por entonces Springsteen le ganaba a la mala fortuna y a los despachos judiciales. Sin poder salir de gira, el “Boss” y su E Street band se dedicaron a componer y grabar hasta dar con el mejor disco de su carrera. Lo que quedó guardado por fin vio la luz este año para delicia de sus seguidores que aún se preguntan por qué espero tanto tiempo para que esto sucediera. Con corazón y muro de sonido, Bruce Springsteen abre las puertas de la tierra prometida.

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Julio de la Rosa. Foto por Andrés Wolf

Miércoles 17 noviembre de 2010
Centro Cultural Julio Mario Santodomingo
Bogotá

En el escenario del Teatro Estudio -ubicado al norte más norte de Bogotá- hay una Gibson Epiphone, un par de pedales, un piano de cola y un órgano Hammond iluminados por una tenue luz amarilla. Son las ocho de la noche y mientras la ciudad se encuentra atascada e inundada, literalmente, algunos le hacemos frente al invierno con el deseo de escuchar por primera vez a Julio de la Rosa en vivo.

Un elegante De la Rosa hace presencia en el escenario en calcetines, se tercia la guitarra, respira hondo e introduce las primeras notas de una dolorosa y lenta versión de “De no verte”; en seguida presenta a su compañero de ruta, el pianista Abraham Boba -tan elegante como él- para que lo acompañe en adelante. La irónica y nostálgica “Uno” da paso a “Las camareras” y “Hasta que te hartes”, dos piezas destacadas de su más reciente álbum “La herida universal”.

Abraham Boba. Foto por Andrés Wolf

En apenas cuatro temas, Julio de la Rosa ya había demostrado a los bogotanos de qué fibras está hecho y cuáles son sus principales intereses en la canción. En el aire ya rondaba el espíritu del amor amargo, el “sexo triste” y la desvergüenza. Una versión poco o nada “latinizada” de “Braile” -comparada con la que se encuentra en M.O.S.- dio paso a una interpretación completamente acústica de “Caradura”, en ella De la Rosa caminó por las gradas del teatro con la guitarra desenchufada mientras silbaba para reemplazar el acordeón, de la mano del acompañamiento melódico y los coros de Abraham Boba frente al piano, delatando hermandad y una telepatía perfectamente engrasada que se genera entre los dos músicos cada vez que van solos de gira.

A partir de ese gran truco acústico el público se entregó de lleno a un show que fue creciendo en intensidad moldeada por De la Rosa. Luego de la mordaz “Otro de sus juegos”, recordó a El Hombre Burbuja con una hiriente y primal versión de “Sobras” tan afilada que cortaba el frío de la ciudad. El aire y el alma regresaron al cuerpo de los presentes gracias a esa declaración de principios que podría ser “El traje”;  una sentida y desparpajada interpretación “La cama” dio fin a la primera parte del concierto.

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Un hilo de agua resbala y desciende la única montaña por una fisura oculta: una amable vena surge donde todavía no existe el cauce de ningún río. La incisura se agranda, en realidad ha dudado si hacerlo o no, pero un poder superior origina un torrente de aguas vírgenes, tumultuosas y reflexivas.

Se está gestando mewithoutYou.

Ellos son la montaña, en un principio. Y después el río porque provocan una profunda erosión en la áspera montaña, el caudaloso flujo salpica todo ese inhóspito lugar, y allí florece y aparece un paraje bonancible. En seguida se llena de vigorosos animales, el viento sopla lozano y allá, la composición es bondadosa y pura. Una superficie aguerrida, es la tierra de Aaron Weiss y su banda. Cuando suena su arpa cubierto de escarcha, sale el Sol. Y en ese enclave su Dios les dio la palabra para que la religión del libro saliese de la encuadernación y consiguiese agitar a sus seguidores con danzas valientes y primitivas. El soberano les animó para que su tierra fuera fervorosa y musical. Les encomendó promulgar la providencia y la meditación, ellos decidieron hacerlo de un modo salvaje. Creando sus propias tormentas místicas de raíces metálicas, con tambores que suceden a guitarras. Relámpagos de cuerda que orientan su resplandor hacia la enrrabietada voz de Aaron.

mewithoutYou habita un territorio espiritual y fiero, y el ocaso lo acompañan con acordeón y trompeta. Estremeciendo las briznas de hierba recién crecida y calada por un fértil pero auto-dubitativo mantillo.

El escritor de canciones  y compositor de bandas sonoras Julio de la Rosa se presenta en Bogotá este miércoles.

Miércoles 17 noviembre de 2010, 8PM
Lugar: CENTRO CULTURAL JULIO MARIO SANTODOMINGO (Calle 170 # 67 - 51 - San José de Bavaria)
Entradas: Taquillas Tu Boleta y taquillas del teatro
Precios: $22mil

Myspace Julio de la Rosa
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En medio del aluvión de conciertos -de lo que en su momento se consideró como música “indie”- que llenan la agenda cultural bogotana hay uno que concentra mi atención y mi deseo: el de Julio de la Rosa.

Julio de la Rosa es español, es inquieto, es cantautor, es compositor de música para películas, es productor y es escritor. Dicho de otra forma  -de la mejor forma- Julio de la Rosa es un artista, y está en Bogotá, y perdérselo sería una pena mortal.

Entro en detalles: Julio de la Rosa es uno de los músicos más importantes de la escena independiente en España. Desde mediados de los noventa se empezó a vérsele en los escenarios como miembro de la banda sevillana Strange Fruit, luego en 1998, en su natal Jerez de la Frontera conformó la emblemática agrupación El Hombre Burbuja hasta el 2003, año en que decidió volar solo y firmar sus discos con su nombre propio.

A partir de “M.O.S” (2004) se descubre a De la Rosa como un escritor genuino lleno de ironía y la tensión propia del que ha visto y vivido todo, o casi, libre de las ataduras que le imponía hacer parte de un grupo. En su disco conceptual “Las leyes del equilibrio” (2005) narra la dramática historia de Manuel, son once canciones oscuras que aturden y hieren en medio de una experimentación sonora que recuerdan a los más arriesgados Nick Cave o Tom Waits. Siga leyendo »

Andrés Orozco Estrada

El 20 de junio de 2003, después de 12 años, el maestro Francisco Rettig terminó su ciclo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). Ese día se interpretaron obras de Mahler y Wagner. “Son dos de los compositores que más han impresionado mi vida musical”, comentó el Maestro en su discurso de despedida.

El Concierto evidenció el nivel en el cual Rettig dejaba la OFB, que para la época era sinónimo de respeto internacional y cohesión desde la ciudad. Aún Rettig es merecedor del agradecimiento de una nueva generación que entiende la música absoluta de una manera sencilla, no elitista, inteligente y más que sensible.

Insustituible fue durante más de un año, y completada casi una década no se ha logrado un proceso de igual calidad. La orquesta se ha nutrido de la experiencia de Hoffman, de la tenacidad de Shambadal, de la persistencia de Carrizosa y de la pedagogía de Jaramillo, sin embargo, con cada  visita del maestro a la capital reaparece la nostalgia.

Casi un año después de su partida (2004) un programa auguraba algo diferente. Obras de Schnittke, Nino Rota y Mendelssohn, dirigidas por el colombiano Andrés Orozco.  Actualmente parecerá popular, tendrá publicidad de página entera en los periódicos (pagados por la fundación que en suerte becó su talento), pero en aquella época, su poco reconocimiento contrastaba con su impresionante currículo. Estudió dirección orquestal desde los 15 años y ya en el 2000 estaba en periplo como director de orquestas en Viena.

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